Teoreetilised teadmised, mida õpilased saavad MCC tundides, on nõudlikud kunstiteose analüüsimisel, mida tegelikult maailma kunstikultuuri tundides uuritakse ja arvestatakse. Milline on erinevat tüüpi kunstiteoste analüüsimise algoritm? Võib-olla on allpool esitatud teave kasulik õpetajale, kes otsib sellele küsimusele vastust.

Algoritm kunstiteose analüüsimiseks

Selle algoritmi kallal töötamise põhitingimus on asjaolu, et pildi nimi ei peaks olema töö tegijatele teada.

1. Mis nime sa sellele maalile paneksid?
2. Kas pilt meeldib või mitte? (Vastus peab olema mitmetähenduslik).
3. Rääkige sellest pildist, et inimene, kes seda ei tea, saaks sellest aimu.
4. Milliseid tundeid see pilt sinus äratab?
5. Mida teie arvates autor selle pildiga "ütleda tahtis"? Mis on selle põhiidee, "miks" ta selle kirjutas?
6. Mida autor tegi, et me tema kavatsusest aru saaksime? Milliste vahenditega ta selle saavutas?
7. Kas soovite oma vastuses esimesele küsimusele midagi lisada või muuta?
8. Minge tagasi teise küsimuse juurde. Kas teie hinnang on jäänud samaks või muutunud? Miks sa seda pilti praegu nii kõrgelt hindad?

Kunstiteoste analüüsi algoritm

1. Maali pealkirja tähendus.
2. Žanriline kuuluvus.
3. Pildi süžee omadused. Värvimise põhjused. Otsige vastust küsimusele: kas autor andis oma kavatsuse vaatajale edasi?
4. Pildi kompositsiooni omadused.
5. Kunstilise pildi peamised vahendid: värv, joonistus, tekstuur, chiaroscuro, kirjutamisstiil.
6. Millise mulje see kunstiteos teie tunnetele ja meeleolule jättis?
7. Kus see kunstiteos asub?

Algoritm arhitektuuriteoste analüüsimiseks

1. Mida teatakse arhitektuurse ehitise loomise ajaloost ja selle autorist?
2. Märkige selle teose kuuluvus kultuuri- ja ajalooajastusse, kunstistiil, suund.
3. Millise kehastuse leidis Vitruviuse valem selles teoses: tugevuse, kasulikkuse, ilu?
4. Märkida kunstilised vahendid ja tehnikad arhitektuurse kujutise loomiseks (sümmeetria, rütm, proportsioonid, valguse ja varjundi ning värvide modelleerimine, skaala), tektoonilised süsteemid (posttala, lantsett-kaar, kaar-kuppel).
5. Märkida arhitektuuriliigi kuuluvus: ruumilised ehitised (avalikud: elamu, tööstus); maastik (maastik või väikevormid); linnaplaneerimine.
6. Märkida seos arhitektuurse ehitise välise ja sisemise ilme vahel, seos hoone ja reljeefi vahel, maastiku iseloom.
7. Kuidas kasutatakse selle arhitektuurse välimuse kujundamisel teisi kunstiliike?
8. Millise mulje töö teile jättis?
9. Milliseid assotsiatsioone tekitab kunstiline pilt ja miks?
10. Kus asub arhitektuur?

Algoritm skulptuuritööde analüüsimiseks

1. Teose loomise ajalugu.
2. Autori kohta. Millise koha see teos tema loomingus hõivab?
3. Kunstiajastusse kuuluv.
4. Töö pealkirja tähendus.
5. Skulptuuri tüüpidesse kuulumine (monumentaal, memoriaal, molbert).
6. Materjali kasutamine ja selle töötlemise tehnika.
7. Skulptuuri mõõtmed (kui on oluline teada).
8. Pjedestaali kuju ja suurus.
9. Kus see skulptuur asub?
10. Millise mulje see teos teile jättis?
11. Milliseid assotsiatsioone tekitab kunstiline pilt ja miks?

Materjali andis T.A. Zaitseva, metoodik, MOUDO "IMC"

Kirjandus

1. Maailma kunstikultuur: 10-11 klass: Lisamaterjalid tundideks / toim. - komp. O. E. Nadeljajeva. - Volgograd: Õpetaja, 2009. - 198 lk.

Vaatamisi: 20 779

Kujutava kunsti teoste analüüsi põhimõtted

Kujutava kunsti teoste analüüsi ja kirjeldamise põhiprintsiibid

Ligikaudne summa, mida peate teadma, on

• –Sissejuhatus distsipliini "Kunstiteose kirjeldus ja analüüs" uurimisse.

Distsipliini põhimõisted: kunst, kunstiline pilt; kunsti morfoloogia; kunsti liik, perekond, žanr; plastist ajutised, sünteetilised kunstivormid; tektooniline ja pildiline; stiil, kunsti "keel"; semiootika, hermeneutika, kirjandustekst; vormimeetod, stiilianalüüs, ikonograafia, ikonoloogia; omistamine, asjatundmine; esteetiline hindamine, retsensioon, kvantitatiivsed meetodid kunstiajaloos.

• – Esteetiline kunstiteooria: kunstiline pilt on kunsti ja kunstilise mõtlemise universaalne vorm; kunstiteose struktuur; ruum ja aeg kunstis, kunstiliikide ajalooline dünaamika; kunstide süntees ajaloolises ja kultuurilises protsessis.
• – Kunsti morfoloogia: kunstiliikide klassifikatsioon; žanr kunstilise morfoloogia kategooriana.
• – Plastiliste kunstide kui tüüpide eripärad: arhitektuur, skulptuur, graafika, maal.
• – Kunsti semiootika ja hermeneutika kunstiteose kirjeldamise ja analüüsi kontekstis: kunstikeeled, märgikäsitlus kunsti uurimisel, kunstiteos kui tekst, teksti hermeneutiline mõistmine.
• – Kirjandusteksti analüüsi metodoloogilised alused: vormistilistiline, ikonograafiline, ikonoloogia.

Nagu igal teadusel, on ka kunstiajaloo teoorial oma meetodid. Nimetagem peamised: ikonograafiline meetod, Wölfflini meetod või vormilise stilistilise analüüsi meetod, ikonoloogiline meetod, hermeneutika meetod.

Ikonograafilise meetodi rajajad olid vene teadlane N.P. Kondakov ja prantslane E. Mal. Mõlemad teadlased tegelesid keskaja kunstiga (Kondakov oli Bütsantsi maalikunstnik, Mal uuris läänekeskaega). See meetod põhineb "pildi ajalool", süžee uurimisel. Teoste tähendusest ja sisust saab aru, kui uurida kujutatut. Vana-Vene ikooni saab mõista ainult piltide ilmumise ja arengu ajalugu põhjalikult uurides.

Probleem pole selles, mida kujutatakse, vaid selles, kuidas seda kujutatakse, tegeles kuulus saksa teadlane G. Wölfflin. Wölfflin astus kunstiajalukku "formalistina", kelle jaoks kunsti mõistmine taandub selle formaalse struktuuri uurimisele. Ta tegi ettepaneku teha vormilis-stilistiline analüüs, lähenedes kunstiteose uurimisele kui "objektiivsele faktile", mida tuleks mõista eelkõige iseendast.

Kunstiteose analüüsi ikonoloogilise meetodi töötas välja Ameerika ajaloolane ja kunstiteoreetik E. Panofsky (1892-1968). See meetod põhineb teose tähenduse paljastamisel kulturoloogilisel lähenemisel. Kujutise mõistmiseks on teadlase sõnul vaja kasutada mitte ainult ikonograafilisi ja vormilis-stilistilisi meetodeid, luues neist sünteesi, vaid ka olla kursis inimese vaimse elu olemuslike tendentsidega, s.t. ajastu maailmapilt ja isiksus, filosoofia, religioon, sotsiaalne olukord – kõik see, mida nimetatakse "aegade sümboliteks". Siin nõuab kunstikriitik tohutuid teadmisi kultuuri vallas. See ei ole niivõrd analüüsivõime, vaid intuitsiooni sünteesimise nõue, sest ühes kunstiteoses sünteesitakse justkui terve ajastu. Nii paljastas Panofsky hiilgavalt mõne Düreri gravüüri, Tiziani teoste ja teiste tähenduse.Kõiki neid kolme meetodit koos kõigi plusside ja miinustega saab kasutada klassikalise kunsti mõistmiseks.

XX sajandi kunsti on raske mõista. ja eriti 20. sajandi teine ​​pool, postmodernismi kunst, mis a priori pole meie mõistmiseks mõeldud: selles on tähenduse puudumine teose tähendus. Postmodernismi kunst lähtub totaalsest mänguprintsiibist, kus vaataja toimib teose loomise protsessi omamoodi kaasautorina. Hermeneutika on mõistmine tõlgendamise kaudu. Kuid I. Kant ütles ka, et igasugune tõlgendus on seletus sellele, mis pole ilmne, ja et see põhineb vägivallaaktil. Jah see on. Kaasaegse kunsti mõistmiseks oleme sunnitud liituma selle "reegliteta mänguga" ja kaasaegse kunsti teoreetikud loovad paralleelkujundeid, tõlgendades nähtut.

Seega, võttes arvesse neid nelja kunsti mõistmise meetodit, tuleb märkida, et iga teatud kunstiajaloo perioodiga tegelev teadlane püüab alati leida oma lähenemisviisi teose tähenduse ja sisu paljastamiseks. Ja see on kunstiteooria põhijoon.

• - Kunsti faktograafiline uurimine. Kunstiteose omistamine: omistamine ja tundmine, omistamisteooria ja selle kujunemise ajalugu, omistamistöö põhimõtted ja meetodid.

Tundlikkuse ajalugu kirjeldavad ilmekalt ja üksikasjalikult kodumaised kunstiteadlased. V.N. Lazarev (1897-1976) ("Konnoisseursuse ajalugu"), B.R. klaasipuhasti (1888-1967) ("Omistamise probleemist"). XIX sajandi keskel. ilmub uut tüüpi kunsti "tundja", mille eesmärgiks on omistamine, s.t. teose autentsuse, aja, loomiskoha ja autorluse tuvastamine. Tundjal on fenomenaalne mälu ja teadmised, laitmatu maitse. Ta on näinud palju muuseumikogusid ja tal on reeglina oma meetod teose omistamiseks. Juhtroll teadmiste kui meetodi arendamisel kuulus itaallastele Giovanni Morelli (1816-1891), kes esimest korda püüdis tuletada maali ülesehituses mõningaid seaduspärasusi, luua "kunstikeele grammatikat", millest pidi saama (ja sai) omistamismeetodi aluseks. Morelli tegi Itaalia kunsti ajaloos mitmeid väärtuslikke avastusi. Morelli järgija oli Bernard Bernson (1865-1959), kes väitis, et ainus tõeline hinnangu allikas on teos ise. Burnson elas pika ja värvika elu. V.N. Lazarev kirjeldas asjatundmise ajalugu käsitlevas väljaandes entusiastlikult kogu teadlase loomingulist teed. Mitte vähem huvitav asjatundmise ajaloos on saksa teadlane Max Friedlander (1867-1958). Friedlander pidas omistamismeetodi aluseks nähtud kunstiteosest saadud esmamuljet. Alles siis saab asuda teadusliku analüüsi juurde, kus väikseimgi detail võib olla oluline. Ta tunnistas, et iga uurimus võib esmamuljet kinnitada ja täiendada või vastupidi ümber lükata. Kuid see ei asenda seda kunagi. Asjatundjal peab Friedländeri sõnul olema kunstiline hõng ja intuitsioon, mis "nagu kompassinool, vaatamata kõikumisele, näitab meile teed". Kodumaises kunstiajaloos tegelesid paljud teadlased ja muuseumitöötajad omistamistööga ning olid tuntud asjatundjatena. B.R. Wipper eristas kolme peamist omistamisjuhtu: intuitiivne, juhuslik ja kolmas - peamine omistamisviis -, kui uurija läheneb erinevate meetodite abil töö autori kindlaksmääramisele. Wipperi meetodi määravaks kriteeriumiks on maali tekstuur ja emotsionaalne rütm. Tekstuur viitab värvile, löögi olemusele jne. Emotsionaalne rütm on sensuaalse ja vaimse väljenduse dünaamika maalil või mõnel muul kujutava kunsti vormil. Rütmi ja tekstuuri mõistmise oskus on kunstikvaliteedi õige mõistmise ja väärtustamise põhiolemus. Nii andsid asjatundjate, muuseumitöötajate arvukad atribuudid ja avastused kunstiajalukku vaieldamatu panuse: ilma nende avastusteta ei tunneks me teoste tõelisi autoreid ära, võttes võltsinguid originaalidena. Tõelisi eksperte on alati olnud vähe, neid teati kunstimaailmas ja nende tööd hinnati kõrgelt. Teadja-eksperdi roll kasvas eriti 20. sajandil, mil kunstiturg täitus suure nõudluse tõttu kaunite kunstiteoste järele võltsingutega. Ükski muuseum, kollektsionäär ei osta teost ilma põhjaliku uurimiseta. Kui esimesed asjatundjad tegid oma järeldused teadmiste ja subjektiivse taju põhjal, siis kaasaegne ekspert tugineb tehnilise ja tehnoloogilise analüüsi objektiivsetele andmetele, milleks on: pildi röntgenikiirgus, värvi keemilise koostise määramine, lõuendi, puidu, pinnase vanuse määramine. Nii saab vigu vältida. Seega oli muuseumide avamisel ja asjatundjate tegevusel suur tähtsus kunstiajaloo kui iseseisva humanitaarteaduse kujunemisel.

• – Kunstiteose emotsionaalne ja esteetiline hindamine. Žanrivormid, kunstiajaloo uurimise meetodid.

Primitiivne analüüsi algoritm:

Kunstiteoste analüüsi algoritm

1. Maali pealkirja tähendus.
2. Žanriline kuuluvus.
3. Pildi süžee omadused. Värvimise põhjused. Otsige vastust küsimusele: kas autor andis oma kavatsuse vaatajale edasi?
4. Pildi kompositsiooni omadused.
5. Kunstilise pildi peamised vahendid: värv, joonistus, tekstuur, chiaroscuro, kirjutamisstiil.
6. Millise mulje see kunstiteos teie tunnetele ja meeleolule jättis?
7. Kus see kunstiteos asub?

Algoritm arhitektuuriteoste analüüsimiseks

1. Mida teatakse arhitektuurse ehitise loomise ajaloost ja selle autorist?
2. Märkige selle teose kuuluvus kultuuri- ja ajalooajastusse, kunstistiil, suund.
3. Millise kehastuse leidis Vitruviuse valem selles teoses: tugevuse, kasulikkuse, ilu?
4. Märkida kunstilised vahendid ja tehnikad arhitektuurse kujutise loomiseks (sümmeetria, rütm, proportsioonid, valguse ja varjundi ning värvide modelleerimine, skaala), tektoonilised süsteemid (posttala, lantsett-kaar, kaar-kuppel).
5. Märkida arhitektuuriliigi kuuluvus: ruumilised ehitised (avalikud: elamu, tööstus); maastik (maastik või väikevormid); linnaplaneerimine.
6. Märkida seos arhitektuurse ehitise välise ja sisemise ilme vahel, seos hoone ja reljeefi vahel, maastiku iseloom.
7. Kuidas kasutatakse selle arhitektuurse välimuse kujundamisel teisi kunstiliike?
8. Millise mulje töö teile jättis?
9. Milliseid assotsiatsioone tekitab kunstiline pilt ja miks?
10. Kus asub arhitektuur?

Algoritm skulptuuritööde analüüsimiseks

1. Teose loomise ajalugu.
2. Autori kohta. Millise koha see teos tema loomingus hõivab?
3. Kunstiajastusse kuuluv.
4. Töö pealkirja tähendus.
5. Skulptuuri tüüpidesse kuulumine (monumentaal, memoriaal, molbert).
6. Materjali kasutamine ja selle töötlemise tehnika.
7. Skulptuuri mõõtmed (kui on oluline teada).
8. Pjedestaali kuju ja suurus.
9. Kus see skulptuur asub?
10. Millise mulje see teos teile jättis?
11. Milliseid assotsiatsioone tekitab kunstiline pilt ja miks?

Veel:

Näidisküsimused kunstiteose analüüsimiseks

Emotsionaalne tase:

• Millise mulje teos jätab?
• Millist meeleolu püüab autor edasi anda?
• Milliseid aistinguid saab vaataja kogeda?
• Milline on töö iseloom?
• Kuidas aitavad teose emotsionaalset muljet tekitada osade mõõtkava, formaat, horisontaalne, vertikaalne või diagonaalne paigutus, teatud arhitektuursete vormide kasutamine, teatud värvide kasutamine pildil ja valguse jaotus arhitektuurimälestises?

Õppeaine tase:

• Mis (või kes) on pildil?
• Mida näeb vaataja fassaadi ees seistes? Interjöörides?
• Keda sa skulptuuril näed?
• Tõstke nähtu põhjal esile peamine.
• Proovige selgitada, miks see tundub teie jaoks peamine olevat?
• Milliste vahenditega toob kunstnik (arhitekt, helilooja) välja peamise?
• Kuidas on teoses objektid paigutatud (ainekompositsioon)?
• Kuidas joonistuvad töös põhijooned (lineaarne kompositsioon)?
• Kuidas võrreldakse mahtusid ja ruume arhitektuurses struktuuris (arhitektuurses kompositsioonis)?
• Loo tase:
• Proovige pildi süžeed ümber jutustada.
• Proovige ette kujutada, millised sündmused võivad selles arhitektuurilises struktuuris sagedamini juhtuda.
• Mida saab see skulptuur teha (või öelda), kui see ellu ärkab?

Sümboolne tase:

• Kas teoses on esemeid, mis midagi sümboliseerivad?
• Kas teose kompositsioon ja selle põhielemendid on sümboolse iseloomuga: horisontaalne, vertikaalne, diagonaal, ring, ovaal, värv, kuup, kuppel, kaar, võlv, sein, torn, tornikiiv, žest, poos, riietus, rütm, tämber jne..?
• Mis on teose pealkiri? Kuidas on see seotud selle süžee ja sümboolikaga?
• Mida tahtis teose autor teie arvates inimestele edasi anda?

Maali analüüsi plaan

1. 1. Autor, töö pealkiri, loomise aeg ja koht, idee ja teostuse ajalugu. Mudeli valik.
2. 2. Stiil, suund.
3. 3. Maali tüüp: molbert, monumentaalne (fresko, tempera, mosaiik).
4. 4. Materjali valik (molbertvärvimiseks): õlivärvid, akvarell, guašš, pastell. Selle materjali kasutamise tunnused kunstniku jaoks.
5. 5. Maaližanr (portree, maastik, natüürmort, ajalooline maal, panoraam, dioraam, ikoonimaal, jahisadam, mütoloogiline žanr, igapäevane žanr). Žanri tunnused kunstniku töödele.
6. 6. Maaliline süžee. Sümboolne sisu (kui see on olemas).
7. 7. Teose maalilised omadused:

• värv;
• valgus;
• maht;
• tasapinnalisus;
• värv;
• kunstiline ruum (kunstniku poolt teisendatud ruum);
• rida.

9. Isiklik mulje töö vaatamisel.

Täpsemad andmed:

• Kompositsiooniskeem ja selle funktsioonid
  • suurus
  • formaat (vertikaalselt ja horisontaalselt piklik, ruudukujuline, ovaalne, ümmargune, kuvasuhe)
  • geomeetrilised mustrid
  • peamised kompositsiooniliinid
  • tasakaal, pildi osade suhe omavahel ja tervikuga,
  • vaatamise järjekord
• Kosmos ja selle funktsioonid.
  • Perspektiiv, kaduvad punktid
  • tasasust ja sügavust
  • ruumiplaneeringud
  • kaugus vaataja ja teose vahel, vaataja koht pildi ruumis või sellest väljaspool
  • vaatepunkt ja nurkade olemasolu, horisondijoon
• Chiaroscuro, maht ja nende roll.
  • maht ja tasapind
  • joon, siluett
  • valgusallikad, kellaaeg, valgusefektid
  • valguse ja varju emotsionaalne mõju
• Värv, värv ja selle funktsioonid
  • tonaalse või kohaliku värvi ülekaal
  • soojad või külmad värvid
  • lineaarsus või maalilisus
  • põhilised värvilaigud, nende seosed ja roll kompositsioonis
  • toon, valeria
  • refleksid
  • värvi emotsionaalne mõju
• Pinna tekstuur (Smear).
  • joone olemus (avatud tekstuur, sile tekstuur)
  • määrimise orientatsioon
  • määrima suurus
  • klaasimine

Arhitektuurimälestiste kirjeldus ja analüüs

Teema 1. Arhitektuuri kunstikeel.

Arhitektuur kui kunstivorm. Mõiste "kunstiarhitektuur". Kunstiline kuvand arhitektuuris. Arhitektuuri kunstikeel: selliste kunsti väljendusvahendite mõiste nagu joon, tasapind, ruum, mass, rütm (arütmia), sümmeetria (asümmeetria). Kanoonilised ja sümboolsed elemendid arhitektuuris. Hoone plaani kontseptsioon, välisilme, interjöör. Stiil arhitektuuris.

Teema 2. Arhitektuuristruktuuride põhitüübid

Linnakunsti monumendid: ajaloolised linnad, nende osad, muinasplaneerimise kohad; arhitektuurikompleksid, ansamblid. Elamuarhitektuuri monumendid (kaupmeeste, aadlike, talupoegade mõisad, tulundusmajad jne) Tsiviil-avaliku arhitektuuri mälestised: teatrid, raamatukogud, haiglad, õppehooned, administratiivhooned, raudteejaamad jne Kultusmälestised: templid, kabelid, kloostrid . Kaitsearhitektuur: vanglad, kindlustornid jne Tööstusarhitektuuri monumendid: tehasekompleksid, hooned, sepikojad jne.

Aia- ja pargimälestised, aia- ja maastikukunst: aiad ja pargid.

Teema 3. Arhitektuurimälestise kirjeldus ja analüüs

Ehitusplaan, ehitusmaterjal, välismahu koostis. Tänava ja hoovi fassaadi, ukse- ja aknaavade, rõdude, välis- ja siseviimistluse kirjeldus. Järeldus arhitektuurimälestise stiili ja kunstiväärtuste, selle koha kohta linna, küla, piirkonna ajaloolises ja arhitektuuripärandis.

ARHITEKTUURIMEMENDI MONOGRAAFILISE ANALÜÜSI MEETODID

1. Konstruktiivsete ja tektooniliste süsteemide analüüs hõlmab järgmist:

a) graafiline identifitseerimine monumendi konstruktiivse aluse perspektiiv- või ortogonaalsetel projektsioonidel (näiteks võlvide ja kuplite piirjoonte joonistamine punktiirjoonega, sisestruktuuri "kuvamine" fassaadil, omamoodi fassaadi "kombineerimine" sektsiooniga, sektsioonide varjutavad pinnad, et selgitada interjööri struktuuri jne)

b) konstruktsioonielementide ja vastavate tektooniliste arhitektuursete vormide läheduse ja seotuse astme selgitamine (näiteks vöökaarte, võlvide valik sektsioonides ja nende määratlus, nende mõju zakomaride, kokoshnikute, kolme teraga kaarte vormidele , jne.)

c) monumendi teatud tektooniliste skeemide koostamine (näiteks gooti katedraali võlvkatte skeem või sammasteta templi siseruumi "valatud" skeem - aksonomeetrias jne);

2. Proportsioonide ja proportsioonide analüüs toimub reeglina ortogonaalprojektsioonides ja koosneb kahest punktist:

a) otsima mälestise peamiste mõõtmete parameetrite vahel mitut suhet (näiteks 2:3, 4:5 jne), võttes arvesse asjaolu, et neid proportsioone saab ehituse ajal kasutada, et jätta kõrvale vajalikud väärtused looduses. Samal ajal tuleks monumendis korduvalt esinevaid mõõtmete väärtusi (mooduleid) võrrelda ajalooliste pikkusmõõtudega (jalad, sazhens jne);

b) enam-vähem püsiva geomeetrilise seose otsimine monumendi põhivormide suuruste ja liigenduste vahel, lähtudes kõige lihtsamate geomeetriliste kujundite (ruut, topeltruut, võrdkülgne kolmnurk jne) elementide korrapärastest seostest ning nende tuletised. Ilmunud proportsioonid ei tohiks olla vastuolus monumendi tektooniliste vormide konstrueerimise loogika ja selle üksikute osade püstitamise ilmse järjestusega. Analüüsi saab lõpetada, sidudes algse geomeetrilise kujundi (näiteks ruudu) mõõtmed mooduli ja ajalooliste pikkusmõõtudega.

Treeningharjutusel ei tohiks püüda tuvastada liiga palju seoseid, palju olulisem on pöörata tähelepanu valitud proportsioonide ja proportsioonide kvaliteedile, st nende kompositsioonilisele olulisusele, seosele peamiste tektooniliste jaotuste mõõtmete seostega. mahud ja nende kasutamise võimalus monumendi püstitamise protsessis.

3. Metrorütmiliste mustrite analüüsi saab läbi viia nii ortogonaalsetel joonistel kui ka monumendi perspektiivkujutistel (joonised, fotod, slaidid jne). Meetodi olemus on taandatud graafilisele allakriipsutamisele (joone, tooni, varjundi või värviga) mis tahes meetrilise ja rütmilise vormiseeria monumendi kujutisel nii vertikaalselt kui ka horisontaalselt. Sel viisil eristatud meetrilised read (näiteks sammaskäigud, aknaavad, karniisid jne) ja rütmilised read (näiteks kõrguse kahanevad astmed, kaarede vahekaugused jne) võimaldavad tuvastada “staatilist” või selle monumendi "dünaamiline" arhitektuurne kompositsioon. Samas on rütmilise vormirea liikmete muutumismustrite väljaselgitamine tihedalt seotud proportsioonide analüüsiga. Uuringu tulemusena koostatakse tingimuslikud skeemid, mis kajastavad selle arhitektuurimälestise metrorütmiliste vormiseeriate ehituse iseärasusi.

4. Graafiline rekonstrueerimine võimaldab taastada monumendi kadunud välimuse selle ajaloolise eksisteerimise mis tahes etapis. Rekonstrueerimine toimub kas ortogonaalse joonise (plaan, fassaad) vormis, kui on olemas vastav aluspõhi, või elujoonisest või fotost (slaidist) tehtud perspektiivpildina. Rekonstrueerimise allikana tuleks kasutada monumendi avaldatud muinaspilte, erinevaid ajaloolisi kirjeldusi, aga ka materjale sama ajastu sarnaste mälestiste kohta.

Hariduslikel eesmärkidel kutsutakse õpilast tegema vaid eskiisrekonstruktsiooni, mis ainult üldjoontes annab edasi monumendi algse või muudetud välimuse olemust.

Paljudel juhtudel võib üliõpilane piirduda erinevate teadlaste tehtud sama monumendi rekonstrueerimisvõimaluste võrdlemisega. Siis on aga vaja anda neile variantidele mõistlik hinnang ja tuua välja neist kõige tõenäolisem. Õpilane peab oma valikut graafiliselt põhjendama sarnaste monumentide või nende fragmentide kujutisega.

Rekonstrueerimise eriliik - monumendi algse ja hiljem kaotatud värvi taastamine - viiakse läbi ortogonaalsete fassaadide või perspektiivsete kujutiste alusel koos võimaliku ajaloolise linnakeskkonna kaasamisega.

Graafilise rekonstrueerimise ülesande täitmisel saab laialdaselt kasutada joonistamise ja fotomontaaži meetodit.

5. Arhitektuuripiltide konstrueerimine on väljatöötatud kolmemõõtmelise kompositsiooniga monumentide analüüsimise tehnika, mis on mõeldud aja jooksul järkjärguliseks tajumiseks, nagu Erechtheion Ateenas või Pokrovski katedraal Moskvas. Sellise monumendi juures ringi liikudes tajub vaataja mõne köite katmise tõttu teistega palju üksteisesse voolavaid perspektiivseid kujutisi, mida nimetatakse arhitektuurimaalinguteks.

Õpilase ülesandeks on välja tuua kvalitatiivselt erinevad arhitektuurimaalide rühmad, määrata plaanil nende maalirühmade tajutsoonid ja illustreerida iga gruppi ühe karakteristikuga perspektiivse joonise või foto (slaidi) kujul.

Kvalitatiivselt erinevate maalide arv ei ületa tavaliselt viit-kuut.

6. Mõõtkava ja mõõtkava analüüs seisneb arhitektuurse mahu jaotuste mastaapse rolli väljaselgitamises ja graafilises valikus monumendi iseloomulike detailide – “mastaabinäitajate”, nagu astmed, balustraadid jne – ortogonaalsetel või perspektiivsetel piltidel. Erilist tähelepanu tuleks pöörata ordu rollile universaalse arhitektuurilise tööriistana.

ARHITEKTUURIMEMENTIDE VÕRDLEVA ANALÜÜSI MEETODID

1. Kahe mälestise ruumilise kompositsiooni võrdlemine toimub plaanide, fassaadide või sektsioonide võrdlemise teel, taandatuna ühisele mõõtkavale. Plaanide, fassaadide ja sektsioonide katmine või kombineerimine on väga tõhus; mõnikord on kahe monumendi projektsioonide kombineerimisel kasulik viia need mõnele ühisele suurusele, näiteks samale kõrgusele või laiusele (sel juhul võrreldakse ka monumentide proportsioone).

Võrdlus on võimalik ka monumentide perspektiivpiltide võrdlemise eesmärgil loodusjoonistuste või fotode kujul. Sel juhul tuleks jooniseid või fotosid teha sarnaste nurkade alt ja sellistest punktidest, millest ilmnevad monumentide mahulise koostise iseloomulikud tunnused. Tuleks jälgida, et mälestiste kujutised vastaksid oma suhtelise suuruse poolest ligikaudu nende suuruste vahekordadele looduses.

Kõigil võrdlevate võrdluste puhul tuleb mälestiste erinevus tavaliselt selgemalt välja kui nende sarnasuse hetked. Seetõttu tuleb graafiliselt rõhutada seda, mis võrreldavaid objekte kokku viib, näiteks kompositsioonitehnikate identsus, analoogia mahtude kombinatsioonis, jaotuste sarnasus, avauste paiknemine jne.

Skulptuurimälestiste kirjeldus ja analüüs

Skulptuuri kunstikeel

Skulptuuriteoste analüüsimisel tuleb arvestada skulptuuri kui kunstiliigi enda parameetritega. Skulptuur on kunstivorm, milles tõeline kolmemõõtmeline maht suhtleb ümbritseva kolmemõõtmelise ruumiga. Skulptuuri analüüsimisel on peamine maht, ruum ja nende koosmõju. skulptuuri materjalid. Skulptuuri liigid. skulptuuri žanrid.

Skulptuuritöö kirjeldus ja analüüs.

Plaani näidis:

1. Kui suur on see skulptuur? Skulptuur on monumentaalne, molbert, miniatuurne. Suurus mõjutab seda, kuidas see ruumiga suhtleb.

2. Millises ruumis analüüsitav teos paiknes (templis, platsil, majas jne)? Millise vaatenurga jaoks see oli mõeldud (kaugusest, alt, lähedalt)? Kas see on osa arhitektuuri- või skulptuuriansamblist või on see iseseisev töö?

3. Mil määral hõlmab kõnealune teos kolmemõõtmelist ruumi (ümarskulptuur ja arhitektuuriga seotud skulptuur; arhitektuurne ja skulptuurne vorm, kõrgreljeef; reljeef; bareljeef; maaliline reljeef; vastureljeef)

4. Mis materjalist see on valmistatud? Millised on selle materjali omadused? Isegi kui analüüsite valanguid, on oluline meeles pidada, mis materjalist originaal tehti. Minge originaalide saali, vaadake, kuidas skulptuur välja näeb, valmistatud teid huvitavast materjalist. Milliseid skulptuuri tunnuseid dikteerib selle materjal (miks just see materjal selle töö jaoks valiti)?

5. Kas skulptuur on loodud fikseeritud vaatepunktide jaoks või avaneb see ringi kõndides täielikult? Mitu terviklikku ilmekat siluetti sellel skulptuuril on? Millised on need siluetid (kinnised, kompaktsed, geomeetriliselt õiged või maalilised, avatud)? Kuidas on siluetid omavahel seotud?

6. Millised on selle skulptuuri või skulptuurirühma proportsioonid (osade ja terviku suhted)? Millised on inimfiguuri proportsioonid?

7. Milline on skulptuuri muster (suurte kompositsiooniplokkide vaheliste suhete areng ja komplitseerimine, sisemiste liigenduste rütm ja pinnaarengu iseloom)? Kui me räägime reljeefist, siis kuidas muutub tervik, kui muudate vaatenurka? Kuidas varieerub reljeefi sügavus ja rajatakse ruumiplaneeringud, kui palju neid on?

8. Milline on vormitud pinna tekstuur? Homogeenne või eri osades erinev? Siledad või “visandilised” tööriistade puudutuse jäljed on nähtavad, loomulikud, tinglikud. Kuidas on see tekstuur seotud materjali omadustega? Kuidas tekstuur mõjutab skulptuurivormi silueti ja mahu tajumist?

9. Milline on värvi roll skulptuuris? Kuidas helitugevus ja värv mõjutavad, kuidas need üksteist mõjutavad?

10. Mis žanrisse see skulptuur kuulub? Mille jaoks see oli?

11. Milline on motiivi tõlgendus (naturalistlik, tinglik, kaanoni dikteeritud, skulptuuri poolt oma arhitektuurses keskkonnas hõivatud koha dikteeritud või midagi muud).

12. Kas tunnete töös mõne muu kunstiliigi mõju: arhitektuur, maal?

Maalide kirjeldus ja analüüs

Maali kunstiline keel

Maali kontseptsioon. Kunstilised väljendusvahendid: kunstiline ruum, kompositsioon, värv, rütm, värvilise löögi iseloom. Maali materjalid ja tehnikad: õli, tempera, guašš, akvarell, segatehnika jne. Molbert ja monumentaalmaal. Monumentaalmaali sordid: fresko, mosaiik, vitraaž jne Maaližanrid: portree, maastik, igapäevane žanr, natüürmort, animalistlik, ajalooline jne.

Maalide kirjeldus

Töö põhiparameetrite määramine: autor, loomise kuupäev, maali suurus, maali formaat: horisontaalselt või vertikaalselt piklik ristkülik (võimalik, et ümara otsaga), ruut, ring (tondo), ovaal. Tehnika (tempera, õli, akvarell jne) ja mille alusel (puit, lõuend jne) maal tehtud jne.

Maalide analüüs

Näidisanalüüsi plaan:

1. Kas pildil on süžee? Mida näidatakse? Millises keskkonnas asuvad kujutatud tegelased, objektid?
2. Pildi analüüsi põhjal saate teha järelduse žanri kohta. Mis žanr: portree, maastik, natüürmort, akt, igapäevaelu, mütoloogiline, religioosne, ajalooline, animalistlik, maal kuulub?
3. Millist ülesannet kunstnik teie arvates lahendab – visuaalset? ilmekas? Milline on kujutise kokkuleppe või naturalismi aste? Kas konventsionaalsus kaldub idealiseerimise või väljendusliku moonutuse poole? Reeglina on pildi kompositsioon seotud žanriga.
4. Millised on kompositsiooni komponendid? Milline on pildi objekti ja tausta / ruumi suhe pildi lõuendil?
5. Kui lähedal on pildi tasapinnale pildil olevad objektid?
6. Millise vaatenurga valis kunstnik – ülalt, alt, kujutatud objektidega tasa?
7. Kuidas määratakse vaataja positsioon – kas ta on kaasatud interaktsiooni pildil kujutatud kujundiga või on talle määratud eemaldunud mõtiskleja roll?
8. Kas kompositsiooni võib nimetada tasakaalustatuks, staatiliseks või dünaamiliseks? Kui on liikumine, siis kuidas see on suunatud?
9. Kuidas on üles ehitatud pildiline ruum (tasane, määramata, ruumikiht tarastatakse, tekib sügav ruum)? Mille tõttu saavutatakse ruumilise sügavuse illusioon (erinevus kujutatud kujundite suuruses, objektide mahu või arhitektuuri näitamine, värvide gradatsioone kasutades)? Kompositsioon on välja töötatud joonistamise abil.
10. Kui hääldatud on lineaarne algus pildil?
11. Kas üksikuid objekte piiritlevad kontuurid on rõhutatud või varjatud? Milliste vahenditega see efekt saavutatakse?
12. Mil määral väljendub objektide maht? Millised tehnikad loovad helitugevuse illusiooni?
13. Millist rolli mängib valgus maalil? Milline see on (sujuv, neutraalne; kontrastne, vormiv maht; müstiline). Kas valgusallikas/suund on loetav?
14. Kas kujutatud figuuride/esemete siluetid on loetavad? Kui ilmekad ja väärtuslikud need iseenesest on?
15. Kui detailne (või vastupidi üldistatud) pilt on?
16. Kas kujutatud pindade (nahk, kangad, metall jne) tekstuuride mitmekesisus on edasi antud? Värvimine.
17. Millist rolli mängib pildil värv (kas ta allub joonisele ja mahule või vastupidi, kas ta allutab joonise endale ja ehitab ise kompositsiooni).
18. Kas värv on lihtsalt helitugevuse värvimine või midagi enamat? Kas see on optiliselt truu või väljendusrikas?
19. Kas pildil domineerivad kohalikud värvid või tonaalne värv?
20. Kas värvilaikude piirid on eristatavad? Kas need langevad kokku mahtude ja objektide piiridega?
21. Kas kunstnik opereerib suurte värvimasside või väikeste plekkidega?
22. Kuidas kirjutatakse soojad ja külmad värvid, kas kunstnik kasutab komplementaarsete värvide kombinatsiooni? Miks ta seda teeb? Kuidas enim valgustatud ja varjutatud kohad üle kantakse?
23. Kas on sära, reflekse? Kuidas on kirjutatud varjud (kurdid või läbipaistvad, kas need on värvilised)?
24. Kas mis tahes värvi või varjundite kombinatsiooni kasutamisel on võimalik eristada rütmilisi kordusi, kas on võimalik jälgida mis tahes värvi arengut? Kas on domineeriv värv/värvikombinatsioon?
25. Milline on pildipinna tekstuur – sile või pastane? Kas üksikud löögid on eristatavad? Kui jah, siis millised need on – väikesed või pikad, vedel, paks või peaaegu kuiv värv peale kantud?

Graafiliste tööde kirjeldamine ja analüüs

Graafika kunstiline keel

Graafika kui kujutava kunsti vorm. Graafika kunstilise väljendusvõime peamised vahendid: joon, löök, täpp jne Lineaarne ja mustvalge joonistus. Graveering, graveeringu liigid: ksülograafia, litograafia, linoollõige, ofort, monotüüpia, akvatinta jne. Molbertigraafika. Raamatugraafika. Plakatikunst, plakatid. Rakendusgraafika.

Graafikateoste kirjeldus

Töö põhiparameetrite määramine: autor, loomise kuupäev, lehe suurus, formaat, tehnika.

Graafiliste tööde analüüs

Näidisanalüüsi plaan:

1. Ruumisituatsiooni üldine määratlus, kujutatava ruumi omadused. Ruum - sügav või mitte, suletud või avatud, millisele plaanile on rõhuasetused koondunud. Valdavad (selle töö jaoks hädavajalikud) sügavuse konstrueerimise vahendid ja nende kasutamine. Näiteks: lineaarse või õhust perspektiivi olemus (kui seda kasutatakse). Kujutatud ruumi omadused. Terviklikkus / ruumi tükeldamine. Plaanideks jagunemine, tähelepanu jaotamine (teatud plaanide väljatoomine või taju ühtsus). Vaatepunkt. Vaataja ja kujutatava ruumi interaktsioon (see üksus on vajalik ka siis, kui süvaruumi kujutis puudub).
2. Elementide paiknemine, suhe, suhted tasapinnal ja ruumis.

Kompositsiooni tüübi määramine - võimalusel. Tulevikus täpsustus: kuidas täpselt seda tüüpi kompositsioon selles graafilises teoses kehastab, millised on selle kasutamise nüansid. Vormingu omadused (proportsiooni suurus). Formaadi ja kompositsiooni suhe: pilt ja selle äärised. Masside jaotus lehe sees. Kompositsiooniline aktsent ja selle asukoht; selle seos teiste elementidega; domineerivad suunad: dünaamika ja staatika. Kompositsiooni põhielementide koostoime ruumilise struktuuriga, aktsentide paigutus.

1. Graafilise tehnika analüüs.
2. Analüüsi tulemuseks on vormi konstrueerimise põhimõtete, väljenduslike omaduste ja mõju väljaselgitamine. Teose vormi- ja väljendusomadustest lähtuvalt võib püstitada küsimuse selle tähenduse (sisu, idee), s.o. liikuda edasi selle tõlgendamise juurde. Samas tuleb arvestada süžeega (kuidas süžeed selles töös tõlgendatakse?), tegelaste kujutamise spetsiifikat (süžeepildis ja portrees - poosid, žestid, näoilmed, pilk) , sümboolika (kui see on olemas) jne, kuid on samal ajal esitusvahend ja seega ka pildi mõju. Samuti on võimalik teose tuvastatud üksikuid tunnuseid korreleerida selle liigi ja žanri nõuetega, kuhu see kuulub, laiema kunstilise kontekstiga (autori looming tervikuna: ajastu kunst, koolkond jne). . Sellest võib järeldada teose väärtuse ja tähenduse, koha kunstiajaloos.

Kunsti- ja käsitööteoste ning rahvakunsti kirjeldamine ja analüüs

Kunsti- ja käsitööliigid ning rahvakunst

Maalimine puidule, metallile jne. Tikand. Vaipade kudumine. Ehted Art. Puunikerdus, luud. Keraamika. Kunstilised lakid jne.

Dekoratiiv-, tarbe- ja rahvakunsti mälestiste kirjeldus

Omamoodi dekoratiiv- ja tarbekunst. Materjal. Selle töötlemise omadused. Mõõtmed. Kohtumine. Värvi, tekstuuri iseloomustus. Korrelatsiooni määr objekti utilitaarse ja kunstilis-esteetilise funktsiooni vahel.

Kunsti- ja käsitöömälestiste ning rahvakunsti analüüs

Näidisanalüüsi plaan

1. Milleks see ese mõeldud on?
2. Mis on selle mõõdud?
3. Kuidas eseme kaunistus asub? Kus asuvad figuratiivsete ja ornamentaalsete kaunistuste tsoonid? Kuidas on piltide paigutus seotud objekti kujuga?
4. Mis tüüpi kaunistusi kasutatakse? Millistel objekti osadel need asuvad?
5. Kus asuvad kujundlikud kujutised? Kas need võtavad rohkem ruumi kui dekoratiivsed või on need vaid üks dekoratiivregistritest?
6. Kuidas koostatakse kujundlike piltidega register? Kas võib öelda, et siin kasutatakse vaba kompositsioonitehnikat või kõrvutamise põhimõtet (figuurid identsetes poosides, minimaalne liikumine, kordavad üksteist)?
7. Kuidas on figuurid kujutatud? Kas need on mobiilsed, tardunud, stiliseeritud?
8. Kuidas edastatakse arvude üksikasjad? Kas need näevad välja loomulikumad või dekoratiivsemad? Milliseid võtteid kasutatakse kujundite ülekandmiseks?
9. Võimalusel vaadake objekti sisse. Kas pilt ja kaunistused on olemas? Kirjeldage neid ülaltoodud diagrammi järgi.
10. Milliseid põhi- ja sekundaarvärve kasutatakse ornamentide ja figuuride ehitamisel? Mis on savi enda toon? Kuidas see mõjutab pildi iseloomu – kas see muudab selle ornamentaalsemaks või vastupidi loomulikumaks?

Laulusõnad:

Teose analüüs on keeruline intellekti töö, mis nõuab palju teadmisi ja oskusi.

Lähenemisviise, tehnikaid, analüüsimeetodeid on palju, kuid need kõik sobivad mitmeks keeruliseks tegevuseks:

1. 1) teose enda materjalis sisalduva teabe dekodeerimine,
2. 2) kunstiteose loomise protsessi ja asjaolude analüütiline uurimine, aidates süvendada ja rikastada selle mõistmist;
3. 3) teose kunstilise kuvandi ajaloolise dünaamika uurimine individuaalses ja kollektiivses tajus.

Esimesel juhul on töö teosega kui väärtus omaette – "tekst"; teises vaatleme teksti kontekstis, paljastades jälgi väliste impulsside mõjust kunstilises pildis, kolmandas uurime kunstilise pildi muutusi sõltuvalt sellest, kuidas selle taju eri ajastutel muutub.

Iga kunstiteos määrab oma originaalsuse tõttu oma tee, oma loogika, oma analüüsimeetodid.

Sellegipoolest juhin teie tähelepanu mõnele kunstiteose praktilise analüütilise töö üldpõhimõttele ja annan nõuandeid.

"Eureka!" (analüüsi intriig). Esimene ja kõige olulisem on see, et kunstiteos ise vihjab teele, mida mööda saab tungida kunstilise kujundi tähenduse sügavustesse. On omamoodi “konks”, mis haarab mõistuse äkilise küsimusega. Sellele vastuse otsimine - kas sisemonoloogis, suheldes töötajate või õpilastega - viib sageli taipamiseni (Eureka!). Seetõttu nimetatakse selliseid vestlusi – peate õppima, kuidas neid rühmaga läbi viia – heuristilisteks. Analüütiline töö muuseumis või arhitektuurikeskkonnas algab tavaliselt selliste küsimustega – kunstilises „tekstis“ sisalduva info „dekodeerimisega“.

Küsimuse esitamine on sageli keerulisem kui vastuse leidmine.

- Miks on Aleksandr Ivanovi "Alasti poisil" nii traagiline nägu?

- Miks on sama Ivanovi maalil “Messia ilmumine” halvatud meest tõstva noormehe kuju, riietatud Kristuse riietesse?

— Miks on K.S.-i pildil olev ikoonikohver tühi? Petrov-Vodkin "Ema" 1915?

— Miks P.D. Fedotov maali "Majori matš" teises versioonis eemaldab lühtri - detaili, mida ta nii kaua otsis?

— Miks Sh.I skulptuuribüstis. Makhelson by Shubini marmor on poleeritud rasvaseks läikeks, samas kui enamikul juhtudel näib tema portreede näo "nahk" matt?

Selliseid küsimusi, mida saab meelde tuletada, on palju, kõik need on tunnistuseks igale inimesele omase ainulaadse, isikliku visiooni kohta. Ma ei anna siin meelega vastuseid – proovige need ise leida.

Kunstiteosega analüütilises töös ei aita teid mitte ainult oskus seda värske pilguga näha, vahetult tajuda, vaid ka abstraktne oskus, eraldades teatud tajuhetked ning vormi- ja sisuelemendid. .

Kui me räägime plastilistest kunstidest, siis need on kompositsioonid, diagrammid, analüütilised visandid, koloristlikud „küljendused“, ruumilise ehituse analüüs, aksessuaaride „mängimine“ jne. Kõiki neid ja muid vahendeid saab töös kasutada. Kuid üht tuleks meeles pidada: igasugune analüüsitehnika on ennekõike viis vormielementide tõlgendamiseks, nende mõistmiseks. Mõõtke, pange, joonistage diagramme, kuid mitte nende diagrammide endi pärast, vaid nende tähenduse mõistmiseks, sest tõeliselt kunstilises pildis pole "tühimeid" - materjal ise, suurus ja formaat kuni tekstuurini, st objektikunsti pind on tähendusrikas. Ehk siis jutt käib kunstikeelest.

Hoolimata oma originaalsusest, unikaalsusest, sobivad kunstiteosed tüpoloogiasse, neid saab rühmitada muidugi eelkõige kunstiliikide kaupa.

Tüpoloogia probleem on teie jaoks kunstiteooria ja esteetika kursustel uurimisobjektiks ning kursuse alguses soovime pöörata tähelepanu nendele aspektidele, mis mängivad analüüsis olulist rolli, eriti kunsti tõlgendamine. Lisaks saame võimaluse sätestada põhimõistete tähendus (selle töö olulisusest oli eespool juttu).

Niisiis, kunstiteos võib kuuluda ühte liiki, mis jagunevad: ühekomponentseteks (monostruktuurseteks), sünteetilisteks ja tehnilisteks.

• Ühekomponentne – maal, graafika, skulptuur, arhitektuur, kirjandus, muusika, kunst ja käsitöö.
• Sünteetiline – teatri- ja vaatekunst.
• Tehniline - film, televisioon, arvutigraafika.

Ühekomponendilised kunstid jagunevad omakorda:

• ruumiline (arhitektuur, maal, graafika, kunst ja käsitöö)
• ajutine (kirjandus, muusika),

samuti pildilised (maal, graafika, skulptuur) ja mittepildilised (arhitektuur, kunst ja käsitöö, kirjandus, muusika).

Kuna kunstide klassifikatsioonis on erinevaid seisukohti ja kuna kõik need määratlused ei ole absoluutsed, vaid suhtelised, siis sätestame need ning kõigepealt peatume - väga lühidalt - ruumi ja aja probleemil. kunst, sest see pole nii lihtne, kui esmapilgul võib tunduda ja on teose analüüsimisel väga oluline.

Esiteks märgime, et kunstide jaotus ruumiliseks ja ajaliseks on väga meelevaldne ja lähtub teose olemasolu tunnustest: ruumikunsti materiaalsed kandjad on tõesti objektiivsed, hõivavad ruumis kindla koha ja ainult kasvavad. vanaks ja aja jooksul kokku varisema. Ent lõppude lõpuks on ruumis omal kohal ka muusika- ja kirjandusteoste materiaalsed kandjad (noodid, heliplaadid, kassetid ja lõpuks esitajad ja nende instrumendid; käsikirjad, raamatud, ajakirjad). Kui rääkida kunstilistest kujunditest, siis need "hõivatvad" teatud vaimse ruumi ja arenevad kõigis kunstides ajas.

Seetõttu püüame, olles märkinud nende kategooriate olemasolu klassifitseerivatena, rääkida neist analüütilisest vaatenurgast, mis on meie jaoks - antud juhul - olulisem.

Eespool märkisime, et igasugune kunstiteos kui materiaal-ideaalne nähtus eksisteerib ruumis ja ajas ning selle materiaalne alus on kuidagi seotud eelkõige ruumiga, ideaalne aga ajaga.

Ent kunstiteos seostub ruumiga ka muudes aspektides. Looduslik ruum ja selle kogemine inimese poolt avaldavad tohutut mõju kunstilisele kuvandile, tekitades näiteks maalis ja graafikas erinevaid ruumikonstruktsioonide süsteeme, määrates arhitektuuri ruumiprobleemide lahendamise tunnused, kirjanduses ruumikujundi. . Kõigis kunstides on "asja ruum", "inimese ruum", "ühiskonna ruum", loomulik - maise ja kosmilise - ruum ja lõpuks kõrgeima vaimse reaalsuse ruum - Absoluudi ruum, Jumal, on eristatavad.

Maailmanägemus muutub, millele järgneb kunstilise mõtlemise süsteem; seda liikumist vanalt süsteemilt uude iseloomustavad muutused ruumikäsituses. Seega näis tähelepanu keskpunkti ülekandmine kõrgeimast vaimsest reaalsusest - Jumal, taevane maailm 17. sajandil inimesele 17. sajandi vene kunstis kunstniku silmaringi ja vastupidise perspektiivi lõpmatus. asendati otsese piiranguga.

Ka aeg on liikuv ja mitmetahuline.

See on reaalne materjalikandja aeg, mil noodid muutuvad kollaseks, filmid demagnetiseeruvad, õlitatud tahvlid muutuvad mustaks ja kunstilise pildi aeg, lõputult arenev, praktiliselt surematu. See on ka illusoorne aeg, mis eksisteerib kunstilise kujundi sees, aeg, milles elab kujutatav asi ja inimene, ühiskond, inimkond tervikuna. See on teose loomise aeg, ajalooline ajastu ja eluperiood ning lõpuks autori vanus, see aeg on tegevuse pikkus ja "pauside" - kujutatud episoodide vaheliste pauside aeg. Lõpuks on see tajuks valmistumise, tööga kokkupuutes tajumise, kogemise ja tajutava kunstipildi mõistmise aeg.

Igas kunstis kuvatakse ruum ja aeg erinevalt ning sellest räägitakse järgmistes peatükkides, millest igaüks on pühendatud erilisele kunstiliigile, millel on kunstilise kujutise struktuur.

Pole juhus, et ma kirjutasin “kuvatud”, mitte “kujutatud”, sest ka need mõisted tuleb eraldada.

Näidata tähendab tegelikkuse fenomenile kujundliku ekvivalendi leidmist, selle kunstilise kujundi kangasse põimimist, kujutamist – asja visuaalse – nähtava, verbaalse – verbaalse või helilise – kuuldava analoogi loomist. Kunstid jagunevad, nagu eespool mainitud, pildilisteks ja mittepildilisteks mitte sellepärast, et muusikas ei oleks võimalik kujutada näiteks rongimüra või kukevarest (või isegi tervet linnuaeda), vaid kirjanduses on võimatu kirjeldada peaaegu ühtegi nähtavat või kuuldavat objekti. See on võimalik nii muusikas kui ka kirjanduses: esimesel juhul on tegemist onomatopoeesiaga, teisel kirjeldusega. Veelgi enam, andekas autor, kes on sügavalt kogenud kokkupuudet maali-, skulptuuri-, muusikateosega, võib leida selliseid sõnu, et tema kirjeldusest saab täisväärtuslik ja ülimalt kunstiline sõnaline (verbaalne) analoog kujutava või muusikalise kunsti teosele. .

Arhitektuuriteosed (rääkimata nende osadest: lootosekujulised Egiptuse templite sambad, puukoor, atlantid, reljeef ja muud dekoratiivsed skulptuurielemendid) võivad olla ka kujutised: näiteks 1930. aastatel oli Nõukogude Liidus moes ehitada maju aastal. autode või muude esemete kujul. Leningradis ehitati isegi sirbi ja vasara kujuline kool, kuigi seda on näha vaid linnulennult. Ja mitmesugused anumad lindude, kalade, inimfiguuride jne kujul mittekaunitavas kunstis ja käsitöös!

Seevastu kujutavad kunstiteosed sageli "mitte midagi" nagu abstraktne maal ja skulptuur.

Nii et see klassifitseerimisfunktsioon osutub suhteliseks. Ja ometi on see olemas: on olemas visuaalselt ehk visuaalselt tajutavad "kaunid kunstid", mis põhinevad kujutlusel maailma nähtustest, ja mittepildilised, verbaalsed ja muusikalised.

Kunst on alati tinglik ega suuda (rääkimata sellest, et ei tohiks) luua täielikku sarnasust selle või teise elamise nähtusega. Kunstnik ei dubleeri olemasolevat reaalsust, ta loob kunstilisi ja kujundlikke mudeleid maailmast või selle elementidest, neid lihtsustades ja transformeerides. Isegi maalikunstil, kunstide kõige "illusoorsemal", mis näib olevat võimeline jäädvustama ja lõuendile edastama kogu mitmevärvilise maailma rikkust, on äärmiselt piiratud tõu jäljendamise võime.

Ma tõesti armastan CS-d. Petrov-Vodkin. Ühel tema näitusel oli tema "Jumalaema – kurjade südamete hellus" - puhta helaka, sinise ja kulla sära - paigutatud Vene muuseumi saali akna kõrvale seinale.

Aastaid oli pilt laoruumides peidus ja nüüd, kui see oli esikus, võis seda istuda ja vaadata, tundus, et lõpmatuseni. Taustal säras kosmiliselt sügav, läbistavalt puhas taevasügavuste valgus, mis varjutas koos helepunase mafooriumiga Jumalaema kauni tasase näo ...

Istusin kaua, väljas läks pimedaks, aknast paistis talveõhtu - ja milline šokk oli minu jaoks tagasihoidlike talviste püha tikutooside vaikne kuma. Siis oli mul võimalus mitte teada saada, vaid näha ja tunda, kuidas kunsti võimalused elu jäljendamisel on tegelikult piiratud, kui hinnata seda naiivse vaataja lemmikkriteeriumi järgi: kas pilt on sarnane või mitte. originaalile. Ja elunähtusi võimalikult sarnaselt, võimalikult matkivalt reprodutseerida pole tal üldsegi jõus.

Kunstiline pilt ei ole pelgalt elu kordamine ja selle verbaalne või visuaalne tõepärasus pole sugugi peamine omadus. Kunst on üks maailma valdamise viise: selle tundmine, hindamine, inimese poolt ümberkujundamine. Ja iga kord kunstilises kujutises - erineval viisil erinevates kunstiliikides ja erinevates kunstisüsteemides - nähtus (inimese tunnete kaudu tajutav avaldub talle) ja olemus (nähtuse olemus, selle oluliste omaduste kogum) on korrelatsioonis, et näidata, millist kunsti tunnustatakse.

Iga kunstilise mõtlemise süsteem moodustab oma olemuse tunnetamise meetodi – loomemeetodi. Koolis tutvusite juba selliste spetsiifiliste Euroopa loomemeetoditega nagu barokk, klassitsism, sentimentalism, romantism, realism, sümbolism, modernism, sotsialistlik realism, sürrealism jne. Muidugi mäletate, et iga meetod on loodud mõistmise nimel , inimese ja maailma kui terviku ning nende individuaalsete omaduste väärtustamine, ümberkujundamine. Pidage meeles, kuidas järjepidevalt „kogutakse“ teadmisi inimese kohta: barokk uurib ja kuvab inimese tormiliste, ohjeldamatute tunnete maailma; klassitsism - selle kõikehõlmav tasakaalustatud meel; sentimentalism kinnitab inimõigust privaatsusele ja kõrgetele, kuid puhtalt isiklikele tunnetele; romantism - indiviidi vaba arengu ilu "heaks või halvaks", selle ilmingud maailma "saatuslikel minutitel"; realism peegeldab inimese kujunemise ja elu sotsiaalseid aluseid; sümboolika tormab taas inimhinge salapärastesse sügavustesse ja sürrealism püüab tungida alateadvuse sügavustesse jne. Seega on igal neist loomingulistest süsteemidest oma pildi subjekt, mis on isoleeritud ühes objektis - inimeses. Ja nende funktsioonid: ideaali kinnitamine, uurimine, eksponeerimine jne.

Sellega kooskõlas töötatakse välja ka meetod objekti teisendamiseks, mis võimaldab paljastada selle tegeliku sisu: see on objekti idealiseerimine - transformatsioon, "ebatäiusliku reaalsuse ebatäiuslikkusest" kunstiline vabastamine, võrdlemine ideaal (Brief Philosophical Encyclopedia. M., 1994) sellistes meetodites nagu barokk, klassitsism, romantism, mis erinevad üksteisest selle poolest, et ideaali ennast mõistetakse erinevalt; see on realismile iseloomulik tüüp ja sümbol, mida inimkond kasutas maailma kunstilise arengu eri etappidel.

Vaadates kunsti arengulugu väga kõrgel üldistustasemel, võib öelda, et see areneb maailma kunstilis-kujundliku modelleerimise kahe pooluse vahel: soovist seda luua äärmuseni, illusioonini. usutav reprodutseerimine ülima üldistuseni. Neid kahte meetodit saab korreleerida kahe ajupoolkera tööga: vasakpoolne on analüütiline, jagades nähtuse oma teadmiste nimel osadeks, ja parem - üldistav, kujutlusvõimeline, loob terviklikke pilte (mitte tingimata kunstilisi). sama eesmärk.

Maal on tsoone, kus domineerivad inimesed, kellel on ühe poolkera arengus märgatav eelis. Võib isegi muidugi väga tinglikult öelda, et mõisted "ida", "ida mees" seostuvad parempoolkeralise – kujutlusliku (kujundliku) mõtlemisega, samas kui "lääs", "lääne mees" vasakpoolkera, analüütiline, teaduslik.

Ja siin seisame silmitsi nähtava paradoksiga.

Tuletage meelde: vasak ajupoolkera jälgib abstraktset-loogilist, verbaalset, analüütilist mõtlemist; õige - konkreetne, kujundlik, mitteverbaalne, üldistav.

Esmapilgul on lihtne kindlaks teha, mis on konkreetsem: portree, mis annab edasi teatud inimese välimust ja iseloomu, või näiteks väike mees fooris - inimese äärmiselt üldistatud tähistus, hunnik Hollandi natüürmortis maalitud viinamarjad või idamaises ornamendis lõputu viinapuu, mis koosneb paljudest tinglikest, viidud lehtede ja kobarate ornamentaalsete elementide tasemele.

Vastus on ilmne: mimeetilised kujutised – portree, natüürmort – on konkreetsed, ornamentaalsed üldistused abstraktsemad. Esimesel juhul on vaja mõisteid “see inimene”, “see kamp”, teisel juhul piisab “mees”, “kamp”.

Mõnevõrra keerulisem on mõista, et portree ja natüürmort, olles kunstilised kujutised, on samal ajal analüütilisemad - “vasakpoolkeralised” kui ornamendi elemendid. Tõepoolest, kujutage ette, kui palju sõnu oleks portree kirjeldamiseks vaja - selle pildi verbaalne "tõlge" oleks üsna pikk ja enam-vähem igav, samas kui ornamendis olev viinapuu on määratletud ühe, vähemalt kolme sõnaga: roniv vine ornament. Kuid pärast loodusest viinapuu visandamist kordas ornamendi autor seda pilti rohkem kui üks kord, saavutades ülima üldistuse, mis võimaldab jõuda sümboli tasemele, mis sisaldab mitte ühte, vaid palju tähendusi.

Kui soovite rohkem teada saada lääne analüütilistest (mimeetilisest, imiteerivast) ja ida üldistest (ornamentaalsetest) visuaalse pildi loomise viisidest, lugege suurepärast L.A. Lelekov "Vana-Venemaa ja ida kunst" (M., 1978). Vaieldes kahe kunstilis-kujundliku mõtlemise süsteemi üle, vastandab autor kahte väidete seeriat.

Esimene kuulub Sokratesele: "Maalimine on pilt sellest, mida me näeme."

Teine on Buddhale: "Kunstnik on värvid ette valmistanud, et luua pilt, mida pole värviliselt näha."

Muistne legend kahe osava maalikunstniku – Zeuxise ja Parrhasiuse – võistlusest räägib, kuidas üks neist maalis viinapuuoksa ja kuidas linnud selle pildi juurde tuldi, et sellel kujutatud marju nokitseda – nii suur oli illusioon sellest, et seda täitis elu. Teine pettis kolleegi silma, kujutades lõuendil kardinat, millega pilt väidetavalt oli kaetud, sellise kunstiga, et palus see kiiresti tagasi tõmmata. Illusiooni loomine – nähtava jäljendamine – oli iga rivaali kõrgeim eesmärk.

Buddha räägib hoopis teisest eesmärgist: värvidega maalitud nähtav pilt on vaid inimese hinges sündiva kujundi kandja. Kristlik filosoof Johannes Damaskusest kordab Buddhat: "Iga pilt on ilmutus ja märge varjatu kohta."

Tegelikult on ikonostaasi sammasid kaunistav viinapuu elu ja viljakuse sümbol, Eedeni aed (Kristuse aed) igaviku sümbol.

Siin on, kuidas L.A. Lelekov veel ühest ornamendist: idamaade ornamentides väga levinud vahelduva vilja ja lille põimumine tähistab „põhjuse ja tagajärje ühtsuse ja olemise igaviku mõisteid, loomise ja elu lakkamatu uuenemise teemat, mineviku ja tuleviku suhe, vastandite kokkupõrge” (Ibid. S. 39).

Kuid nagu suhteliselt väheste väljendunud “vasakpoolkera” teadlaste ja “parema poolkera” kunstnike rühmade vahel, on valdav hulk üleminekutüüpe, nii on ka naturalistliku vahel, mis on iseendaga võrdne, väärtuslik ja millel puudub. peidetud tähendused, illusoorne kujund välimusest (nähtus) ja puhas, palju tähendusi sisaldav ornament peitub tohutul ruumil, mille hõivavad segatüüpi kujutised - neist rääkisime eespool.

Võib-olla on nende seas kõige harmoonilisem realistlik pilt, kui kunstnik püüab kehastada nähtuse olemust, sümboliseerida nähtavat. Jah, Al. Ivanov, avastades pleeneri seaduspärasusi ja töötades välja meetodi inimese sisemiste omaduste ja omaduste kehastamiseks tema välisilmes, täitis oma loomingu sügava sümboolse tähendusega.

20. sajandi abstraktsionistlikud kunstnikud, kes lagunesid, levitasid oma maale, keeldusid loomast lõuendil “teist”, illusoorset reaalsust, pöördusid inimese üliteadvuse sfääri, püüdsid jäädvustada pilti selle originaalsuses, inimliku sügavuses. hing või, vastupidi, ehitas selle.

Seetõttu tuleb analüüsis, järgides esimese küsimuse intriigi, mõelda, mis on teose kunstilise kujundi "ruumi-aja kontiinum", pildi teema, meetod ja vahendid. objekti ümberkujundamine. Ja teie ees kerkib veel üks oluline küsimus: milline on elementaarne kompositsioon ja seos - kunstilise pildi struktuur.

Teose kunstiline kujund on terviklikkus ja nagu iga terviklikkust, saab seda kujutada, kirjeldada süsteemina, mis koosneb elementidest (millest igaüks on omakorda samuti terviklik ja seda saab kujutada süsteemina) ja nende omavahelistest seostest. Struktureeritus ja piisav hulk elemente tagavad kunstilise pildi kui terviku toimimise, nii nagu vajalike osade olemasolu ja nende õige kokkupanek - ühendus, struktuur, tagavad äratuskella edenemise ja õigeaegse helina.

Mida saab nimetada kunstilise pildi elementideks? Riim, harmoonia, värv, helitugevus jne? Need on vormielemendid. Kujutise subjekt, objekt, olemus, nähtus? Need on sisuelemendid. Loogiliselt arutledes tuleks ilmselgelt tõdeda, et teose kunstilise kujundi elemendid on ka kujundid: inimene kogu ulatuses lihtsaimast ikoonkujutisest petroglüüfides kuni psühholoogilise portreeni välja; materiaalne objektmaailm lugematul hulgal inimese loodud asjadest, mille tervikut nimetatakse sageli tsivilisatsiooniks või "teiseks looduseks"; sotsiaalsed sidemed perekonnast universaalseteni; imeline loodus kõigis oma ilmingutes ja vormides: loomade elav maailm, elutu maailm - lähedane, planetaarne ja kosmiline; lõpuks see kõrgem vaimne kord, mis on olemas kõigis kunstisüsteemides ja mida eri ajastute targad kutsuvad erinevalt: Kõrgem Mõistus, Absoluut, Jumal.

Kõik need kujutised realiseeritakse erinevates kunstides erineval viisil ja neil on ülispetsiifiline, üldine iseloom.

Kunstiteose sees konkreetsust omandades saab taolise kujundi kaasata komponendina keerukama terviku süsteemi (näiteks on looduspildid olulisel kohal Turgenevi romaanides, Rimski-Korsakovi ooperites ja Repini maalides ). Üks piltidest võib asuda kesksele kohale, allutades ülejäänud (nagu kujutava kunsti monostrukturaalsed žanrid – portree, maastik jne) või moodustada ulatusliku kunstiteoste kihi – seeriatest ühe teoses. meister (näiteks "Petriada" .A. Serovas) I sellistele hiiglaslikele moodustistele nagu "Leniniana" nõukogude kunstis.

Nii saab teose analüüsimise käigus eristada kujundlikke elemente ja luua nende vahel seoseid. Tihti aitab selline töö autori kavatsust sügavamalt mõista ning teosega suhtlemisel kogetud tundeid teadvustada, kunstipilti paremini mõista ja tõlgendada.

Selle lühikese lõigu kokkuvõtteks kunstiteose analüüs kui "teksti" iseseisev terviklikkus Toome välja kõige olulisemad:

1. 1) analüüs on vaid üks kunstiteosega töötamise süsteemi kuuluvatest toimingutest. Üks olulisemaid küsimusi, millele peate analüütilise töö käigus vastama, on järgmine: kuidas, mil viisil ja milliste vahenditega suutis kunstnik saavutada täpselt sellise mulje, mida kogesite ja realiseerisite eelanalüütilises suhtluses kunstnikuga. kunstiline pilt?
2. 2) analüüs kui terviku osadeks jagamise operatsioon (ehkki sünteesielemente kaasates) ei ole eesmärk omaette, vaid viis sügavamale tungimiseks kunstilise kujundi semantilisse tuuma;
3. 3) iga kunstiteos on ainulaadne, jäljendamatu, seetõttu on metoodiliselt õige – ja see on õpetaja jaoks väga oluline – leida "analüüsi intriig" - võtmeküsimus, mis toob kaasa, eriti kollektiivse töö puhul, ahela, õigemini küsimuste süsteem, mille vastused ja moodustavad analüüsist tervikliku pildi;
4. 4) iga kunstiteos on maailma kunstilis-kujundlik mudel, mis peegeldab tegelikke tahke, osi, aspekte
   maailm ja selle põhielemendid: inimene, ühiskond, tsivilisatsioon, loodus, jumal. Need olemise tahud, osad, aspektid moodustavad tähendusliku aluse – pildi subjekti, mis ühest küljest on juba objektiivne reaalsus, kuna on vaid osa sellest, teisalt aga on see algselt rikkam, sest see kannab endas autori hoiakut, rikastub loomeprotsessis, annab juurde teadmisi maailma kohta objektistatud kujul, kunstiteosena ja lõpuks aktualiseerub loovuse protsessis. Analüütilises töös tuleb vastata küsimustele: mis on selle töö kujutise objekt? mis on pildi teema? mida uut me maailma kohta õpime teose kunstilist kuvandit assimileerides?
5. 5) iga kunstiteos kuulub ühte kunstiliikidest, mille järgi kujuneb kujutise subjekti muutmise meetod, kunstilise kujundi kujunemine, konkreetne kunstikeel.
6. 6) kunst kui tervik ja eraldiseisev teos materiaalse maailma nähtusena eksisteerivad ruumis ja ajas. Iga epohh, iga esteetiline süsteem arendab oma kunstilise ettekujutuse ajast ja ruumist vastavalt nende arusaamadele nendest reaalsustest ja eesmärkidest. Seetõttu on ruumi ja aja kehastuse tunnuste analüüs teoses vajalik analüütiline operatsioon;
7. 7) maailma kunstilis-kujundlik mudel võib olla pildiline (visuaalne) või mittepildiline (kuuldav, verbaalne või visuaal-konstruktiivne). Elu matkimine (isegi kuni püüdeni luua illusiooni-“pettus”) või, vastupidi, pildi täielik “deobjektiivsus”, nagu kõik vahepealsed vormid, ei ole eesmärk omaette, see on alati tähendusrikas, toimib analüüsis ilmneva eesmärgipüstituse kehastusena. Samal ajal luuakse suhe nähtuse ja olemuse vahel, mille mõistmine ja arendamine on lõpuks üks kunsti põhifunktsioone. Seega on analüüsi käigus vaja mõista, milline nähtus on kunstilise kujutise (pildiobjekti) aluseks, millised objekti omadused, omadused, aspektid kunstnikku (pildiobjekti) huvitasid, kuidas, mil viisil objekt oli transformeeritud ja milline on struktuur - elementaarne kompositsioon ja struktuur - sellest tulenev kunstiline kujund. Nendele küsimustele vastates saab üsna hästi aru kunstiteose tähendusest, mis on see olemus, mis kunstilise kujundi kangast läbi kumab.

Enne kui lõpetan analüüsist ja selle kohast kunstiteosega töötamisel rääkimise, annan teile kaks nõuannet.

Esimene puudutab analüüsi tähendust. Sõltumata sellest, kas see või teine ​​kunstiteos on teile lähedane või sisemiselt võõras, aitab analüüs - interpretatsioon mõista autorit ja teose üle vesteldes oma hinnangut põhjendada. Seoses kunstiga on parem asendada "meeldib - ei meeldi" muude sõnastustega:

"Ma saan aru ja nõustun" või "Ma saan aru, aga ma ei nõustu!" Ja samas olge alati valmis oma arvamust põhjendama.

Teine näpunäide on teile eriti kasulik, kui peate töötama kaasaegse kunsti näitusel või külastama kunstnikku tema ateljees.

Iga normaalse inimese jaoks on autori kohalolek heidutav, seega töötage kaasaegse kunsti näitusel alati nii, nagu autor seisaks teie kõrval – see on väga reaalne võimalus.

Aga peamine: loobuge lõplikult mõttest, et on olemas "õige" ja "vale" kunst, "hea" ja "halb". Kunstiteos kuulub hindamisele: lõppude lõpuks võib selle looja olla meister, võib-olla pätt diletant, ülikohanemisvõimeline oportunist, spekulant.

Kuid näitusesaalis ei tasu prokurörina tegutsema tormata, parem on kõigepealt püüda mõista, miks teos sinus oodatud rõõmu asemel sellist ärritust tekitas: kas sellepärast, et tunnetasid intuitiivselt pildi ebakõla? selle üldine hävitav jõud, sellest lähtuvad negatiivse energia lained või see, et te oma isiksuse iseärasuste tõttu ei langenud "resonantsi" nende piltlikult öeldes vibratsioonidega, mida kunstiline kujund tekitas.

Kui erinevalt me ​​kõik kunsti tajume - nii selle elementide kui ka üldiselt - tundsin end teleekraani lähedal täiesti ootamatult. ... armastan väga Kolomenskojet - rahuliku valge Kaasani Jumalaema kirikuga, Moskva jõe kohale kiiresti kõrguva Kristuse Taevaminemise kiriku saleda telgiga, Ristija Johannese katedraali kullatud kuplitega aastal. Dyakovo mäel kuristiku taga, puude kobarate, iidsete sammaste ja kallite kividega tihedas rohelises rohus. Aastaid olen kunstiajaloo käigus õpilastele rääkinud nendest imelistest 16.-17.sajandi loomingust. Aga väike lugu telesaates "Reisiklubis" oli minu jaoks ilmutus. Juhtiv vaimulik näitas ja tõestas, et meetriliselt moodustatud ansambel kehastas looduslikes ja arhitektuursetes vormides Sofia ikooni - Jumala Tarkuse kuju. Mina, väljakujunenud ratsionaalse teadvusega inimene, poleks kunagi osanud seda imet niimoodi näha. Aga nüüd muidugi koos viidetega allikale pakun õpilastele muuhulgas seda tõlgendust.

Kirjandus:

Wölfflin

Janson H.V., Janson E.F. Kunstiajaloo põhialused – leida. Leitud. Jaga. Ja Gombrich ka.

Kokkupuutel

VENEMAA FÖDERATSIOONI TRANSPORDIMINISTEERIUM

Föderaalosariigi eelarve HARIDUS
KÕRGHARIDUSASUTUS
"VENEMAA TRANSPORDIÜLIKOOL"
RTH (MIIT)
VENEMAA AVATUD TRANSPORDIAKADEEMIA

Teaduskond "Sõidukid"

Filosoofia, sotsioloogia ja ajaloo osakond

Praktiline töö

distsipliini järgi

"Kulturoloogia"

Olen töö ära teinud

1. kursuse üliõpilane

rühm ZSA-192

Niken A.A.

Kood 1710-c/SDs-0674

MOSKVA 2017-2018

Harjutus nr 1

Ülesanne: Andke sisukas analüüs oma linna (küla, linnaosa) arhitektuuritöödest

Raudteemeeste monument, 2006 Skulptor I. Dikunov

Olen pärit Voroneži oblastist Liski linnast. Minu linn on suurim raudteesõlm. Alates 1871. aastast on linna ajalugu põimunud raudtee arenguga. Meie linnas on iga kuues elanik tihedalt seotud raudteelase elukutsega, nii et kui tekkis küsimus Kaguraudtee 140. aastapäeva auks püstitatud monumendi asukoha kohta, langes valik meie linnale. Raudteetöötajate mälestussamba avamine oli 2006. aastal.

See on üks väheseid linna autoritöid, mille on valmistanud kuulus Voroneži skulptor Ivan Dikunov koostöös abikaasa Elsa Paki ning poegade Maximi ja Alekseiga. Nad on nii Nõukogude Liidu ja Venemaa kangelaste bistide autorid kuulsuste alleel kui ka muinasjututegelased, kes meie linnas linnaparki ehivad.

Dikunov Ivan Pavlovitš - Vene Föderatsiooni austatud kunstnik, austatud kunstnik, riikliku preemia laureaat 1990. aastal. Petrovski teaduse ja kunsti akadeemia täisliige, professor.

Ivan Pavlovitš sündis 1941. aastal Voroneži oblastis Pavlovski rajoonis Petrovka külas. Tema lapsepõlv langes rasketele sõjajärgsetele aastatele. raskustele vaatamata leidis ta aega loovuseks – talle meeldis joonistada, veelgi enam aga voolida. Juba siis oli tema annet näha. Ivan Dikunov on lõpetanud V.A. nimelise Leningradi kunstikõrgkooli. Serov 1964. aastal, seejärel maali-, skulptuuri- ja arhitektuuriinstituut. I.E. Repin 1970. aastal. 1985. aastal saabus ta Voroneži ja läks tööle Voroneži Riiklikku Arhitektuuri- ja Ehitusinstituuti, kus õpetas 20 aastat. Aastatel 1988–1995 töötas Dikunov Voroneži Kunstikooli õppejõuna.

Voroneži ja Lipetski piirkonna linnades lõi Ivan Pavlovitš koostöös VGASU kolleegidega mitmeid olulisi monumente, mis esindavad ainulaadseid pilte arhitektuurse keskkonna kujunemisest ning on kombinatsioon monumentaalsest skulptuurist ja arhitektuurist. Ta tegutses projektide autorina ja loominguliste rühmade juhina Voroneži monumentide loomisel silmapaistvatele Vene isiksustele - M. E. Pyatnitsky (1987), A. S. Puškin (1999), A. P. Platonov (1999) jt. Ivan Pavlovitš osaleb pidevalt piirkondlikel, tsoonilistel, vabariiklikel, üleliidulistel, ülevenemaalistel ja välisnäitustel.

Dikunov ütles, et tööd raudteelaste monumendi kallal kestsid kolm aastat ja tema põhiidee oli näidata raudtee ideed liikumas. Monument asub Liski linna sissepääsu juures ja on meie linna tunnus.

Raudteetööliste monument on monument, mis rabab meid oma keerulise kompositsiooni, sügava tähenduse ja sümboolikaga. Algse plaani järgi kujutas monument raudteelastest eri suundades sammast lahknevat kujutist. Kuid hiljem tulid skulptorid välja kompositsiooniga, kus mõlemad figuurid kõnnivad mööda platvormi samas suunas. See andis tooni edasipürgimisele ja raudteelaste põlvkondade vahelise lahutamatu side ühtsusele.

Monumendi loomisel kasutati kivi ja metalli. Selles on palju sümboolseid detaile, mis põhjalikul uurimisel annavad kokku mahuka, tervikliku raudteepildi. Kompositsiooni keskel on kõrge elegantse kujuga sammas ruudukujulisel pjedestaalil, mis on kaunistatud töövahendite kujutistega lahknevate kiirte taustal. Seda kroonib raudtee embleem ja kiri "Liski". 3,5 meetri kõrgused figuurid esindavad kahte põlvkonda raudteelasi - laterna ja pika haamriga raudteemeest, 19. sajandist pärit kujutist ja moodsat vormiriietuses autojuhti, kohver käes. Tundub, et nad kõnnivad rongi lähedal perroonil.

Rõivaste ja varustuse detailid valiti väga hoolikalt: need säilitasid oma kuju, taastasid muuseumi maalide ja eksponaatide peensusi. Liskinsky raudteesõlme töötajad töötasid skulptoritena. Plaadi serval on kiri: ""Pühendatud raudteelastele-sõdalastele-kangelastele 140 aastat SE raudteed.

See monument tekitab minus uhkusetunde oma linna, tavaliste tööinimeste üle, kelle raske, vastutusrikas elukutse on monumendis jäädvustatud. Ja kaks erineva põlvkonna tegelast ütlevad, et raudtee liigub oma arengus edasi, paranedes iga aastaga.

Harjutus nr 2

Ülesanne: Andke sisukas analüüs oma linna (küla, linnaosa) kunstniku maali kohta

Minu kaasmaalane oli kuulus vene kunstnik Kramskoi Ivan Nikolajevitš (27. mai 1837 – 24. märts 1887). Ta sündis Voroneži kubermangus Ostrogožski linnas (see on minu kodulinnast Liskist 30 km kaugusel) väikeametniku peres.

Õppis Peterburi Kunstiakadeemias (1863-1868) pälvis ta väikese kuldmedali maali "Mooses eristab kivist vett" eest. Kramskoy oli "neljateistkümneste mässu" algataja, mis lõppes selle lõpetajate lahkumisega Kunstiakadeemiast, kes organiseeris Kunstnike Artelli. Ta oli ka üks "Rändavate Kunstinäituste Ühenduse" asutajatest 1870. aastal. ". Vene demokraatlike revolutsionääride ideedest mõjutatud Kramskoi kaitses oma arvamust kunstniku kõrgest sotsiaalsest rollist, realismi aluspõhimõtetest, kunsti moraalsest olemusest ja rahvuslikust identiteedist. 1869. aastal õpetas ta Kunstnike Ergutamise Seltsi joonistuskoolis. Aastal 1869 sai Kramskoy akadeemiku tiitli.

19. sajandi 70-80ndad said Ivan Nikolajevitši jaoks perioodiks, mil kirjutati tema kuulsamaid teoseid - need on "Puutööline", "Mina Moisejeva", "Valjastega talupoeg" jt. Üha enam ühendas kunstnik oma töödes portree- ja igapäevateemasid ("Võõras", "Lohutamatu lein").

Paljud Kramskoy lõuendid on tunnistatud vene maalikunsti klassikuteks, ta oli portree-, ajaloo- ja žanristseenide meister.

Tahaksin peatuda tema maali "Kristus kõrbes" analüüsil, millel on I. Kramskoy loomingulises biograafias väga eriline koht.

Kristus kõrbes.

Lõuend, õli.

180 x 210 cm.

Kramskoy peamine mõte neil aastatel, mis teda suuresti hõivas, oli nende kõrgete olemuste elu tragöödia, kes vabatahtlikult loobusid igasugusest isiklikust õnnest, parim, puhtaim viis, mida kunstnik oma idee väljendamiseks leidis, oli Jeesus Kristus.

Kramskoy mõtles oma lõuendile terve kümnendi. 1860. aastate alguses, veel Kunstiakadeemias töötades, tegi ta esimese visandi, 1867. aastal - pildi esimese versiooni, mis teda ei rahuldanud. Maali esimese versiooni viga oli lõuendi vertikaalne formaat ja kunstnik otsustas maalida pildi horisontaalsele lõuendile ja kividel istub suurem mees. Horisontaalne formaat võimaldas kujutleda panoraami lõputust kivikõrbest, millest üksildane mees ööl ja päeval tummises vaikuses eksles. Alles hommikul vajus ta väsinuna ja kurnatuna kivile, nägemata ikka veel midagi enda ees. Tema väsinud, süngel näol on näha valusate ja sügavate kogemuste jälgi, mõtete raskus langes justkui õlgadele ja langetas pea.

Pildi süžee on seotud Uues Testamendis kirjeldatud Jeesuse Kristuse neljakümnepäevase paastuga kõrbes, kuhu ta pärast ristimist pensionile läks, ja selle paastu ajal toimunud Kristuse kiusatusega kuradi poolt. Kunstniku sõnul soovis ta tabada moraalse valiku dramaatilist olukorda, mis on iga inimese elus vältimatu.

Maalil on kujutatud Kristust istumas hallil kivil, mis asub mäe otsas samas hallis kivikõrbes. Kramskoy kasutab varahommiku kujutamiseks külmi värve – koit alles algab. Horisondi joon jookseb üsna madalalt, jagades pildi laias laastus pooleks. Alumises osas on külm kivikõrb ja ülemises koidueelne taevas, valguse, lootuse ja tulevase muutumise sümbol. Selle tulemusena domineerib punasesse kitioni ja tumesinise keebiga riietatud Kristuse kuju pildi ruumi, kuid on harmoonias ümbritseva karmi maastikuga. Külmade kivide vahel kujutatud üksildases figuuris ei tunneta mitte ainult haledat mõtlikkust ja väsimust, vaid ka "valmidust astuda esimene samm Kolgatale viival kivisel rajal".

Kristuse käed (üksikasju)

Tagasihoidlikkus rõivaste kujutamisel võimaldab kunstnikul anda esmatähtsaks Kristuse nägu ja käsi, mis loovad pildi psühholoogilise veenvuse ja inimlikkuse. Tugevalt kokku surutud käed asuvad peaaegu lõuendi keskel. Koos Kristuse näoga esindavad nad kompositsiooni semantilist ja emotsionaalset keset, tõmmates vaataja tähelepanu. Horisondi joone tasandil asuvad haardunud käed "näivad kramplikus-tahtlikus pinges püüdvat päiskivina siduda kogu maailma - taevast ja maad". Kristuse paljad jalad on haavatud pikast teravatel kividel kõndimisest. Kuid vahepeal väljendab Kristuse nägu uskumatut tahtejõudu.

Tegevust selles teoses ei ole, küll aga on nähtavalt näidatud vaimuelu, mõttetöö. Kristus näib pildil pigem mehena, oma kannatuste, kahtlustega, kui Jumalana, mis teeb tema pildi vaatajale arusaadavaks ja lähedaseks. See inimene astub elus mõne olulise sammu ja tema otsusest sõltub temasse uskuvate inimeste saatus, kangelase näos näeme selle vastutuse koormat.

Seda pilti vaadates mõistate, et kiusatus on osa inimese elust. Sageli seisavad inimesed valiku ees: kas käituda ausalt, õiglaselt või, vastupidi, teha midagi ebaseaduslikku, taunitavat. Kõik läbivad selle testi. See pilt ütleb mulle, et ükskõik kui suur kiusatus ka poleks, peate leidma endas jõudu, et sellega võidelda.

Täna asub see maal Moskvas Tretjakovi galeriis.

Bibliograafia:

1. (Elektrooniline ressurss) Raudteetöötajate monument Liskis - Juurdepääsurežiim: https:// yandex.ru / search / ? tekst = raudteelaste monument Liskis (Kasutatud 23.11.2017)

2. (Elektrooniline ressurss): Dikunov Ivan Pavlovich skulptor vrnsh.ru›?page_id=1186 (Kasutatud 23.11.2017)

3. Silmapaistvate inimeste elu. 70 kuulsat kunstnikku. Saatus ja loovus. A. Ladvinskaja Donetsk - 2006 448 lehekülge

4. 100 suurepärast maali. Moskva. Kirjastus "Veche" - 2003, 510 lk.

Kunstiajaloo analüüsi liigid ja võimalused
nende rakendamine MHC tundides
.Vajadus metoodiliste uuenduste ja õpilaste kaasaegsete teoreetiliste teadmistega kunstiajaloo alal kurssi viimise järele on mitmel põhjusel väga pakiline. Kultuuri- ja kunstinähtuste hinnangute ideoloogiline ühtsus on läinud minevikku ning sellega seoses puudub vajadus jäigaks orientatsiooniks kriitilise ja sotsialistliku realismi kunstile. Lisaks on kunsti edasikandmisel ja reprodutseerimisel omandanud suure tähtsuse kaasaegne meedia, Internet ja raamatukirjastuste masstoodang.
Ka kaasaegse kultuuri tegelikkus on muutunud. Elukeskkond, mitte vähem kui kunstiteos, on viimasel ajal muutunud kunsti eksisteerimise vormiks. Suhtlemine kunstiga liigub spetsialiseeritud institutsioonidest igapäevaelu sfääri. Toimub ka vastuprotsess – kunsti toomine ellu. Sellest tulenevalt avardub mõiste "kunstikultuur", mis hõlmab lisaks kõrgkultuuri nähtustele ka igapäevaelu kultuuri fakte, millega massikultuuri probleeme, selle kohta ja rolli ühiskonnas käsitletakse. tihedalt läbi põimunud.
Selles kontekstis kaotab õpetaja oma positsiooni ainuõigusliku hindava autoriteedina ja peamise teabeallikana kunsti kohta. Kuid samal ajal omandab ta navigaatori staatuse, mis näitab õpilaste arengu ja tegevuse peamised juhised.
D. S. Likhachev kirjutas: "Kunst valgustab ja samal ajal pühitseb inimese elu. Kuid kunstiteoste mõistmine pole kaugeltki lihtne. Sa pead seda õppima - õppima kaua, kogu elu ... Kunstiteoste mõistmiseks on alati vaja teada loovuse tingimusi, loovuse eesmärke, kunstniku isiksust ja ajastut. . Vaataja, kuulaja, lugeja peaks olema relvastatud teadmiste, infoga... Ja eriti tahan rõhutada detailide tähtsust. Mõnikord võimaldab tühiasi tungida peamisse. Kui oluline on teada, miks see või teine ​​asi on kirjutatud või joonistatud!
Seetõttu on kunstiteost analüüsides võimatu läbi saada ainult oma nägemuse esseelisest esitamisest kunstiobjektist. Selle taustal muutub aktuaalseks kunstiajaloo analüüsi meetodite kasutamine Moskva Kunstiteatri õppetöös.
Moskva Kunstiteatri tundides kasutatavad kunstiajaloo analüüsi peamised liigid võivad olla võrdlev-ajalooline, vormiline ikonograafiline, struktuurne.
1. Võrdlev ajalooline analüüs
See on üks tõhusamaid analüüsi liike. See põhineb ühelt poolt võrdlusel - kõige lihtsamal kognitiivsel operatsioonil objektide sarnasuste ja erinevuste tuvastamiseks, teiselt poolt aga historitsismi põhimõtetel, mille kohaselt vaadeldakse reaalsust pideva muutumise vaatenurgast. aega.
Lihtsaim võrdlemise tulemusena tekkiv suhete tüüp - identiteedi (võrdsuse) ja erinevuste seos - on rakendatav mis tahes vaadeldavate ja mõeldavate objektide suhtes. Selle tulemusena võimaldab võrdlusoperatsioon ise kujutada maailma sidusa mitmekesisusena. See esmane toiming ja selle rakendamisest tulenevad järeldused on kunstikultuuri kui terviku mõistmiseks väga olulised.
Igas kultuurinähtuses on vaja näha nii selle ainulaadsust ja jooni kui ka ühisust kultuuriga tervikuna. Võrdlus on dünaamiline toiming. See viitab esialgu mingisugusele vastuseisule.
Oma kultuuri mõistmiseks peate seda vaatama justkui väljastpoolt.
Erinevalt kirjeldamisest hõlmab võrdlemine kahe objekti vastandamist, mis on loominguliselt produktiivsem. Mida kaugemad ajaliselt, stiililt, ilmekamate kunstikeele vahenditega on tööd õpilastele võrdluseks pakutud, seda lihtsam on võrrelda ning seda originaalsemad ja ootamatumad võivad olla selle tulemused. Samas peaks teose vähemalt ühel parameetril olema midagi ühist - see võib olla ühine žanr (portree, maastik, natüürmort), vormide tüpoloogia (Vana-Egiptuse ja Mesoameerika püramiid), ühine eesmärk ja funktsioon (tempel). erinevates kultuurides mälestushauakivi ), süžee, ikonograafilised konstandid, formaat (vertikaalne, horisontaalne, rondo) jne.
Potentsiaalne erinevus on eriti oluline õpilaste MKK probleemidega tutvumise esimestel etappidel, kui nad ei ole veel teadlikud aine konkreetsetest probleemidest. Stiililt sarnaste asjade võrdlemiseks ei ole õpilastel piisavalt kogemusi. Nii et Kramskoy ja Perovi portreede võrdlus pole tõenäoliselt tõhus. Üliõpilastele tundmatute inimeste portreesid on produktiivsem teha ja alles analüüsi lõpus tutvustada neile nende saatust, luues seeläbi tingimused õpilaste täiendavaks refleksiooniks nende analüüsi kvaliteedi ja inimese kohta hinnangu andmise üle. erineva märgisüsteemi sümboolne väli.
Ajaloo võrdleva analüüsi meetodeid saab kasutada ka selleks, et luua ja fikseerida õpilastes oma emotsionaalne kuvand kunstiteosest, ajastust, stiilist. Seega võimaldab Novgorodi ja Vladimir-Suzdali vürstiriigi templiarhitektuuri võrdlus eraldada erinevuse, tunnuste, ühisuse tunnused ja selle tulemusena luua kuvandi nii ühest kui ka teisest arhitektuurist, mis tekitab lapse enda emotsionaalsele koodile.
Ajaloo võrdleva meetodi peamised vormid on:
- võrdlev analüüs;
- ajaloolis-tüpoloogiline ja ajaloolis-geneetiline võrdlus;
- vastastikusel mõjul põhinevate sarnasuste tuvastamine.
Võrdlev analüüs hõlmab heterogeensete objektide võrdlemist. See võib olla vaste:
- suured kultuurialad (ida-lääs);
- kultuuripiirkonnad (Venemaa – Lääne-Euroopa);
- lava-heterogeensed kultuurid (traditsiooniline folkloorikultuur ja maailmareligioonide kultuur vastavalt "paganluse-kristluse" tüübile);
- stiilid (renessanss-barokk, barokk-klassitsism jne);
- erinevad kunstiliigid ja nende väljendusvõimalused.
Seda tüüpi võrdlus on mõeldud suurte ja sügavate probleemide tuvastamiseks.
Ajaloolise ja tüpoloogilise võrdluse eesmärk on paljastada nähtuste ühisosa, mis ei ole päritolult seotud. Näiteks Vana-Egiptuse, Mesopotaamia ja Kesk-Ameerika kultuurid ei ole geneetiliselt seotud ning nende sarnasuse määrab nende tüpoloogiline kuuluvus Vana-Maailma tsivilisatsiooni.
Ajaloolis-tüpoloogilises võrdluses on olulised kaks teineteist täiendavat protsessi: erinevuste tuvastamisele suunatud analüüs ja ühisuse mõistmisele suunatud süntees.
Antiikmaailma kultuuride ühised tunnused on:
- nende maagiline iseloom;
- hierarhia, kanoonilisus ja traditsionalism;
- terriomorfsete ja zoomorfsete vormide ülekaal mütoloogias;
– kollektiivse printsiibi domineerimine indiviidi üle.
Arhitektuuris taastoodetakse looduslikke vorme ja domineerivad kujundlikud põhimõtted (püramiid - mägi, sammas - puu, pühakoda - koobas, palee - koopa labürindid).
Maailmamäe kujutis on Universumi üldine alusmudel (ziguraat, püramiid, stuupa) ning Maailmapuu arhetüüp on ruumi sümboolse korralduse aluseks.
Ajaloo-geneetiline võrdlus on suunatud sarnasuste tuvastamisele seoses ühise päritoluga. Haridustegevuses on see meetod asjakohane seoses vene kultuuri kunstiliste aluste radikaalse muutumisega selle ajaloo kahel pöördepunktil.
Kristluse omaksvõtt tõi kaasa ülemineku Bütsantsi kaanonitele ja Petrine reform viis omamoodi hüppe läbi mitme etapi ning uue aja Lääne-Euroopa kunsti vormikeele tajumiseni juba väljakujunenud süsteemse keelena. tegelikkus.
Vana-Vene arhitektuuri võrdlemine geneetiliselt sarnaste keskaegse Armeenia, Gruusia ja Bulgaaria arhitektuurikoolkondadega võib viia huvitavate järeldusteni ja esteetilise taju rikastamiseni. Nende esialgne mudel on Bütsantsis loodud ristkupliga templitüüp. Ristkupliga templid moodustati Iraanis kasutatava tehnika abil, et toetada kuplit siseseinte segmentidel. See Lääne-Aasia arhitektidele tuttav kolmemõõtmelise hoone põhimõte oli esimeste kristlike kirikute hoonete kompositsiooniskeemi väljatöötamise aluseks.
Aastatel 1017-1037. Jaroslav Targa ajal ehitati Kiievis Püha Sofia katedraal. Sellel hoonel polnud Bütsantsis otseseid analooge, kuigi katedraali tuum moodustati ristkuplilise skeemi järgi.
Metodoloogilisest vaatenurgast teravdab iidse vene arhitektuuri võrdlemine teiste riiklike mudelitega arusaama selle originaalsusest, mida ei juhtu traditsioonilise piirkonnakoolide sisearvu õpetamisega – Vladimir-Suzdal, Novgorod jne. koolide eripäradest jätab õpilastele mulje iidse vene arhitektuuri ühtsusest. Rahvusliku kunstikultuuri rahvusliku eripära, selle originaalsete kunstisaavutuste probleemid pakuvad kooliõpilastele suurt huvi. Seevastu neile on lihtsam edastada vastuse olemus küsimusele: "Mida meie esivanemad tegelikult lõid?"
Vastastikune mõju kultuuris on teist tüüpi võrdlev analüüs, mille eesmärk on tuvastada välislaenude assimilatsiooni orgaanilisust, tõlgenduse originaalsust. Nende küsimuste arutamisel on viljakaim Y. Lotmani kontseptsioon, kes arvas, et „oma arenenud kultuuriga rahvas ei kaota võõraste kultuuridega ristumisel oma originaalsust, vaid, vastupidi, rikastab oma originaalsust veelgi. Originaalsus ei saavutata mitte kellegi teise teadmiste, vaid enda rikkuse kaudu. Siis see, mis on võõras, lakkab olemast võõras.
2. Formaalne analüüs
Esimese sammu eri tüüpi kujutava kunsti keele spetsiifika uurimisel tegi nn formaalne kunstiajaloo koolkond. Tema saavutused on MHC õpetamisel väga olulised. Esiteks on formaalse koolkonna põhisätetel põhinev analüüs esimene samm autori kavatsuse ja ajastu spetsiifiliste ülesannete mõistmisel, mis on kunstiteosesse krüpteeritud. Teiseks saab vormianalüüsi kategooriate abil võimalikuks mõista kujutava kunsti metafoorset keelt, samuti testida õpilaste spontaanseid reaktsioone ja hinnanguid.
Arhitektuuri-, skulptuuri- ja maaliteoste formaalse analüüsi süsteem sisaldab selliseid parameetreid nagu materjal, formaat, suurus, proportsioonid, tekstuur, valgus, värv, rütmiline ja kompositsiooniline korraldus, konstruktsioon, interaktsioon väliskeskkonnaga, sisemise ja välise suhe. struktuur ja ruum, tajumise ja elamise ajutised tugipunktid.
Eeltoodud formaalse analüüsi parameetrid sisaldusid gümnaasiumi uue põlvkonna kaunite kunstide standardite tekstis. Kuid kahjuks unustame me õpetajatena sageli õpetada õpilastele analüüsi metoodikat, asendades selle kunstiteose esseekirjeldusega või sellega seotud emotsioonide kirjeldusega. Õpilased peavad vähemalt korra iseseisvalt analüüsima arhitektuuri-, skulptuuri- ja maalitööd vastavalt etteantud koordinaatidele. Muidu ei saa juttugi olla mingist tegevus-, probleemi- ega praktikakesksest haridusest.
Iga kunstiliigi parameetrite komplekt varieerub veidi vastavalt selle eripärale.
Arhitektuuri analüüs
Arhitektuuri abstraktsuse (looduses puuduvad analoogiad) tõttu, mille peamiseks ülesandeks on ruumi organiseerimine, tuleks selle analüüsi põhipunktid olla:
- ehitise eesmärk ja funktsioon;
- absoluutsed mõõtmed ja suhe keskkonnaga;
- konstruktsiooniks valitud materjal ja selle kujundliku mõistmise tunnused;
- plaan;
- üldine ruumi- ja massikorraldus (mis valitseb: esimene või teine ​​ja miks?);
- disain ja sellesse põimitud ideed;
- hoone mastaap (korrelatsioon inimese suuruse, keskkonnaga);
- proportsioonid (hoone osade suhe omavahel ja nende suhe tervikuga);
- rütm (ruum ja massid, erinevad ruumirakud, struktuuri liigendus, avad jne);
- fassaadide ja siseruumi valgus- ja varjukorraldus;
- värvi ja heli roll;
- korrelatsioon skulptuuri ja monumentaalmaaliga;
- struktuuri ja selles voolava elu tajumise ajutine organiseerimine.
Arhitektuuri analüüs eeldab ka isiklikku töökogemust või väga suurt visuaalset materjali - plaanid, lõiked, maastikufotograafia, fassaadide fotod mitmest vaatenurgast, fotod interjööridest jne.
Maali analüüs
Maali analüüsides tuleb arvestada, et ühest küljest ei opereeri see abstraktsioonidega, vaid reaalsuse äratuntavate kujunditega, teisalt aga on pildiline pilt illusoorne (st mitte vähem abstraktne). pilt kahemõõtmelisel tasapinnal, omamoodi tõlgendus reaalsusest, selle teisenenud kujutis.
Tihti loob tegelikkuse äratuntavus, süžee eksliku mulje autori sõnumi dekodeerimise lihtsast ligipääsetavusest. Seda tuleb analüüsimisel arvesse võtta. Maalile rakendatav formaalne analüüs peaks põhimõtteliselt erinema süžee primitiivsest ümberjutustusest, mida õpetatakse esimeses klassis.
Parem on analüüsi alustada pildilise kujutise tüübi üle otsustamisest: kas see on seinamaal või molbertimaal? Järgmisena tuleks peatuda pildilise kujutise pildilistel ja ekspressiivsetel-dekoratiivsetel funktsioonidel, mis on seotud kahemõõtmelise tasapinna - pildi pinna - kujundamisega.
Mõõtmed, formaat (horisontaalne, vertikaalne ring ja muud võimalused) ja raam (raam kui kolmemõõtmeline objekt) määravad illusoorse ja reaalse pildi suhte läviparameetrid.
Olulisi metafoorseid ja sümboolseid kategooriaid seostatakse sageli pildi pealekandmise alustega (kivi, puit, krohv, klaas) ja maali tegemise tehnikaga (fresko, tempera, mosaiik, õli, pastell jne). ). Tekstuuriprobleemid ei ole ainult pinnakujunduse probleemid, vaid ka kujutise sisemise tõlgendamise probleemid.
Järgmised küsimused on seotud ruumilise korraldusega (tasapinnaline või illusoorne ruum):
- joone tõlgendamine, siluett, mahtude plastilisus, chiaroscuro;
- vaatenurga valik, horisondijoon;
- pildi parema ja vasaku külje organiseerimine (omapärased sisse- ja sissepääsud maalilisest ruumist);
- rütmiline struktuur ja kompositsioon üldiselt.
Skulptuuride analüüs
Skulptuuri eripäraks on selle reaalsus ja materiaalsus, kolmemõõtmeline maht ning keskendumine kombatavale mõjule ja kogemusele. Skulptuuri peateemaks on inimfiguur ning selle keeleks inimkeha ja näoilmete keel.
Võime öelda, et see on üks antropomorfsemaid kunstiliike. Kuid skulptor ei korda pimesi inimfiguuri selle tegelikes vormides, vaid loob mingisuguse ideaalse reaalsuse, ideaalse vormi, milles ideed kehastuvad plastilise energia klompide kujul. Ühelt poolt piirab eksklusiivne keskendumine inimesele analüüsiparameetrite hulka suuresti, teisalt nõuab see iga üksuse äärmiselt põhjalikku tõlgendamist.
Olles otsustanud skulptuuri tüübi (monumentaalskulptuur või väikeplast, eraldiseisev kujund, kujurühm või reljeef), on vaja selgelt fikseerida selle mõõtmed ja suhted ümbritseva ruumi, arhitektuuri ja inimmastaabiga, tuvastada skulptuuri punktid. autori kavandatud vaade.
Materjalivalik (kivi, pronks, puit, keraamika ja muud kaasaegsed materjalid) skulptuuris on väga oluline ja näitab meile üht autori peamist ideoloogilist seisukohta. Töötlemisviis (plastik või skulptuur), valguse ja varju ning värvimetafoori võimalused, sisestruktuuri (karkassi) korraldus, masside suhe struktuuri ja üksteisesse, dünaamika ja staatika suhe, tektoonika sellest sõltuvad suuresti motoorse pinge ja lõõgastumise hetked ja hetked.
Pjedestaali (või selle puudumise) probleem skulptuuris on sarnane raami probleemiga maalikunstis – see on ühenduslüli kunstimaailma ja reaalsuse maailma vahel.
Süžee skulptuuris on teisejärguline, kuna iga konkreetse süžee kohal on kogu skulptuuri peamine ja ühine süžee - kolmemõõtmelise vormi loomise akt, inimkeha loomine.
Kogemuste ulatust piirab vastandus "staatika – liikumine", kuid elamuse intensiivsus on palju suurem kui teistel kunstiliikidel ning nõuab vaatajalt märkimisväärset tahtekontsentratsiooni. Seda omadust tuleb skulptuuri tajumisel ja analüüsimisel arvestada.
3. Ikonoloogiline analüüs
Kunstil kui spetsiifilisel infostruktuuril on lisaks “puhtale vormile” palju rohkem võimalusi informatsiooni talletamiseks ja edastamiseks, samuti vaataja mõjutamiseks.
Kogenematule keskaegsele vaatajale olid aktuaalsemad kunstikeele hoopis teised aspektid, nimelt tüüpilised vormilised süžeeskeemid ehk teisisõnu Pühakirja tegelaste või sündmuste kujutamise ikonograafia. "Keskaegne teadvus, mis on läbi imbunud hierarhia ideest, moodustab 11.-2. sajandiks pühakute, sümbolite, isegi värvide hierarhia. Seda sümboolikat tundmata ei saa me ikooni sisust täielikult aru, see jääb meist kõrvale. See on ikooni kujundliku struktuuri üks aluseid. Ja kui pildil on värvil emotsionaalne ja informatiivne roll, siis ikoonimaalimise hierarhias on neil kanooniline roll.
Kanoonilised skeemid kirikukunstis on omamoodi supervorm, supertekst, mis mõjutab vaatajat välkkiirelt, võimaldades tal peaaegu koheselt tajuda ühelt poolt püha pildi sisu ja selle pühadust, see tähendab kuulumist teise maailma. teiselt poolt.
Ikonograafia käsitleb kunstikeele kanoonilisi aspekte kunstiajaloos. Selle meetoditeks on inimese kujutamisel omaks võetud tüpoloogiliste tunnuste ja skeemide või süžeeskeemide kirjeldamine ja süstematiseerimine, mis tahes ajastu või suuna kunstile iseloomuliku isikukujutiste terviku analüüs.
MHC õpetaja jaoks on selle meetodi puhul olulisem valmis tulemus, millega on vaja õpilasi kurssi viia. See võimaldab ühelt poolt õpilastel paremini "lugeda" ja mõista ikonograafiat, budismi ja hinduismi kanoonilisi kujundeid, dešifreerida Põhja- ja Itaalia renessansiajastu teoseid ning teisalt muudab nad muutuste suhtes tundlikumaks. kaanoni piires ja aitab ümber hinnata renessansikunsti saavutusi ja tõsiasja, et rangelt reguleeritud kaanonist keeldutakse.
Ikonoloogia kui kunstiajaloo suund on laiem kui ikonograafia, kuna see ei uuri mitte ainult religioossete kultuste poolt fikseeritud kaanoneid, vaid ka kunstiteostes esinevaid stabiilseid süžeesid ja pildimotiive (kompositsiooniskeemid, skeemide fragmendid, teemad, süžeed, atribuudid, sümbolid ja heraldilised märgid), kandes oma ajastut ajastusse, ühelt kunstiliigilt teisele, meistrilt meistrile. Neid stabiilseid kunstikeele elemente käsitleb ikonoloogiline kunstikoolkond omamoodi vormimälu kandjatena ehk teisisõnu „sümboolse vormina“, mis sisaldab kultuuri „varjatud tähendusi ja sõnumeid“, krüpteeritud koode. kunstist.
Vaatamata ikonoloogilise meetodi keerukusele on see Moskva Kunstiteatri tundides õpilastele üsna kättesaadav. Fakt on see, et kõigil lastel, kes lapsepõlves muinasjutte lugesid, on vormide mälu kohta teatud põhiteadmised. Kõik teavad, et mütoloogia, eepose ja muinasjuttude jumalatel ja kangelastel on eriliste maagiliste omadustega esemed, mis mitte ainult ei aita neil täita oma funktsioone, vaid sisaldavad sageli ka nende elujõudu.
Atribuutide püsivust saab kasutada juhtudel, kui mütoloogilised tegelased kaotavad oma tervikliku kuvandi ja jätkavad fragmentaarsel kujul eksisteerimist järgnevate aegade kultuuris. Sel juhul võivad atribuudid olla juhtlõngaks paljude kultuurinähtuste tõlgendamisel, aidata jälgida näiliselt kokkusobimatute kujundite järjepidevust.
Struktuurianalüüs
Struktuurianalüüsi tehakse märgisüsteemide alusel, olles seeläbi tihedalt seotud semiootika (märgisüsteemide teadus) ja semantikaga (tähenduste teadus). Kunstiajaloo käsitlemine selliste mõistetega nagu kultuurikoodid, binaarsed opositsioonid, arhetüüp, mütologeem seotud märgi- ja sümbolsüsteemide arengumustrite vaatevinklist võimaldab ühelt poolt tugevdada semantilist, tähenduslikku komponenti. kunstikultuuri uurimisest, mis teeb muret ennekõike teismelisele, ja teisest küljest rõhutada selle sisu isiklikku lugemist.
Väärtusorientatsioonide seisukohalt viib kogu maailma kunstikultuuri ühtsuse mõistmine tolerantsema suhtumise kujunemiseni võõraste kultuuride vormidesse ja väärtustesse. Kõigile kultuuridele ühised prototüübid nagu maailmapuu, tee, emake maa, vari, tark vanamees, tark vana naine, anima, kangelane, antikangelane iseseisva haridus- ja projektitegevuse protsessis. MHC raamistik suurendab õppimise ja töö aktiivsuskomponenti, et suurendada õpilaste isiklikku huvi.
Konkreetsed objektid võivad oma konkreetsust kaotamata saada teiste objektide ja mõistete märkideks (koodideks) ja neid sümboolselt asendada.
Üks iidsemaid on geomeetriliste sümbolite kood ja sellega tihedalt seotud numbrisümboolika.
Koodid võivad olla väga erinevad: zoomorfsed, taimsed, värvilised, toidu-, keemilised, numbrilised, geomeetrilised jne.
Struktuurianalüüs on MHC tundide kasutamisel oluline selles, et esiplaanile tulevad transformatsioonioperatsioonid, mis on õpilaste mõtlemise arendamise seisukohalt väga oluline. Tehes selliseid toiminguid nagu objektide esmase komplekti valimine, objektide jagamine põhielementideks, transformatsioonisuhete tuvastamine, arendavad õpilased oma analüüsivõimet, oskust näha üldist, struktureerida ja süstematiseerida oma teadmisi.
Maailma kunstikultuuri kulgemise arengupotentsiaal on otseselt seotud subjekti enda ideoloogilise olemusega, loovuse, enesetundmisega. Nendel tingimustel saab õpetajast saatja, omamoodi huvitatud kooliõpilaste iseseisva töö jälgija.
Kunstikriitika analüüs võimaldab süstemaatiliselt kultuurimälestistega tutvumise põhjal valida oma mõtlemise suuna, saada aimu terviklikust ja mitmemõõtmelisest pildist inimkonna vaimsest arengust ning lähtudes seda arendada oma versioon. Moskva Kunstiteatri õppejõul peaksid olema mitmekülgsed eriteadmised kunstiajaloo vallas. See muutub eriliseks probleemiks, kuna mitte üheski pedagoogikaülikoolis ei valmistata ette eriala "MHC õpetaja". Tänapäeval asetatakse õpetajad, kes julgevad seda ainet õpetada, jäiga ja pideva eneseharimise raamidesse. See ei kehti ainult õpetamismeetodite, vaid ka kunstiajaloo ainese uurimise kohta.
Kunstiteose analüüsi piiramine vormi- ja sisuraamistikuga ehk essee tajumine ei saa olla ainuke valitud meetod tutvumiseks ja veelgi enam kunstiobjekti uurimiseks.
Teisalt on kunstiteose analüüs võimatu ilma laialdaste faktoloogiaalaste teadmisteta, elementaarsete teoreetiliste alusteta. Sel juhul võivad suurt rolli mängida mitmesugused õpetlikud ja informatiivsed ülesannete kaardid, otsinguliste õppemeetodite kasutamine ja infotehnoloogia kasutamine. Lõppude lõpuks on ühiskonna informatiseerimise ajastusse jõudmise tingimustes MHC õpetaja jaoks üks hädavajalikke nõudeid erinevate teabe hankimise, töötamise ja kasutamise meetodite valdamine (hariduslikud arvutiprogrammid, Internet, audiovisuaalsed vahendid, jne.).
Kui need tingimused on täidetud, aitab MHC õpetamine koolis lahendada produktiivseid kasvatusprobleeme, mis võimaldab lastel iseseisvalt koostada probleemide sõnastusi, analüüsida probleemide lahendamist praktilises kontekstis ja arendada seeläbi produktiivset kriitilist mõtlemist.

Näidisküsimused kunstiteose analüüsimiseks

Emotsionaalne tase:

Millise mulje teos jätab?

Millist meeleolu püüab autor edasi anda?

Milliseid aistinguid saab vaataja kogeda?

Milline on töö iseloom?

Kuidas aitavad teose emotsionaalset muljet tekitada osade mõõtkava, formaat, horisontaalne, vertikaalne või diagonaalne paigutus, teatud arhitektuursete vormide kasutamine, teatud värvide kasutamine pildil ja valguse jaotus arhitektuurimälestises?

Õppeaine tase:

Mis (või kes) on pildil?

Mida näeb vaataja fassaadi ees seistes? Interjöörides?

Keda sa skulptuuril näed?

Tõstke nähtu põhjal esile peamine.

Proovige selgitada, miks see tundub teie jaoks peamine olevat?

Milliste vahenditega toob kunstnik (arhitekt, helilooja) välja peamise?

Kuidas on teoses objektid paigutatud (ainekompositsioon)?

Kuidas joonistuvad töös põhijooned (lineaarne kompositsioon)?

Kuidas võrreldakse mahtusid ja ruume arhitektuurses struktuuris (arhitektuurses kompositsioonis)?

Loo tase:

Proovige pildi süžeed ümber jutustada.

Proovige ette kujutada, millised sündmused võivad selles arhitektuurilises struktuuris sagedamini juhtuda.

Mida saab see skulptuur teha (või öelda), kui see ellu ärkab?

Sümboolne tase:

Kas teoses on esemeid, mis midagi sümboliseerivad?

Kas teose kompositsioon ja selle põhielemendid on sümboolse iseloomuga: horisontaalne, vertikaalne, diagonaal, ring, ovaal, värv, kuup, kuppel, kaar, võlv, sein, torn, tornikiiv, žest, poos, riietus, rütm, tämber jne..?

Mis on teose pealkiri? Kuidas on see seotud selle süžee ja sümboolikaga?

Mida tahtis teose autor teie arvates inimestele edasi anda?

Allikas: internet

Maali analüüsi plaan

2. Stiil, suund.

3. Maali tüüp: molbert, monumentaalne (fresko, tempera, mosaiik).

4. Materjali valik (molbertvärvimiseks): õlivärvid, akvarell, guašš, pastell. Selle materjali kasutamise tunnused kunstniku jaoks.

5. Maaližanr (portree, maastik, natüürmort, ajalooline maal, panoraam, dioraam, ikoonimaal, jahisadam, mütoloogiline žanr, igapäevane žanr). Žanri tunnused kunstniku töödele.

6. Maaliline süžee. Sümboolne sisu (kui see on olemas).

7. Teose maalilised omadused:

Värv;

Valgus;

Maht;

tasapinnalisus;

värvimine;

Kunstiline ruum (kunstniku poolt teisendatud ruum);

Liin.

8. Üksikasjad.

9. Isiklik mulje töö vaatamisel.

Skulptuuritööde analüüsiplaan

2. Stiil, suund.

3. Skulptuuri liik: ümarskulptuur, monumentaalskulptuur, väikeplastik, reljeef ja selle mitmekesisus (bareljeef, kõrgreljeef), skulptuurportree, herma jne.

4. Modelli valik (tegelikult olemasolev inimene, loom, kunstniku fantaasia, allegooriline kujund).

5.Plastika (kehakeel), valguse ja varju modelleerimine.

6. Suhtlemine keskkonnaga: skulptuuri värv

(värvimine) ja keskkonna värviline taust, valgusefektid (taustvalgus); skulptuur kui arhitektuuri element, vabalt seisev kuju jne.

7. Materjali valik ja selle tinglikkus (marmor, graniit, puit, pronks, savi jne).

8.Rahvuslikud iseärasused.

9. Isiklik ettekujutus monumendist.

Arhitektuuritöö analüüsi plaan

2. Stiil, suund. Suur- või väikevormide arhitektuur.

3. Koht arhitektuurses ansamblis (kaasamine, isolatsioon,

seos maastikuga, orgaanilise detaili roll jne). Tektoonika: seinasüsteemid, müüritis, rack ja kukkumine

struktuur, karkasskonstruktsioon, võlvkonstruktsioon, kaasaegne

ruumiline struktuur (volditud, kruvi jne).

4. Kasutatud materjal ja selle osalemine erilise arhitektuurse välimuse loomisel. Tema töö iseloom konstruktsioonis (sambad - kannavad, võlvid vedruvad, karniisid toetuvad, kaared tõusevad, kuplikroon jne).

5. Konkreetse teose arhitektuurikeele originaalsus;

väljendatud kaudu:

Sümmeetria, dissümmeetria, asümmeetria;

Osade rütm, detailid;

Maht (lapik, vertikaalselt kitsendatud, kuup jne);

Proportsioonid (detailide ja osade harmoonia);

kontrast (vormide vastandus);

Siluett (välimised kontuurid);

Skaala (suhe inimesega); Veel üks pildi analüüsimise tehnika, mille pakkus välja A. Melik-Pašajev. Oma tundides kasutan seda kõige sagedamini ajalooliste ja igapäevaste žanrite õppimisel. Soovitan lastel pilti hoolikalt kaaluda, samal ajal kui ma nimetan selle autori, kuid ära nimeta nime. Seejärel teen ettepaneku vastata esitatud küsimustele kirjalikult. Küsimusele nr 3 lapsed kirjalikult ei vasta, arutame kõik koos. Eelnevalt mõtlen välja juhtivad küsimused, mis aitavad lastel pildi süžeed paremini paljastada ja teistele küsimustele sügavaid vastuseid anda.

Küsimused pildi kohta:

1. Kuidas te seda maali nimetaksite?

2. Kas pilt meeldib või mitte?

3. Räägi meile sellest pildist, et inimene, kes seda ei tea, saaks sellest aimu.

4. Millise meeleolu see pilt sinus äratab?

7. Kas soovite oma esimesele küsimusele antud vastuses midagi lisada või muuta?

8. Pöörduge tagasi teise küsimuse vastuse juurde. Kas teie hinnang on jäänud samaks või muutunud? Miks sa pilti nii väga hindad?