Jaapan on originaalne, vapustav riik, mis on täis saladusi ja saladusi. On teada, et 17. sajandil saabus Jaapan muust maailmast pikemaks ajaks isolatsioonis. Seetõttu on selle riigi kultuur ja traditsioonid välismaalaste jaoks endiselt ebatavalised ja lahendamata.

Teater on Jaapani kunsti üks vanimaid vorme.

Jaapani teatri ajalugu ulatub mitu tuhat aastat tagasi. Teater tuli Jaapanisse Hiinast, Indiast ja Koreast.

Esimesed teatrižanrid ilmusid Jaapanis 7. sajandil. Selle põhjuseks oli Hiinast pärit bugaku teatripantomiimgigaku ja rituaalsed tantsud. Erilist tähelepanu väärib Gigaku pantomiimiteater. See on särav värvikas etendus, milles mängib rolli isegi näitleja vari. Etendusel osalejad on riietatud kaunitesse rahvusriietesse. Kõlab lummav idamaine meloodia. Värvilistes maskides näitlejad esitavad laval oma maagilisi tantsuliigutusi. Algul peeti selliseid esinemisi ainult templites või keiserlikes paleedes. Ainult suurematel usupühadel ja suurepärastel paleetseremooniatel. Järk-järgult astus teater kindlalt kogu Jaapani rahva ellu.

Teatavasti on kõik iidsetel aegadel eksisteerinud teatrižanrid säilinud tänapäevani. Jaapanlased austavad ja väärtustavad pühalikult oma kultuuri ja traditsioone. Praegu on kõik Jaapani draamad, näidendid ja etendused lavastatud samade keskaegsete stsenaariumide ja põhimõtete järgi. Näitlejad annavad oma teadmisi hoolega edasi nooremale põlvkonnale. Selle tulemusena ilmusid Jaapanisse terved näitlejate dünastiad.

Levinuimad teatrižanrid Jaapanis on - nogaku - Jaapani aristokraatia teater, - lihtrahvale mõeldud teatrietendus ja bunkaru - rõõmsameelne nukuteater. Täna saab Jaapani teatrites kuulata kaasaegset ooperit ja nautida suurepärast balletti. Kuid vaatamata sellele pole huvi traditsioonilise Jaapani teatri vastu kadunud. Ja turistid, kes tulevad sellesse salapärasesse riiki, kipuvad jõudma rahvuslikele teatrietendustele, kus loetakse Jaapani vaimu, kultuuri ja traditsioone.

Nüüd on Jaapanis mitut sorti teatrižanre – teater Noh, teater Kegen, teater varjuteater ja Bunkaru teater.

Noh teater tekkis Jaapanis 14. sajandil. See tekkis vapra Jaapani samurai Tokugawa valitsusajal. See teatrižanr oli kuulus šogunite ja samuraide seas. Jaapani aristokraatiale korraldati teatrietendusi.

Etenduse ajal on näitlejad riietatud Jaapani rahvuskostüümidesse. Värvilised maskid katavad tegelaste nägusid. Esinemist mängitakse vaikse meloodilise muusika saatel (enamasti on see klassika). Näitlemist saadab koorilaul. Etenduse keskmes on peamine rahvuskangelane, kes jutustab oma loo. Etenduse kestus on 3-5 tundi. Sama maski saab kasutada erinevates teatrietendustes. Samal ajal ei pruugi see üldse vastata kangelase sisemisele seisundile. Muusikaline saade võib näitlejate liigutustest vägagi erineda. Näiteks vaikne meloodiline muusika tegelaste väljendusrikastele tantsudele või vastupidi, sujuvad hüpnotiseerivad liigutused kiire rütmilise muusika saatel.

Lava etenduse ajal võib olla värviliselt kaunistatud või täiesti tühi.

Kegeni teater erineb väga Noh' teatrietendustest. Enamasti on need naljakad komöödialavastused. Kegen on rahvahulga teater. Tema ideed on üsna lihtsad ja vähem rafineeritud. See teatrižanr on säilinud meie ajani. Praegu on Noh teater ja Kegeni teater liidetud üheks teatriks – Nogakuks. Nogaku laval mängitakse nii uhkeid näidendeid kui ka lihtsamaid etteasteid.

Kabuki on kuulus Jaapani teater. Siin saate nautida kaunist laulu ja graatsilist tantsu. Sellistes teatrietendustes osalevad ainult mehed. Nad on sunnitud mängima nii mees- kui ka naiserolle.

Kuulus Jaapani nukuteater Bunkaru on särav etendus lastele ja täiskasvanutele. Nukuteatris saab näha mitmesuguseid muinasjutte, legende ja müüte. Algul osalesid etenduses ainult nukud, aegamööda liitusid nendega näitlejad ja muusikud. Praegu on Bunkaru teatrietendus värvikas muusikaline show.

Jaapani varjuteater pakub publikule suurt huvi. See žanr jõudis Jaapanisse Vana-Hiinast. Esialgu lõigati esitluse jaoks välja spetsiaalsed paberist figuurid. Lumivalge kangaga kaetud tohutul puitraamil tantsisid ja laulsid muinasjutukangelaste kujukesed. Veidi hiljem liitusid figuuridega näitlejad. Etendused läksid aina huvitavamaks.

Viimastel aastatel on laialdast populaarsust kogunud Jaapani teater Ese. See on traditsiooniline komöödiateater. Selle teatri ajalugu ulatub 17. sajandisse. Selle teatri lava asub vabas õhus. Siin näete komöödiat ja satiirilisi näidendeid ning naljakaid sõnamänge.

Jaapani traditsioonilist kunsti ei saa ette kujutada ilma nukuetendusteta. See on eriline etendus, millel on oma hämmastav ajalugu ja traditsioon. Jaapani nukuteater – bunraku sündis rahva sügavuses. Oma praeguse kuju omandas see 17. sajandi keskpaigaks. Kabuki ja no on koos teiste traditsiooniliste teatritega tunnistatud UNESCO kultuuripärandiks.

Seda tüüpi traditsioonilist teatrit ei saanud kohe nukuteater. Algul käisid külades ringi rändmungad. Nad kogusid almust. Ja publiku meelitamiseks laulsid nad ballaade printsess Dzerurist, teistest õilsatest ja sama õnnetutest härrasmeestest. Seejärel liitusid nendega muusikud – shamiseni (kolme keelega instrument) mängimise meistrid. Ja hiljem ilmusid kunstnikud nukkudega, kes illustreerisid pealtvaatajatele ballaadide olemust.

Sõna "joruri" nimetatakse nüüdseks igaks etenduseks. See pärineb printsessi - kõige iidsema näidendi kangelanna - enda nimest. Talle annab häält üks lugeja, keda kutsutakse hydayuks. Sellest terminist on saanud ka kodusõna. 1684. aastal otsustas üks lugejatest - kommentaatoritest võtta nimeks Takmoto Gidayu. See tähendas tõlkes "õigluse jutustajat". Publikule meeldis see andekas inimene nii väga, et sellest ajast on kõik bunrakulauljad tema nime kandnud.

Peamine koht teatrietendustes on nukkudele. Neid haldavate kunstnike oskusi on bunraku eksisteerimise sajandite jooksul täiustatud. 1734. aastat peavad teadlased selle kunstiliigi elus oluliseks hetkeks. See on kuupäev, mil Yoshida Bunzaburo tuli välja kolme näitlejaga korraga nukkude juhtimise tehnikaga. Sellest ajast alates on see nii olnud. Iga tegelast juhib kolmainsus, kes sulandub etenduse ajaks oma kangelasega üheks organismiks.

Muide, ka nimi bunraku tekkis enda nimest. 1805. aastal ostis nukunäitleja Uemura Banrakuken Osaka linnas tegutseva kuulsa teatri. Ta andis talle oma nime. Aja jooksul on sellest saanud tavaline nimisõna, mis tähistab jaapani nukuteatrit.

Peategelased

Iga lavastuse loob hästi koordineeritud meeskond, kuhu kuuluvad:
näitlejad - kolm tegelase kohta;
lugeja - hüdaya;
muusikud.
Peategelased on nukud. Neil on keerulise seadme pead ja käed, nende suurus vastab inimesele: pool kuni kaks kolmandikku tavalise jaapanlase kehast. Jalad on ainult meestegelastel ja isegi siis mitte alati. Nuku keha on lihtsalt puitraam. Teda ehivad rikkalikud rüüd, mille õõtsumine loob mulje kõndimisest ja muudest liigutustest. Jalgu kontrollib noorim nukunäitleja - ashi-zukai. Et kvalifitseeruda ja lavale pääseda, on see artist kümme aastat õppinud.

Nuku pea on kogu bunraku kõige keerulisem objekt. Tal on liigutatavad huuled, silmad, kulmud, silmalaud, keel ja nii edasi, olenevalt rollist. Teda ja tema paremat kätt juhib omi-zukai. See on kolmainsuse peamine kunstnik. Ta lihvib oma käsitööd kolmkümmend aastat nooremate rollide juures. Hidari-zukai tegutseb vasaku käega. Kolmik demonstreerib liigutuste täielikku harmooniat. Nuku tegevuse järgi on võimatu aru saada, et tema keha kontrollivad erinevad inimesed.

Lugeja on hüdaiyu

Üks inimene bunrakus annab kõigile tegelastele hääli. Lisaks juhib ta lugu laval toimuvast. Sellel näitlejal peavad olema rikkalikud vokaalsed võimed. Ta loeb oma teksti erilisel viisil. Tema kurgust kostuvad helid, justkui üritaks mees kägistatuna ja kähedana neid tagasi hoida. Arvatakse, et just nii väljendub igavene konflikt "ninjo" ja "giri" vahel. See tähendab: kangelase tundeid rõhub kohustus. Ta unistab millestki, pingutab, kuid seisab pidevalt silmitsi tõsiasjaga, et ta peaks tegema "õiget teed".

Tema tegelastega seotud sõnu kordavad nukkude huuled üllatavalt ühtselt. Tundub, et sõnad on nende poolt öeldud. Kogu tegevust saadab ebatavaline muusika. Tal on saates eriline koht. Muusikud loovad tegevuste rütmi, rõhutavad stseenide iseloomu.

Kõik näitlejad on laval ja ei peida end vaheseina taha nagu Euroopa nukuteatris. Neil on seljas mustad kimonod. Seega kutsutakse vaatajat üles pidama neid nähtamatuks. Lisaks on musta kardinaga ka lava tagantvaade. Maastiku moodustavad haruldased dekoratiivsed elemendid. Kogu avalikkuse tähelepanu peaks olema suunatud nukkudele.

Nukuelemendid

Käed on ka huvitav element, ilmaasjata, et neid juhivad kaks näitlejat. Nad on liikuvad kõigis "liigeses", nagu inimestel. Iga sõrm võib painutada või viipata. Kui tegelaskujul on vaja teha midagi, milleks nukukäsi ei ole võimeline, näiteks raske ese üles võtta ja visata, siis paneb näitleja käe varrukasse ja teeb vajaliku liigutuse.

Nägu ja käed on kaetud valge lakiga. See võimaldab vaatajal nendele elementidele keskenduda. Ja näod on ebaproportsionaalselt väikesed. See muudab nad loomulikumaks. Mõnikord vahetavad tegelased stseeni edenedes nägusid. See juhtub kiiresti ja on eelnevalt ette valmistatud. Näiteks laval tegutseb daam – libahunt. Nuku pea on varustatud kahe näoga: ilus ja rebane. Õigel hetkel pöörab kunstnik seda 180 kraadi, visates juuksešokki.

Esinemised hetkel

Tänapäeval peetakse bunraku etendusi tavalistes teatrites. Stseen on kaunistatud vastava traditsiooni järgi. Etendus on põimitud harmooniliseks tegevuseks nukkude mängust, muusikast ja Hydayuse lauludest. Kõik näitlejate tegevused laval on suurepäraselt kooskõlastatud. Vaatajal läheb kohe meelest, et nukku juhivad kolm inimest. See harmoonia saavutatakse pika treeninguga. Pea operaator on reeglina juba eakas inimene. Algajad ei tohi seda rolli bunrakus täita.

Jaapani peamine nukuteater asub endiselt Osakas. Trupp tuuritab Jaapanis viis või enam korda aastas, mõnikord reisib ka välismaale. Pärast 1945. aastat kahanes bunrakutruppide arv riigis alla neljakümne. Nukuteater hakkas kaduma. Nüüd on seal mitu poolamatöörrühma. Nad annavad etendusi, osalevad traditsioonilise kunsti festivalidel.

Jaapani suurim nukuteater on Bunraku, mis on jeruri nukuteater – traditsiooniline Jaapani teatrižanr.

16. sajandil ühendati vana rahvalaulujutt jeruri nukuetendusega ja omandas muusikalise kõla. Rahvalaulujutt on Jaapanis levinud alates 10. sajandist. Rändavad jutuvestjad jutustasid lauluhäälel, biwa rahvapilli saatel. Narratiivi aluseks olid feodaaleepose süžeed, mis räägib Taira ja Minamoto suurte feodaalmajade ajaloost.

1560. aasta paiku toodi Jaapanisse uus keelpill jabisen. Resonaatorit katnud maonahk asendati odavama kassinahaga ja sai nimeks shamisen ning see saavutas Jaapanis kiiresti laialdase populaarsuse.

Esimesed nukunäitlejad ilmusid Jaapanisse 7.-8. sajandil, see kunst jõudis Jaapanisse Kesk-Aasiast läbi Hiina. Nukunäitlejate etendused on saanud sangakuetenduste lahutamatuks osaks. 16. sajandil hakkasid nukunäitlejate trupid asuma erinevatesse piirkondadesse: Osaka lähedal, Awaji saarel, Awa provintsis, Shikoku saarel, millest said hiljem Jaapani nukuteatri keskused ja mis on seda säilinud. Sel päeval.

Shamiseni saatel esitatava jeruri laulujutu süntees koos nukuetendusega on Jaapani traditsioonilise teatrikunsti uue žanri süntees, millel oli tohutu mõju Jaapani teatrikunsti arengule. Jeruri nukuetendused toimusid pealinnas Kyotos kuivava Kamo jõe lagendikel. 17. sajandi alguses hakkasid uues pealinnas Edos etendusi andma nukunäitlejad. Pärast 1657. aasta suurt tulekahju, mis põhjustas pealinnale suuri kahjusid, kolisid nukuteatrid Osaka-Kyoto piirkonda, kus nad lõpuks elama asusid. Ilmusid hästivarustatud lavadega statsionaarsed nukuteatrid, mille seade on säilinud tänapäevani.

Joruri nukulava koosneb kahest madalast piirdeaiast, mis varjavad osaliselt nukunäitlejaid ja loovad tõkke, kuhu nukud liiguvad. Lava ees asub esimene must, ligikaudu 50 cm kõrgune piirdeaed, millel mängitakse välja väljaspool maja toimuvad stseenid. Teine piirdeaed asub lava tagaosas, kus mängitakse läbi maja sees toimuvad tegevused.

Nukud joruri teatris on täiuslikud, nad on kolmveerand inimese pikkusest, neil on liikuvad suud, silmad ja kulmud, jalad, käed ja sõrmed. Nukkude torso on primitiivne: see on õlavarras, mille külge on kinnitatud käed ja jalad riputatud, kui nukk on meestegelane. Naistegelastel pole jalgu, sest need pole pika kimono alt näha. Keeruline pitside süsteem võimaldab nukunäitlejal kontrollida näoilmeid. Nukkude pead on loonud vilunud käsitöölised. Nagu ka teistes klassikalises Jaapani teatritüüpides, on ka ajaloolisi tüüpe, millest igaüks kasutab teatud pead, parukat, kostüümi. Selliste peade mitmekesisust eristab vanus, sugu, sotsiaalne klass, iseloom. Igal peal on oma nimi ja päritolu, igaüht kasutatakse teatud rollide jaoks.

Et nukunäitlejate tegevust oleks lihtsam koordineerida ja nuku ligikaudu inimese kasvu tasemel hoida, töötab omozukai (peanukunäitleja) puidust Jaapani getakingades kõrgetel alustel. Nuku tegevused peavad täpselt ühtima tekstiga, mida juhend loeb. Kõikide etenduses osalejate täpne töö saavutatakse aastatepikkuse raske treeninguga ja seda peetakse selle kunsti üheks unikaalseks omaduseks. Jutustaja - guidayu mängib kõigi tegelaste rolle ja juhib jutustust autorilt. Tema lugemine peaks olema võimalikult väljendusrikas, ta peaks panema nukud ellu. Hääle seadmine, teksti meloodilise mustri tundmine, tegevuste range kooskõlastamine teiste etenduses osalejatega nõuavad pikki aastaid rasket ettevalmistust. Koolitus kestab tavaliselt kakskümmend kuni kolmkümmend aastat. Mõnikord osaleb etenduses kaks või isegi mitu jutuvestjat. Gidayu ja nukunäitlejate elukutsed joruri teatris on pärilikud. Jaapani traditsioonilises teatrikunstis kanduvad lavanimed koos meisterlikkuse saladustega isalt pojale, õpetajalt õpilasele.

Jeruri nukuteatris on vaatajale emotsionaalse mõju kõige olulisem tegur sõna. Jeruri tekstide kirjanduslik ja kunstiline tase on väga kõrge, mis on Jaapani suurima näitekirjaniku Chikamatsu Monzaemoni suur teene, kes uskus, et sõna on kõige võimsam jõud ning et jutuvestja ja nukunäitleja kunst saab ainult täiendada, kuid mitte. asenda see. Jeruri nukuteatri hiilgeaeg, selle "kuldaeg", on seotud Chikamatsu nimega.

Chikamatsu elust on vähe teada. Tema pärisnimi on Sugimori Nobumori, ta sündis Kyoto piirkonnas samurai perekonnas ja sai hea hariduse. Kuid kohtuteenistus ei köitnud Chikamatsut. Noorest peale meeldis talle teater. Chikamatsu kirjutas rohkem kui kolmkümmend näidendit kabuki teatrile, tolle aja suurimale ja silmapaistvaimale kabuki näitlejale Sakata Tojurole. Nukuteater talle siiski meeldis. Pärast Sakata Tojuro surma kolis Chikamatsu Osakasse ja temast sai Takemotoza teatri täiskohaga dramaturg. Sellest perioodist kuni oma surmani kirjutas Chikamatsu jeruri näidendeid. Ta lõi neid üle saja ja peaaegu igast neist kujunes sündmus tolleaegses Jaapani teatrielus. Chikamatsu kirjutas kakskümmend neli igapäevast draama - sevamono ja üle saja ajaloolise - jidaimono, mida saab nimetada ainult ajaloolisteks draamadeks, kuna nende loomisel ei järginud Chikamatsu tõelist ajalugu. Tema lood kasvasid välja iidse Jaapani kirjanduse rikkalikust aardest ning ta varustas oma tegelasi omaaegsete linnaelanike mõtete ja tunnetega. Tema teosed näitavad võitlust inimese hinges, kes püüab järgida tunnet, mitte feodaalset alust. Peaaegu alati võidab moraalne kohustus ja autori kaastunne on võidetu poolel. See on Chikamatsu lojaalsus aja vaimule, tema humanismile ja uuendusmeelsusele.

Aastal 1685 ühendasid kolm silmapaistvat meistrit - Takemoto Gidayu (joruri jutuvestja), Takezawa Gonemon (shamisen) ja Yoshida Saburobei (nukunäitleja) oma jõupingutustega ning lõid Osakas statsionaarse nukuteatri Takemotoza. Tõeline edu saavutas selle teatri, kui Chikamatsu Monzaemon osales nende töös. 1686. aastal mängiti Takemotoza teatris esimest Chikamatsu loodud jeruri näidendit Shusse Kagekiyo. Etendus oli üliedukas ja selle teatri kunst muutus koheselt märgatavaks, hakkas tolleaegsete nukuteatrite kunstide seas oma tasemega silma paistma. Sellest sai alguse viljakas loominguline koostöö inimeste vahel, kes rikastasid ja arendasid joruri žanri. Järgmine ajastu selle teatri arengus oli jeruri Chikamatsu uue näidendi Sonezaki Shinju lavaletoomine 1689. aastal. Esimest korda ei olnud jeruri-näidendi materjaliks mitte ajalooline kroonika või legend, vaid laialt tuntud tolleaegne skandaalne sündmus: kurtisaani ja noormehe enesetapp. Nad armastasid üksteist, kuid neil ei olnud vähimatki lootust siin maailmas ühineda.

See oli uut tüüpi jeruri näidend, mis sai tuntuks kui sevamono (igapäevamäng). Tulevikus ilmus neist palju. Chikamatsu ajaloolises näidendis Kokusenya Kassen oli rekordarv etendusi: see jooksis iga päev seitseteist kuud järjest. Joruri nukuteatrist on saanud üks silmatorkavamaid nähtusi Jaapani kultuurielus.

18. sajandil kirjutasid Joruri nukuteatrile näidendeid sellised suured näitekirjanikud nagu Takeda Izumo, Namiki Sosuke, Chikamatsu Hanji jt. Teatri repertuaar laienes, muutus keerulisemaks, täiustati nukke, mis meenutasid üha enam elavaid näitlejaid. Täielikku sarnasust siiski ei täheldatud. Arvatakse, et see tooks kaasa publiku huvi nõrgenemise selle kunsti vastu ja paljude nukuteatrite hävimiseni. Pealegi kasutas paralleelselt arenenud kabukiteater laenu joruri nukuteatrist. Kõik parim – näidendid, lavastustehnika ja isegi mängutehnikad – on jõudnud hämmastava õitsemiseni. Tänaseni säilinud Bunraku teater on kujunenud jeruri nukuteatri traditsioonide hoidjaks. Ja sellest nimest on saanud Jaapani traditsioonilise nukuteatri sümbol. Bunraku teatri juhtkond vahetus mitu korda ning alates 1909. aastast on teater läinud suure teatriseltsi Shotiku kätte. Tollal oli trupis 113 inimest: 38 - giidid, 51 - muusikud, 24 - nukunäitlejad. 1926. aastal põles tulekahjus teatrihoone, milles trupp töötas nelikümmend kaks aastat. Neli aastat hiljem, 1930. aastal, ehitas Shochiku firma Osaka kesklinna uue 850 istekohaga raudbetoonist teatrihoone.

Jeruri nukuteatri repertuaar on väga mahukas: sellest teatrist on säilinud ja tänaseni säilinud vaid üle tuhande näidendi. Etenduste süžeed on ajaloolised, kodumaised ja tantsulised. Neist igaühe esitlemine nõuaks täismahus kaheksa-kümme tundi, neid näidendit ei lavatata tervikuna. Tavaliselt valitakse kõige dramaatilisemad ja populaarsemad stseenid, need kombineeritakse nii, et esitus oleks harmooniline ja vaheldusrikas. Tavaliselt sisaldab etendus ühte või mitut stseeni ajaloolisest tragöödiast, ühte stseeni kodumaisest näidendist ja lühikest tantsulõiku. Enamiku näidendite süžeeliinid on keerulised ja keerukad. Kõrge auideaal, alatu reetmine, omakasupüüdmatu aadel – kõik need põimumised tekitavad segadust. Tegelaste erakordne sarnasus, ühe inimese asendamine teisega, mõrv, enesetapp, lootusetu armastus, armukadedus ja reetmine – kõik see seguneb kõige uskumatumates kombinatsioonides. Veel on joruri näidendite eripäraks arhailine keel, millest on tänapäeva publikule raske aru saada, eriti spetsiifilises skandeerimises, mis pole selle žanri austajatele takistuseks. Fakt on see, et peaaegu kõik lood on neile lapsepõlvest hästi teada, sest. see on mineviku kultuuripärandi oluline osa.

Määravaks hetkeks teatris "Bunraku" on harmooniline kombinatsioon muusikast, poeetilise teksti kunstilisest lugemisest ja nukkude ebatavaliselt ekspressiivsest liikumisest. See on selle kunsti eriline võlu. Joruri nukuteater on ainulaadne teatrižanr, mis eksisteerib ainult Jaapanis, samas on siin palju erineva nukujuhtimistehnikaga ja erinevate loominguliste suundadega nukuteatreid. Väga populaarsed on nukuteater Takeda ninyoza ja Gaishi sokkyo ningyo gekijo, kus nukke juhitakse kätega. Nende repertuaaris on traditsioonilised teatritükid, muinasjutud, legendid, rahvatantsud. Uutest ebatraditsioonilistest nukuteatritest suurim on 1929. aastal asutatud Puk (La Pupa Klubo). 1940. aastal see teater likvideeriti, kuid pärast sõda jätkas tegevust ja kujunes umbes kaheksakümmend truppi ühendava Kogu Jaapani Nukuteatrite Ühenduse tuumikuks. Teatris Puk kasutatakse erinevaid nukujuhtimistehnikaid, sealhulgas kindanukke, nukke, kepinukke ja kahekäe-nukke. Palju tähelepanu pööratakse nukufilmide ja filmilindide loomisele. Jaapani ebatraditsiooniliste nukuteatrite repertuaar koosneb nii välismaiste kui ka Jaapani autorite muinasjuttudest ja näidenditest.