Красоту, скрытую в вещах, японцы открыли в IX-XII веках, в эпоху Хэйан (794 -1185 гг) и даже обозначили ее особым понятием «моно-но аварэ» (яп.物の哀れ (もののあわれ)), что значит «печальное очарование вещей». «Очарование вещей» — одно из наиболее ранних в японской литературе определений прекрасного, оно связано с синтоистской верой в то, что в каждой вещи заключено своё божество — ками — и своё неповторимое очарование. Аварэ — это внутренняя суть вещей, то, что вызывает восторг, взволнованность.

- Васи (wasi) или вагами (wagami).
Ручное изготовление бумаги. Средневековые японцы ценили васи не только за ее практические качества, но и за красоту. Она славилась своей тонкостью, почти прозрачностью, что, впрочем, не лишало ее прочности. Васи изготавливается из коры дерева кодзо (шелковицы) и некоторых других деревьев.
Бумага васи сохраняется в течение столетий, свидетельство тому альбомы и тома старинной японской каллиграфии, картины, ширмы, гравюры, дошедшие сквозь века до наших дней.
Бумага Васи волокнистая, если посмотреть в микроскоп, будут видны щели, сквозь которые проникает воздух и солнечный свет. Это качество используется при изготовлении ширм и традиционных японских фонариков.
Сувениры из васи очень популярны среди европейцев. Множество маленьких и полезных предметов изготавливается из этой бумаги: кошельки, конверты, веера. Они достаточно прочны и при этом легки.

- Гохэй.
Талисман из бумажных полосок. Гохэй - ритуальный жезл синтоистского священника, к которому прикрепляются бумажные зигзагообразные полоски. Такие же полоски бумаги вывешивают у входа в синтоистский храм. Роль бумаги в синтоизме традиционно была очень велика, и изделиям из нее всегда придавался эзотерический смысл. А вера в то, что каждая вещь, каждое явление, даже слова, содержат в себе ками - божество — объясняет и появление такого вида прикладного искусства, как гохэй. Синтоизм в чем-то очень похож на наше язычество. Для синтоистов ками поселяется особенно охотно во всем, что необычно. Например, в бумаге. А тем более в закрученном в мудреный зигзаг гохэй, который висит и сегодня перед входом в синтоистские святилища и указывает на присутствие божества в храме. Существует 20 вариантов складывания гохэй, и те, которые сложены особенно необычно, привлекают ками. По преимуществу гохэй белого цвета, но встречаются также золотистые, серебристые и многих прочих оттенков. С IX века в Японии живет обычай укреплять гохэй на поясах борцов сумо перед началом схватки.

- Анэсама.
Это изготовление кукол из бумаги. В 19 веке жены самураев делали из бумаги куклы, в которые играли дети, переодевая их в разные одежды. Во времена, когда не было игрушек, анэсама являлась для детей единственным собеседником, «исполняя» роль матери, старшей сестры, ребенка и друга.
Кукла сворачивается из японской бумаги васи, волосы делаются из жатой бумаги, окрашиваются тушью и покрываются клеем, что придает им глянец. Отличительной особенностью является миленький носик на удлиненном лице. Сегодня эта простая, не требующая ничего, кроме умелых рук, традиционная по форме игрушка продолжает изготавливаться так же, как и раньше.

- Оригами.
Древнее искусство складывания фигурок из бумаги (яп. 折り紙, букв.: «сложенная бумага»). Искусство оригами своими корнями уходит в древний Китай, где и была изобретена бумага. Первоначально оригами использовалось в религиозных обрядах. Долгое время этот вид искусства был доступен только представителям высших сословий, где признаком хорошего тона было владение техникой складывания из бумаги. Только после второй мировой войны оригами вышло за пределы Востока и попало в Америку и Европу, где сразу обрело своих поклонников. Классическое оригами складывается из квадратного листа бумаги.
Существует определённый набор условных знаков, необходимых для того, чтобы зарисовать схему складывания даже самого сложного изделия. Бо́льшая часть условных знаков была введена в практику в середине XX века известным японским мастером Акирой Ёсидзавой.
Классическое оригами предписывает использование одного квадратного равномерно окрашенного листа бумаги без клея и ножниц. Современные формы искусства иногда отходят от этого канона.

- Киригами.
Киригами - искусство вырезания различных фигур из сложенного в несколько раз листа бумаги с помощью ножниц. Вид оригами, в котором допускается использование ножниц и разрезание бумаги в процессе изготовления модели. Это основное отличие киригами от других техник складывания бумаги, что подчёркнуто в названии: 切る (киру) — резать, 紙 (гами) — бумага. Все мы в детстве любили вырезать снежинки - вариант киригами, вырезать в такой технике можно не только снежинки, но и различные фигурки, цветочки, гирлянды и другие милые вещи из бумаги. Эти изделия можно использовать в качестве трафаретов для принтов, украшения альбомов, открыток, фоторамок, в дизайне одежды, интерьера и другого различного декорирования.

- Икэбана.
Икэбана, (яп 生け花 или いけばな) в переводе с японского языка - икэ” - жизнь, “бана” - цветы, или “цветы, которые живут”. Японское искусство аранжировки цветов - одна из красивейших традиций японского народа. При составлении икэбана наряду с цветами используются срезанные ветки, листья и побеги..Основополагающим является принцип изысканной простоты, для достижения которого стараются подчеркнуть естественную красоту растений. Икэбана -это создание новой природной формы, в которой гармонично соединяются красота цветка и красота души мастера, создающего композицию.
Сегодня в Японии существуют 4 крупнейших школы икэбана: Икэнобо (Ikenobo) , Корю (Koryu), Охара (Ohara), Согэцу (Sogetsu). Кроме них есть еще около тысячи различных направлений и течений, придерживающихся одной из этих школ.

- Орибана.
В середине 17 века из икенобо отошли две школы охара (основная форма икэбаны - орибана) и корю (основная форма - ссека). Кстати, школа охара до сих пор изучает только орибану. Как говорят японцы, очень важно, чтобы оригами не превратилось в оригоми. Гоми по-японски значит мусор. Ведь как бывает, сложил бумажку, а дальше что с ней делать? Орибана предлагает очень много идей букетов для украшения интерьера. ORIBANA = ORIGAMI + IKEBANA

- Ошибана.
Вид изобразительного искусства, рожденного флористикой. У нас флористика появилась восемь лет назад, хотя в Японии существует более шестисот лет. Когда-то в средние века самураи постигали путь воина. И ошибана была частью этого пути, такой же, как написание иероглифов и владение мечом. Смысл ошибаны заключался в том, что в состоянии тотального присутствия в моменте (сатори) мастер создавал картину из сухоцветов (пресованых цветов). Потом эта картина могла служить ключом, проводником для тех, кто был готов войти в безмолвие и пережить то самое сатори.
Суть искусства "ошибана" состоит в том, что, собирая и засушивая под прессом цветы, травы, листья, кору и наклеивая их на основу, автор создает при помощи растений поистине произведение "живописи". Другими словами, ошибана - это живопись растениями.
Художественное творчество флористов основано на сохранении формы, цвета и фактуры растительного засушенного материала. Японцы разработали методику предохранения картин «ошибана» от выгорания и потемнения. Суть ее в том, что между стеклом и картиной откачивается воздух и создается вакуум, который не дает растениям портиться.
Привлекает не только нетрадиционность этого искусства, но и возможность проявить фантазию, вкус, знание свойств растений. Флористы выполняют орнаменты, пейзажи, натюрморты, портреты и сюжетные картины.

- Бонсаи.
Бонсай, как явление, появился более тысячи лет назад в Китае, однако пика своего развития эта культура достигла лишь в Японии. (бонсаи - яп. 盆栽 букв. «растение в горшке») — искусство выращивания точной копии настоящего дерева в миниатюре. Эти растения выращивались буддийскими монахами, за несколько веков до нашей эры и впоследствии превратились в одно из занятий местной знати.
Бонсаи украшали японские дома и сады. В эру Токугава парковый дизайн получил новый толчок: выращивание азалий и клёнов стало времяпрепровождением богатых людей. Карликовое растениеводство (хати-но-ки — «дерево в горшке») тоже развивалось, но бонсаи того времени были очень большими.
Сейчас для бонсаи используются обычные деревья, маленькими они становятся благодаря постоянным подрезкам и различным другим методам. При этом соотношения размеров корневой системы, ограниченной объёмом плошки, и наземной части бонсай соответствует пропорциям взрослого дерева в природе.

- Мидзухики.
Аналог макраме. Это древнее японское прикладное искусство завязывания различных узлов из специальных шнуров и создания узоров из них. Подобные произведения искусства имели чрезвычайно широкую область применения - от подарочных открыток и писем до причёсок и сумочек. В настоящее время мидзухики чрезвычайно широко используется в индустрии подарков - к каждому событию в жизни полагается подарок, завёрнутый и обвязанный совершенно определённым образом. Узлов и композиций в искусстве мидзухики существует чрезвычайно много и далеко не каждый японец знает их все наизусть. Конечно, существуют наиболее распространённые и простые узлы, которые используются наиболее часто: при поздравления с рождением ребёнка, на свадьбу или поминки, день рождения или поступление в университет.

- Кумихимо.
Кумихимо - это японское плетение шнурков-косичек. При переплетении ниток получаются тесемки и шнурочки. Плетутся эти шнурки на специальных станках - Марудай и Такадай. Станок Марудай используется для плетения круглых шнурков, а Такадай - плоских. Кумихимо в переводе с японского означает «плетение веревок» (kumi — плетение, складывание вместе, himo — веревка, шнурок). Несмотря на то, что историки упорно настаивают, будто подобное плетение можно встретить у скандинавов и жителей Анд, японское искусство кумихимо — действительно одно из самых древних видов плетения. Первое упоминание о нем относится к 550 году, когда буддизм распространился по всей Японии и специальные церемонии потребовали специальных украшений. Позже шнурки кумихимо стали использовать как фиксатор пояса оби на женском кимоно, в качестве веревок для «упаковки» всего самурайского арсенала оружия (кумихимо самураи использовали в декоративных и функциональных целях, чтобы завязывать свои доспехи и доспехи лошади) а также для связки тяжелых предметов.
Разнообразные узоры современных кумихимо плетутся очень легко на самодельных станках из картона.

- Комоно.
Что остается от кимоно, после того как оно отслужило свой срок? Думаете, его выбрасывают? Ничего подобного! Японцы не сделают так никогда. Кимоно вещь дорогая. Вот так просто выкинуть ее немыслимо и невозможно… Наряду с другими видами вторичного использования кимоно, из мелких лоскутков мастерицы делали маленькие сувениры. Это и маленькие игрушки детям, куколки, броши, гирлянды, женские украшения и прочие изделия, старое кимоно используется при изготовлении маленьких милых вещиц, которые обобщенно называются «комоно». Мелочи, которые будут жить собственной жизнью, продолжая путь кимоно. Это и означает слово «комоно».

- Канзаши.
Искусство украшения заколок для волос (чаще всего украшались цветами (бабочками и тд.) из ткани (в основном шёлк). Японская канзаши (kanzashi) — это длинная шпилька для традиционной японской женской прически. Они делались из дерева, лака, серебра, черепахового панциря, используемые в традиционных китайских и японских прическах. Примерно 400 лет назад, в Японии изменился стиль женской прически: женщины перестали причесывать волосы в традиционной форме - taregami (длинные прямые волосы) и стали укладывать их в затейливые и причудливые формы - nihongami. Для укладки волос использовали различные предметы - шпильки, палочки, гребни. Именно тогда даже простая расческа-гребень kushi превращается в изящный необыкновенной красоты аксессуар, который становится настоящим произведением искусства. Японский женский традиционный костюм не допускал наручных украшений и ожерелий, поэтому украшения причесок являлись главной красотой и полем для самовыражения - а так же демонстрации вкуса и толщины кошелька владелицы. На гравюрах можно видеть - если присмотреться - как японки запросто навешивали в свои прически до двадцати дорогих канзаши.
В настоящее время наблюдается возрождение традиций использовать канзаши среди молодых японских женщин, которые желают добавить изысканности и элегантности своим прическам, современные заколки могут быть украшены всего одним-двумя изящными рукодельными цветками.

- Кинусайга.
Удивительный вид рукоделия из Японии. Кинусайга (kinusaiga, 絹彩画) это нечто среднее между батиком и лоскутным шитьем. Основная идея заключается в том, что из старых шелковых кимоно по кусочкам собирают новые картины - истинные произведения искусства.
Сначала художник делает эскиз на бумаге. Затем этот рисунок переводится на деревянную досточку. Контур рисунка прорезается желобками, или канавочками, А затем из старого шелкового кимоно нарезаются маленькие, подходящие по цвету и тону лоскутки, и края этих лоскутков заполняют канавки. Когда смотришь на такую картину, возникает ощущение, что смотришь на фотографию, или даже просто наблюдаешь пейзаж за окном, настолько они реалистичны.

- Тэмари.
это традиционные японские геометрически вышитые шары, выполненые простейшими стежками, которые когда-то служили детской игрушкой, а теперь стали формой прикладного искусства, имеющим множество поклонников не только в Японии, но и во всем мире. Считается, что давным-давно данные изделия изготавливались женами самураев для развлечения. В самом начале они действительно использовались в качестве шара для игры в мяч, но шаг за шагом стали приобретать художественные элементы, превратившись позже в декоративные украшения. Нежная красота этих шаров известна по всей Японии. И сегодня красочные, тщательно изготовленные изделия, являются одним из видов народных промыслов Японии.

- Юбинуки.
Японские наперстки, при ручном шитье или вышивке их надевают на среднюю фалангу среднего пальца рабочей руки, при помощи кончиков пальцев игле придаётся нужное направление, а кольцом на среднем пальце игла проталкивается в работе. Первоначально японские напёрстки юбинуки изготавливались довольно просто - полоска плотной ткани или кожи шириной около 1 см в несколько слоёв плотно оборачивалась вокруг пальца и была скреплена вместе несколькими простыми декоративными стежками. Поскольку юбинуки были необходимым предметом в каждом доме, их стали украшать геометрической вышивкой шелковыми нитями. Из переплетения стежков создавались красочные и сложные узоры. Юбинуки из простого предмета быта превратился также и в предмет для "любования", украшения повседневной жизни.
Юбинуки всё ещё используются при шитье и вышивке, но кроме этого их можно встретить и просто носимыми на руках на любом пальце, как декоративные кольца. Вышивкой в стиле юбинуки украшают разные предметы в форме кольца - кольца для салфеток, браслеты, подставки для темари, украшенные вышивкой юбинуки, ещё в таком же стиле бывают вышитые игольницы. Yзоры юбинуки могут быть прекрасным источником вдохновения для вышивки оби в темари.

- Суйбокуга или сумиэ.
японская живопись тушью. Этот китайский стиль живописи был заимствован японскими художниками в XIV в., а к концу XV в. превратился в основное направление живописи Японии. Суйбокуга монохромна. Она характеризуется использованием черной туши (суми), твердой формы древесного угля или производимой из сажи китайской туши, которая растирается в тушечнице, разбавляется водой и наносится кистью на бумагу или шелк. Монохромность предлагает мастеру нескончаемый выбор тональных вариантов, которые китайцы давным — давно признали «цветами» туши. Суйбокуга иногда допускает использование настоящих цветов, но ограничивает его тонкими, прозрачными мазками, которые всегда остаются подчиненными линии, исполненной тушью. Живопись тушью разделяет с искусством каллиграфии такие существенные характеристики, как жестко контролируемая экспрессия и техническое мастерство формы. Качество живописи тушью сводится, как и в каллиграфии, к целостности и сопротивлению на разрыв проведенной тушью линии, которая как бы держит на себе произведение искусства, подобно тому, как кости держат на себе ткани.

- Этэгами.
Рисованные открытки (э - картина, тэгами - письмо). Создание открыток своими руками - вообще очень популярное занятие в Японии, а перед праздником его популярность еще более возрастает. Японцы любят посылать открытки своим друзьям, и получать их тоже любят. Это вид быстрого письма на специальных бланках-заготовках, его можно отправить по почте без конверта. В этегами нет специальных правил или техник, это может любой человек без специальной подготовки. Этагами помогает точно выразить настроение, впечатления, это открытка сделанная своими руками состоящая из картины и краткого письма, передающая эмоции отправителя, такие как теплоту, страсть, заботу, любовь и т.д. Шлют эти открытки на праздники и просто так, изображая сезоны, действия, овощи и фрукты, людей и животных. Чем проще нарисована эта картина, тем интереснее она выглядит.

- Фурошики.
Японская техника упаковки или искусство складывания ткани. Фурошики вошли в быт японцев давно. Сохранились древние свитки периодов Камакура-Муромати (1185 - 1573 гг.) с изображениями женщин, несущих на головах упакованные в ткани связки одежды. Эта интересная техника зародилась ещё в 710 - 794 нашей эры в Японии. Слово "фурошики" буквально переводится как "банный коврик" и представляет собой квадратный кусок ткани, который использовался для заворачивания и переноски предметов любых форм и размеров.
В старину в японских банях (фуро) было принято ходить в лёгких хлопковых кимоно, которые посетители приносили с собой из дома. Купальщик также приносил специальный коврик (шики), на котором стоял, пока раздевался. Переодевшись в "банное" кимоно, посетитель оборачивал свою одежду ковриком, а после бани заворачивал в коврик мокрое кимоно, чтобы донести его до дома. Таким образом, коврик для бани превратился в многофункциональную сумку.
Фурошики очень удобен в применении: ткань принимает форму предмета, который вы заворачиваете, а ручки позволяют легко перенести груз. Кроме того, подарок, завернутый не в жесткую бумагу, а в мягкую, многослойную ткань, приобретает особую выразительность. Существует множество схем складывания фурошики на любые случаи жизни, повседневные или праздничные.

- Амигуруми.
Японское искусство вязания на спицах или крючком маленьких мягких зверушек и человекоподобных существ. Амигуруми (яп. 編み包み, букв.: «вязанное-завёрнутое»)— это чаще всего симпатичные животные (такие как мишки, зайчики, кошечки, собачки и др.), человечки, но это могут быть и неодушевлённые объекты наделённые человеческими свойствами. Например, кексы, шляпы, сумочки и другие. Амигуруми вяжут или спицами или крючком. В последнее время амигуруми связанные крючком стали более популярны и более часто встречаются.
вяжутся из пряжи простым способом вязания — по спирали и, в отличие от европейского способа вязания, круги обычно не соединяются. Они также вяжутся крючком меньшего размера относительно толщины пряжи, чтобы создать очень плотную ткань без каких-либо зазоров, через которые может вылезти набивочный материал. Амигуруми часто делают из частей и затем их соединяют, исключение составляют некоторые амигуруми, которые не имеют конечностей, а имеют только голову и туловище, которые составляют одно целое. Конечности иногда наполняются пластмассовыми кусочками, чтобы придать им живой вес, в то время как остальное тело наполняется волоконным наполнителем.
Распространению эстетики амигуруми способствует их миловидность («кавайность»).

Который охватывает множество техник и стилей. За всю историю существования она претерпела большое количество изменений. Добавлялись новые традиции и жанры, а также оставались исконные японские принципы. Наряду с удивительной историей Японии живопись также готова представить множество уникальных и интересных фактов.

Древняя Япония

Первые стили появляются в самый древний исторический период страны, еще до н. э. Тогда искусство было довольно-таки примитивным. Сначала, в 300 году до н. э., появились различные геометрические фигуры, которые выполнялись на гончарных изделиях при помощи палочек. К более позднему времени относится такая находка археологов, как орнамент на бронзовых колоколах.

Чуть позже, уже в 300 году н. э., появляются наскальные рисунки, которые намного разнообразнее геометрического орнамента. Это уже полноценные изображения с образами. Их находили внутри склепов, и, вероятно, люди, которые нарисованы на них, являлись захороненными в этих могильниках.

В 7-м веке н. э. Япония принимает письменность, которая приходит из Китая. Примерно в это же время оттуда поступают первые картины. Тогда появляется живопись как отдельная сфера искусства.

Эдо

Эдо - это далеко не первая и не последняя живописи, однако в культуру именно она принесла много нового. Во-первых, это яркость и красочность, которые добавлялись в привычную технику, выполняемую в черных и серых тонах. Наиболее выдающимся художником этого стиля считается Сотасу. Он создавал классические картины, но его персонажи были очень красочными. Позже он переключился на природу, и большинство пейзажей выполнялись на фоне из позолоты.

Во-вторых, в период Эдо появилась экзотика, жанр намбан. В нем использовались современные европейские и китайские техники, которые переплетались с традиционными японскими стилями.

И в-третьих, появляется школа Нанга. В ней художники сначала полностью имитируют или даже копируют произведения китайских мастеров. Затем появляется новое ответвление, которое получило название бунджинга.

Период модернизации

Период Эдо сменяет Мейджи, и теперь японская живопись вынуждена выйти на новый этап развития. В это время по всему миру становились популярными такие жанры, как вестерн и ему подобные, поэтому модернизация искусства стала обычным положением вещей. Однако в Японии, стране, где все люди почитают традиции, в данное время положение вещей значительно отличалось от того, что происходило в других странах. Здесь остро вспыхивает конкуренция между европейскими и местными техниками.

Правительство на этом этапе отдает свое предпочтение молодым художникам, которые подают большие надежды на совершенствование навыков в западных стилях. Поэтому они отправляют их в школы Европы и Америки.

Но так было только в начале периода. Дело в том, что известные критики довольно-таки сильно раскритиковали западное искусство. Чтобы избежать большого ажиотажа вокруг этого вопроса, европейские стили и техники стали запрещать на выставках, их показ прекратился, как, впрочем, и популярность.

Появление европейских стилей

Далее наступает период Тайшо. В это время молодые художники, которые уезжали учиться в зарубежных школах, приезжают обратно на родину. Естественно, с собой они привозят новые стили японской живописи, которые очень похожи на европейские. Появляется импрессионизм и постимпрессионизм.

На данном этапе образуется множество школ, в которых возрождаются древние японские стили. Но полностью избавиться от западных тенденций не удается. Поэтому приходится совмещать несколько техник, чтобы угодить как любителям классики, так и поклонникам современной европейской живописи.

Некоторые школы финансируются государством, благодаря чему удается сохранить многие из национальных традиций. Частники же вынуждены идти на поводу у потребителей, которые хотели чего-то нового, они устали от классики.

Живопись времен ВОВ

После наступления военного времени японская живопись некоторое время оставалась в стороне от событий. Она развивалась отдельно и самостоятельно. Но вечно продолжаться так не могло.

Со временем, когда политическая ситуация в стране становится все хуже, высокие и уважаемые деятели привлекают многих художников. Некоторые из них еще в начале войны начинают творить в патриотических стилях. Остальные приступают к этому процессу только по приказу властей.

Соответственно, особо развиваться японское изобразительное искусство в период ВОВ было неспособно. Поэтому для живописи его можно назвать застойным.

Вечная суйбокуга

Японская живопись суми-э, или суйбокуга, в переводе означает «рисование тушью». Это и определяет стиль и технику данного искусства. Оно пришло из Китая, но японцы решили назвать его по-своему. И изначально техника не имела какой-либо эстетической стороны. Ее использовали монахи для самосовершенствования во время изучения Дзен. Более того, сначала они рисовали картины, а впоследствии тренировали концентрацию при их просмотре. Монахи полагали, что совершенствованию помогают строгие линии, расплывчатые тона и тени - все то, что называется монохромностью.

Японская живопись тушью, несмотря на большое разнообразие картин и техник, является не настолько сложной, как может показаться на первый взгляд. В ее основу входят всего 4 сюжета:

1. Хризантема.
2. Орхидея.
3. Ветка сливы.
4. Бамбук.

Малое количество сюжетов не делает освоение техники быстрой. Некоторые мастера полагают, что учеба длится всю жизнь.

Несмотря на то что суми-э появилась давно, она востребована всегда. Более того, сегодня встретить мастеров этой школы можно не только в Японии, она распространена и далеко за ее пределами.

Современный период

По окончании ВОВ искусство в Японии процветало только в крупных городах, сельчанам и деревенским жителям хватало забот. По большей части художники старались отвернуться от потерь военных времен и изобразить на холстах современную городскую жизнь со всеми ее прикрасами и особенностями. Успешно принимались европейские и американские идеи, но такое положение вещей сохранялось недолго. Многие мастера начали постепенно отходить от них в сторону японских школ.

Оставался модным всегда. Поэтому современная японская живопись может отличаться только по технике исполнения либо материалам, которые используются в процессе. Но большинство художников плохо воспринимают различные новшества.

Нельзя не отметить модные современные субкультуры, такие как аниме и похожие стили. Многие художники стараются стереть грань между классикой и тем, что востребовано сегодня. По большей части такое положение вещей обусловлено коммерцией. Классику и традиционные жанры фактически не покупают, соответственно, невыгодно работать художником в любимом жанре, нужно подстраиваться под моду.

Заключение

Несомненно, японская живопись представляет собой целый кладезь изобразительного искусства. Пожалуй, рассматриваемая страна осталась единственной, которая не пошла на поводу у западных тенденций, не стала подстраиваться под моду. Несмотря на множество ударов во времена прихода новых техник, художники Японии все-таки смогли отстоять национальные традиции во многих жанрах. Вероятно, именно поэтому в современности на выставках очень высоко ценят картины, выполненные в классических стилях.

Тадасу Такаминэ. "Боже, храни Америку", 2002. Видео (8 мин. 18 сек.)

Двойная перспектива: Современное искусство Японии
Кураторы Елена Яичникова и Кэндзиро Хосака

Часть первая: «Реальность/Обычный мир». Московский музей современного искусства, гор. Москва, Ермолаевский пер., д. 17
Часть вторая: «Воображаемый мир/Фантазии». Московский музей современного искусства, гор. Москва, Гоголевский бульвар, д. 10

Московский музей современного искусства совместно с Японским фондом представляют выставку «Двойная перспектива: Современное искусство Японии», призванную познакомить широкую публику с современными японскими художниками.
Двойная перспектива — это два куратора из разных стран, две площадки музея и двухчастная структура проекта. Курируемая Еленой Яичниковой и Кэндзиро Хосака выставка объединяет работы более 30 художников разных направлений, работавших с 70-х годов XX века до настоящего времени. Проект состоит из двух частей — «Реальный мир/Повседневность» и «Воображаемый мир/Фантазии» — которые располагаются на площадках музея на Ермолаевском переулке, 17 и Гоголевском бульваре, 10.

Часть первая: «Реальность/Обычный мир»

В первой части выставки «Реальный мир/Повседневность» представлен взгляд японских художников на окружающий нас мир через обращение к мировой истории 20 века (Ясумаса Моримура, Ёсинори Нива и Юкэн Тэруя), размышления об устройстве современного общества (Dumb Type и Тадасу Такаминэ), взаимодействие с городским пространством (contact Gonzo и ChimPom) и поиски поэзии в повседневности (Cимабуку, Цуёси Одзава, Кохэй Кобаяси и Тэцуя Умэда). Ясумаса Моримура в серии видеоработ «Реквием» перевоплощается в различных исторических персонажей: Чаплина, писателя Юкио Мисиму и даже Ленина — и воссоздает эпизоды из их жизни. Другой участник проекта Тэцуя Умэда создает инсталляции из подручных средств, обычных вещей — таким образом, искусством становится самая банальная повседневность. На выставке будут показаны работы Йоко Оно — знаменитая «Cut Piece» в версии 1965 и 2003 годов и звуковая инсталляция «Cough Piece» (1961). Выставка представит произведения Кисио Суга — одного из центральных представителей движения Моно-Ха (Mono-Ha, в переводе «Школа вещей»), которое предложило японскую альтернативу западному модернизму. Фото-секция представит работы Тосио Сибата, Такаси Хомма и Лиэко Сига.

Яёй Кусама. "Я здесь, но нигде", 2000. Смешанная техника. Инсталляция в Maison de la culture du Japon, Париж.
Собрание автора

Произведения, составляющие вторую часть проекта, представят публике свободный, воображаемый мир в котором существуют все то, что мы не способны разглядеть в реальной жизни, все то, что находится за ее пределами. Работы художников этой части выставки отсылают к японской поп-культуре, миру фантазий, наивности, мифам и размышлениям о космогоническом устройстве мира. Каждый участник выставки вкладывает в понятие «воображение» свой собственный смысл. Так художник Таданори Ёкоо в своих отношениях с воображаемым миром делает главной темой своих работ исчезновение, а точнее «самоисчезновение». Похожий мотив прослеживается и в творчестве Яёй Кусама: проецируя свои фантазии на реальность, она создает мир, полный причудливых узоров. Гигантская скульптура «Дитя солнца» (2011) работы Кэндзи Янобэ была создана в страшное время, когда произошел взрыв на атомной электростанции «Фукусима-1». Его монументальный объект становится точкой пересечения воображений. Художник понимает, что опыт, пережитый на границе реального, станет толчком для создания нового мира. В части «Воображаемый мир/Фантазии» также представлены работы Ёситомо Нара, Такаси Мураками, Макото Айда, Хираки Сава и многих других.
Некоторые работы были созданы специально для выставки. Художник Ёсинори Нива для своего проекта «В московских квартирах разыскивается Владимир Ленин» (2012) приезжал в Москву для того, чтобы найти артефакты, связанные с личностью революционера в квартирах москвичей. Его работа — это видеодокументация его поисков и путешествий по Москве. Художник Тэцуя Умэда, чьи работы будут представлены одновременно на двух площадках, приедет в Москву для того, чтобы реализовать свои инсталляции на месте.
Эти две, на первый взгляд, несопоставимые части выставки призваны показать два полюса японского искусства, которые в действительности оказываются неотделимы друг от друга.
В рамках выставки также планируется проведение открытых мастер-классов и творческих встреч с участниками проекта. Пройдут лекции японского куратора Кэндзиро Хосака и художника Кэндзи Янобэ. Для России данная выставка впервые в подобном масштабе представляет современное японское искусство.

Ёситомо Нара. "Леденцово-синяя ночь", 2001. 1166,5 х 100 см. Холст, акрил
Фото: Ёситака Утида

Кисио Суга "Пространство разделения", 1975. Ветки и бетонные блоки. 184 x 240 x 460 см
Фото: Ёситака Утида

Кэндзи Янобэ. "Дитя Солнца", 2011. Стеклопластик, сталь, неон и др. 620 х 444 х 263 cm. Инсталляция в мемориальном парке Ezpo"70
Фото: Томас Сваб

Сегодняшний мир часто обвиняют в духовном кризисе, в разрушении связей с традициями, в глобализации, неизбежно поглощающей национальные основы. Всё персонифицируется и обезличивается одновременно. Если так называемое классическое искусство мы могли разделить на национальные школы и представить, что есть итальянское искусство, что есть немецкое искусство, а что есть французское; то можем ли мы разделить современное искусство на такие же “школы”?

В ответе на поставленный вопрос мне бы хотелось представить вашему вниманию японское современное искусство. На конференции в Художественном музее Мори на тему интернационализма в современном искусстве в прошлом году профессор Токийского университета, Мичио Хаяси, предположил, что популярное восприятие “японскости” на Западе закрепилось в 1980 году триединством “китча”, “природности” и “технологической сложности”. Сегодня популярное, и, особенно, коммерчески популярное современное искусство Японии до сих пор может быть помещено в этот треугольник. Для западного зрителя оно остается загадочным и оригинальным в силу специфических особенностей, присущих только искусству страны Восходящего солнца. В августе сразу на трёх арт-площадках встретились Запад и Восток: до 8 августа проходила выставка “Дуальность существования – Пост — Фукусима” на Манхэттене (515 W 26th Street , Chelsea , Manhattan ), экспозиция “teamLab : Ультра Субъективное пространство” продолжалась до 15 августа практически рядом (508-510 W 25th Street , Chelsea , Manhattan ); а “Цикл “Архаты”” Такаси Мураками в Палаццо Реале, в Милане, до сих пор продолжает покорять и удивлять посетителей.

Все представленные произведения были созданы после 11 марта 2011 года, когда на Японию обрушилось цунами. Ядерная катастрофа на АЭС Фукусима сплотила нацию, заставила пересмотреть приоритеты и ценности, и вновь обратиться к давно забытым традициям. Искусство не могло остаться в стороне и представило миру новый тип художника, ориентированного на потребности современного зрителя, и в то же время чтящего исторически-сложившиеся устои и ценности.

Такаси Мураками — коммерчески успешный художник, популяризовавший техно-китч и создавший новый визуальный язык superflat , базирующийся на традициях японской живописи нихонга и специфике аниме и манга. Идеология его тиражируемых скульптур и эпатажных инсталляций заключалась в демонстрации изменения Японии после войны, когда потребительство стало превалирующим. Но 11 марта 2011 года разделило жизнь Японии на “до” и “после”, подобно двум страшным августовским дням 1945 года, когда были сброшены ядерные бомбы на Хиросиму и Нагасаки. После того сильного землетрясения, повлекшего за собой ужасные последствия, Мураками встал на путь переосмысления буддизма и японской эстетики, сделал шаг в сторону возвращения к истокам и духовности. Первая работа, положившая начало циклу “Архаты”, – “500 архатов”, показанная на персональной выставке Такаси Мураками в Дохе, Катар, в 2012 году. Возвращение к буддийской тематике объясняется автором попыткой осознания, что в этом мире есть не только мы, что есть силы, от нас независящие, и что мы должны совершенствоваться каждый раз, чтобы перестать быть зависимыми от собственных желаний и аффектов. Плотная стена архатов, как будто защищающих зрителей от бушующих стихий на протяжении всех 100 метров полотна, вселяла в душу каждого умиротворение и спокойствие. Но Мураками не ограничился лишь одной работой и продолжил цикл картин, дополнив и развернув повествование, словно применяя прием манга и рассказывая историю в визуальном оформлении. Вторая часть цикла была представлена в галерее Blum & Poe (Лос- Анджелес) в 2013 году. Сегодня же в Милане архаты в третий раз странствуют по миру, распространяя идею возвращения к духовности и отказа от аффектов. Несмотря на назидательность и глубину смысла, картины легко воспринимаются из-за смелого и яркого колористического решения, самого художественного языка. Элементы манга привнесли в них ту необходимую долю популяризации, чтобы транслируемые идеи буддизма были легко прочитаны и восприняты даже непосвященной публикой.

Следующим представителем современной японской живописи можно назвать Казуки Умезава, ученика Мураками, что возвращает нас к вопросу о школе и преемственности. Он создает цифровую визуализацию аниме персонажей, рисуя их поверх наклеек, чтобы создать дополнительную глубину и зрительный хаос. Из случайных и разбросанных по всему Интернету изображений он конструирует коллажи, ломает фоны, создавая мандалы, отражающие структуру и содержание воображения отаку (фанаты аниме и манга). Обращение к буддийскому символу усиливает семантическую ценность работ молодого художника, соединяя, с одной стороны, сакральное и устоявшееся в культуре, с другой стороны, современную проблематику, но опять же с включением специфически-японского феномена – аниме.

Такаси Мураками и Казуки Умезава умело балансируют между актуальностью и традиционностью, китчем и стилем.

Удивительно, что после землетрясения 11 марта 2011 года в Японии 16-летний мальчик, который в течение девяти дней находился в ловушке под обломками своего дома и был спасен, на вопрос журналиста о мечтах на будущее ответил: “я хочу стать художником”.

С 16 ноября 2013 года в Эрмитаже открыта выставка "Моно-но аварэ. Очарование вещей. Современное искусство Японии". Экспозиция, размещенная в здании Восточного крыла Главного Штаба, подготовлена Государственным Эрмитажем при поддержке Посольства Японии в России, представляет инсталляции, скульптуру, видео-арт, фотографии, созданные за последние несколько лет японскими художниками и призванные заполнить новую страницу в многовековой истории искусства Страны восходящего солнца. Их имена, известные на родине, пока практически не знакомы российской и европейской публике: Канэудзи Тэппэй, Кэнго Кито, Кувакубо Рёта, Масая Тиба, Мотои Ямамото, Ониси Ясуаки, Риэко Сига, Суда Ёсихиро, Синисиро Кано, Хироаки Морита, Хираки Сава и другие.

Существующий с Х века термин "моно-но аварэ" может быть переведен как "очарование вещи" или "восторг от вещи", и связан с буддийским представлением об эфемерности и тщетности бытия. Окружающие человека материальные и духовные предметы таят в себе неповторимое, только одному ему свойственное мимолетное очарование (аварэ). Человек же - и прежде всего художник - должен обладать отзывчивым сердцем, чтобы найти и ощутить это очарование, внутренне откликнуться на него. Современные художники тонко чувствуют материалы, в которых светится внутренняя простота смыслов. Намеренно ограничивая себя определенными темами и мотивами, они на новом витке используют древние японские художественные приемы.

В Японии, как и в России, современное искусство - явление, привнесенное извне, с Запада, не всегда понятное и вызывающее отторжение. Обе культуры восприняли англо-американский термин contemporary art как символ новомодных культурных заимствований. В Японии 1970-х, как и в России 1990-х, художники чувствовали себя аутсайдерами. Они уезжали работать на Запад, но все же в Японии 1970-х слова "contemporary art" звучали позитивно, позволяя молодому поколению забыть определение "послевоенное искусство", связанное с трагедией и упадком.

Подлинный расцвет современного искусства в западном понимании наступил лишь к концу 1980-х годов, когда не только в Гиндзе, но и в других районах Токио открылись галереи. В 1989 году в Хиросиме был создан первый музей современного искусства, и вскоре, в 1990-х годах, последовали открытия токийских музеев. С этого времени началось постепенное признание феномена современного искусства на национальном уровне и его вхождение в культурную повседневность. Следующим шагом стало проведение национальных биеннале и триеннале.

В эпоху тотального господства медиатехнологий японские художники концентрируют свое внимание на родных материалах, на их осязании, на вслушивании в них. Большой интерес на выставке вызывают инсталляции, среди которых работа Рёты Кувакубо (р. 1971), простая в устройстве, но сложная в действии, где главную роль играет тень. Художник обрисовывает предметы и создает удивительный подвижный калейдоскоп. Канэудзи Тэппэй (р. 1978) представляет неожиданные конструкции из повседневных бытовых материалов. Собранные им предметы, имеющие разные цвет и предназначение, складываются в причудливые формы, которые оборачиваются то модернистскими скульптурами, то заснеженными пейзажами с японских картин на шелке.

"Материальные подборы" в видеоработах и в жанре "найденный предмет" делает Хироаки Морита (р. 1973), а в живописи - Синисиро Кано (р. 1982) и Масая Тиба (р. 1980). Потенциал составленных художниками весьма прозаических "материальных подборов" восходит к одухотворению всего и вся, традиционному для буддизма с его идеей о том, что в каждом существе и в каждом предмете- от человека и до крошечной былинки - заложена природа Будды. Есть в них и внимание к внутренней сути вещей, воспринимаемых как красота и очарование.

Инсталляция Кэнго Кито (р. 1977), составленная из обручей, одновременно похожа и на скульптуру, и на большую картину с разъединенными плоскостями, элементарными цветами и перспективой. Пространство в ней на глазах превращается в плоскости, что делает возможным бесконечное копирование всех этих знаков и символов искусства, утративших привязку к реальности.

Несколько иначе работают с пространством Ясуаки Ониси (р. 1979) и Мотои Ямамото (р. 1966) в своих инсталляциях. Словно объединяя все эти различные подходы с подкупающей простотой, Ёсихиро Суда (р. 1969) инициирует минимальное вторжение в экспозиционное пространство, незаметного размещая в нем деревянные растения, похожие на настоящие.

Выставка "Моно-но аварэ. Очарование вещей. Современное искусство Японии" подготовлена Отделом современного искусства в рамках проекта "Эрмитаж 20/21". По словам М. Б. Пиотровского, генерального директора Государственного Эрмитажа: "Задачи проекта состоят в том, чтобы собирать, выставлять, изучать искусство XX-XXI веков. "Эрмитаж 20/21" адресован тем, кто хочет идти в ногу со временем - любителям и профессионалам, искушенным знатокам и самым юным зрителям".

Кураторы выставки - Дмитрий Юрьевич Озерков, заведующий Отделом современного искусства Государственного Эрмитажа, кандидат философских наук и Екатерина Владимировна Лопаткина, заместитель заведующего Отделом современного искусства. Научный консультант выставки - Анна Васильевна Савельева, научный сотрудник Отдела Востока Государственного Эрмитажа. К выставке подготовлена иллюстрированная брошюра, автор текста - Д.Ю. Озерков.

Японское искусство занимает важное место в коллекции Государственного Эрмитажа и насчитывает около 10000 произведений: в музее хранится 1500 листов цветной ксилографии, среди которых работы знаменитых мастеров японской гравюры середины XVIII-XX века; собрание фарфора и керамики (более 2000 экспонатов); лаки XVI-XX веков; образцы тканей и костюма. Наиболее ценной частью собрания японского искусства Эрмитажа является коллекция нэцкэ - миниатюрной скульптуры XVII-XIX веков, насчитывающая более 1000 работ.