Слово «анализ» в перевод с греческого означает «разложение», «расчленение». Музыкально — теоретический анализ произведения – это научное изучение музыки, которое включает в себя:

1. Исследование стиля и формы.
2. Определение музыкального языка.
3. Изучение того, насколько важны эти элементы для выражения смыслового содержания произведения и их взаимодействие друг с другом.

Примером анализа музыкального произведения является метод, который основан на расчленении единого целого на мелкие части. В контрасте с анализом идет синтез – прием, который подразумевает соединение отдельных элементов в общее. Два эти понятия тесно связаны друг с другом, так как только их сочетание ведет к глубокому пониманию какого-либо явления.

Это также относится и к анализу музыкального произведения, который в конечном счете должен приводить к обобщению и более ясному понимаю объекта.

Значение термина

Существует широкое и узкое употребление данного термина.

1. Аналитическое исследование любого музыкального явления, закономерности:

• структура мажора или минора;
• принцип действия гармонической функции;
• нормы метроритмической основы для конкретного стиля;
• законы композиции музыкального произведения в целом.

В таком значении музыкальный анализ соединяется с понятием «теоретическое музыкознание».

2. Изучение любой музыкальной единицы в рамках одного конкретного произведения. Это узкое, но более распространенное определение.

Теоретические основы

В XIX веке шло активное становление этого музыкального раздела. Многие музыковеды своими литературными произведениями спровоцировали активное развитие анализа музыкальных произведений:

1. А. Б. Маркс «Людвиг Бетховен. Жизнь и творчество». Данное творение, написанное в первой половине 19 века, стало одним из первых образцов монографии, которая включила в себя анализ музыкальных произведений.

2. Х. Риман «Руководство композиции фуги», «Смычковые квартеты Бетховена». Данный немецкий музыковед создал учение о гармонии, форме и метре. Основываясь на нем, углубил теоретические методы анализа музыкальных произведений. Его аналитические труды имели большое значение для прогресса в этом музыкальном направлении.

3. Работа Г. Кречмара «Путеводитель по концертам» помогла развить теоретико-эстетические методы анализа в западноевропейском музыковедении.

4. А. Швейцер в своем литературном творении «И. С. Бах» рассматривал музыкальные произведения композиторов в трех единых аспектах анализа:

• теоретическом;
• исполнительском;
• эстетическом.

5. В своей трехтомной монографии «Бетховен» П. Беккер разбирает сонаты и симфонии величайшего композитора с помощью их поэтической идеи.

6. Х. Лейхтентритт, «Учение о музыкальной форме», «Анализ фортепианных произведений Шопена». В трудах авторах проводит грамотное сочетание высокого научно – теоретического уровня анализа и образных характеристик с эстетическими оценками.

7. А. Лоренц «Тайны формы у Вагнера». В данном литературном произведении писатель проводит исследование на основе подробного анализа опер немецкого композитора Р. Вагнера. Устанавливает новые виды и разделы анализа форм музыкального произведения: синтезирующая сценическая и музыкальная закономерности.

8. Важнейшим примером развития анализа в музыкальном произведении являются труды французского музыковеда и общественного деятеля Р. Роллана. К ним относится работа «Бетховен. Великие творческие эпохи». Роллан проводит анализ музыки различных жанров в творчестве композитора: симфоний, сонат и оперы. Создает собственный уникальный аналитический метод, который основан на поэтических, литературных метафорах и ассоциациях. Такой метод выходит за строгие границы музыкальной теории в пользу свободного понимания смыслового содержания предмета искусства.

Такой прием впоследствии окажет большое влияние на развитие анализа музыкальных произведений в СССР и на Западе.

Русское музыковедение

В XIX веке наряду с передовыми тенденциями общественной мысли произошло интенсивное развитие в целом в области музыковедения и в музыкальном анализе в частности.

Русские музыковеды и критики направили свои усилия на то, чтоб утвердить тезис: в каждом музыкальном произведении выражается определенная идея, передаются какие-то мысли и чувства. Ради этого и создаются все произведения искусства.

А. Д. Улыбышев

Одним из первых проявил себя первый русский музыкальный писатель и деятель А. Д. Улыбышев. Благодаря своим трудам «Бетховен, его критики и толкователи», «Новая биография Моцарта», он оставил заметный след в истории критической мысли.

Оба этих литературных творения включают в себя анализ с критическими и эстетическими оценками множества музыкальных произведений.

В. Ф. Одоевский

Не будучи теоретиком, русский писатель обратился к отечественному музыкальному искусству. Его критико-публицистические работы наполнены эстетическим разбором множества произведений — в основном опер, написанных М. И. Глинкой.

А. Н. Серов

Композитор и критик дал начало методу тематического анализа в русской теории музыки. Его очерк «Роль одного мотива в целой опере «Жизнь за царя»» содержит примеры нотного текста, с помощью которых А. Н. Серов изучил становление финального хора, его темы. В основе его формирования, по мнению автора, лежит созревание основной патриотической идеи оперы.

Статья «Тематизм увертюры «Леонора»» содержит изучение связи тематики увертюры и оперы Л. Бетховена.

Также известны и другие русские прогрессивные музыковеды и критики. Например, Б. Л. Яворский, который создал теорию ладового ритма и внес множество новых идей в комплексный анализ.

Виды анализа

Самое важное в анализе – установить закономерности развития произведения. Ведь музыка – это временное явление, отражающее события, которые происходят в ходе его развития.

Виды анализа музыкального произведения:

1. Тематический.

Музыкальная тема — это одна из главнейших форм воплощения художественного образа. Данный вид анализа – это сравнение, изучение тем и всего тематического развития.

Кроме того, он помогает определить жанровые истоки каждой темы, поскольку каждый отдельный жанр предполагает индивидуальный круг выразительных средств. Определив, какой жанр лежит в основе, можно более точно понять смысловое содержание произведения.

2. Анализ отдельных элементов, которые используются в данном произведении:

• метр;
• ритм;
• тембр;
• динамика;

3. Гармонический анализ музыкального произведения (примеры и более подробное описание будут приведены ниже).

4. Полифонический.

Этот вид подразумевает:

• рассмотрение музыкальной фактуры как определенного способа изложения;
• анализ мелодии – самой простой единой категории, которая заключает в себе первейшее единство художественных средств выразительности.

5. Исполнительский.

6. Анализ композиционной формы. Заключается в поиске типа и формы, а также в исследовании сопоставлений тем и развития.

7. Комплексный. Также этот пример анализа музыкального произведения называется целостным. Он производится на основе разбора формы композиции, при этом сочетается с анализом всех компонентов, их взаимодействия и развития в целом. Высшая цель такого вида анализа — изучение произведения как общественно-идеологического явления вкупе со всеми историческими связями. Он находится на грани теории и истории музыковедения.

Вне зависимости от того, какой именно вид анализа производится, необходимо выяснить историко-стилистические и жанровые предпосылки.

Все виды анализа включают в себя временное, искусственное абстрагирование, отделение конкретного элемента от других. Это необходимо сделать, чтобы провести объективное исследование.

Зачем нужен музыкальный анализ?

Он может служить разным целям. Например:

1. Изучение отдельные элементы произведения, музыкального языка используется в учебных пособиях и теоретических работах. В научных исследованиях такие компоненты музыки и закономерности композиционной формы подвергаются всестороннему анализу.
2. Отрывки из примеров анализа музыкальных произведений могут служить доказательством чего-либо при изложении общих теоретических проблем (дедуктивный метод) или подведении зрителей к обобщающим выводам (индуктивный метод).
3. Как часть монографического исследования, которое посвящено конкретному композитору. Это касается сжатой формы целостного анализа музыкального произведения по плану с примерами, который является неотъемлемой частью историко-стилистических исследований.

План

1. Предварительный общий осмотр. В него входят:

а) наблюдение за типом формы (трехчастная, сонатная и т. п.) ;

б) составление цифровой схемы формы в общих чертах, без подробностей, но с названием главных тем или частей и их местом расположения;

в) анализ музыкального произведения по плану с примерами всех основных частей;

г) определение функций каждой части в форме (середины, периода и т. д.) ;

д) изучение того, развитию каких элементов уделено особе внимание, каким способом они развиваются (повторяются, сопоставляются, варьируются и т. п.) ;

е) поиск ответов на вопросы, где находится кульминация (если она есть), какими способами она достигается;

ж) определение тематического состава, его однородности или контрастности; каков его характер, какими средствами он достигается;

з) исследование тонального строения и каденций с их соотношением, замкнутостью или разомкнутостью;

и) определение типа изложения;

к) составление подробной цифровой схемы с характеристикой структуры, важнейшими моментами суммирования и дробления, длина дыхания (длинное или короткие), свойства пропорций.

2. Сопоставление главных частей конкретно в:

• темповой однородности или контрастности;
• высотном профиле в общих чертах, соотношении кульминаций с динамической схемой;
• характеристике общих пропорций;
• тематическом соподчинении, однородности и контрастности;
• тональных соподчинениях;
• характеристике целого, степени типичности формы, в основах ее строения.

Гармонический анализ музыкального произведения

Как говорилось выше, этот вид анализа — один из наиболее важных.

Чтобы понять, как сделать анализ музыкального произведения (на примере), необходимо иметь определенные навыки и умения. А именно:

• понимание и умение гармонически обобщить конкретный отрывок по логике функционального движения и ладотональности;
• способность связать свойства гармонического склада с характером музыки и индивидуальными особенностями данного произведения или композитора;
• правильное объяснение всех гармонических фактов: аккорда, каденций, голосоведения.

Исполнительный анализ

К данному виду анализа относится:

1. Поиск сведений об авторе и самом музыкальном произведении.
2. Стилевые представления.
3. Определение художественного содержания и характера, образов и ассоциаций.

Штрихи, приемы игры и средства артикуляции также являются важной составляющей частью приведенного примера исполнительского анализа музыкального произведения.

Вокальная музыка

Музыкальные произведения в вокальном жанре нуждаются в особом методе анализа, который отличается от инструментальных форм. Чем отличается музыкально-теоретический анализ хорового произведения? Пример плана приведен ниже. Вокальные музыкальные формы требуют своего собственного метода анализа, отличного от подхода к формам инструментальным.

Необходимо:

1. Определить жанр литературного источника и самого музыкального произведения.
2. Исследовать выразительные и изобразительные детали партии хора и инструментального аккомпанемента и литературного текста.
3. Изучить отличия оригинальных слов в строфах и строках с измененной структурой в музыке.
4. Определить музыкальный метр и ритм, соблюдая правила альтернанса (чередование рифм) и квадратности (неквадратности).
5. Сделать выводы.

Некоторые вопросы гармонического анализа

1. Значение гармонического анализа.

Гармонический анализ облегчает установление и сохранение непосредственной связи с живым музыкальным творчеством; помогает осознать, что рекомендуемые в гармонии приемы и нормы голосоведения имеют значение не только учебно-тренировочное, но и художественно-эстетическое; дает вполне конкретный и разнообразный материал для демонстрации основных приемов голосоведения и важнейших законов гармонического развития; помогает узнать основные особенности гармонического языка и отдельных выдающихся композиторов и целых школ (направлений); убедительно показывает историческую эволюцию в приемах и нормах применения данных аккордов, оборотов, каденций, модуляций и пр.; приближает к тому, чтобы ориентироваться в стилевых нормах гармонического языка; подводит, в конечном итоге, к пониманию общего характера музыки, приближает к содержанию (в тех пределах, которые доступны гармонии).

2. Виды гармонического анализа.

а)умение правильно и точно объяснить данный гармонический факт (аккорд, голосоведение, каденция);

б)умение понять и гармонически обобщить данный отрывок (логика функционального движения, взаимосвязь каденций, определение ладотональности, взаимообусловленность мелодии и гармонии и тому подобное;

в)умение все существенные черты гармонического склада связать с характером музыки, с развитием формы и с индивидуальными особенностями гармонического языка данного произведения, композитора или целого направления (школы).

3. Основные приемы гармонического анализа.

1. Определение главной тональности данного музыкального произведения (или его отрывка); выяснить все другие тональности, появляющиеся в процессе развития данного произведения (иногда эта задача несколько отдаляется) .

Определение главной тональности не всегда оказывается достаточно элементарной задачей, как можно предполагать с первого взгляда. Далеко не все музыкальные произведения начинаются с тоники; иногда с D, S, DD, "неаполитанской гармонии", с органного пункта на D и пр., или целой группы созвучий нетонической функции (см. Р. Шуман, op.23 №4; Шопен, прелюдия №2 и т.д.). В более редких случаях произведение начинается даже сразу с отклонения (Л. Бетховен, «Лунная соната», ч.II ; 1-я симфония, ч.I; Ф. Шопен, Мазурка ми минор, op . 41 №2, и т.д.). В некоторых произведениях тональность показывается достаточно сложно (Л. Бетховен, соната До мажор, op . 53, ч.II ) или появление тоники очень надолго задерживается (Ф. Шопен, прелюдия Ля-бемоль мажор, op . 17; А. Скрябин, прелюдия ля минор, op . 11и Ми мажор, op . 11; С. Танеев, кантата «По прочтении псалма» - начало; фортепианный квартет, op . 30 – вступление и т.п.). В особых случаях в гармонии дается ясное, отчетливое тяготение к тонике данной тональности, но показываются в сущности все функции, кроме тоники (например, Р. Вагнер, вступление к опере «Тристан и Изольда» и смерть Изольды; Н. Римский-Корсаков, начало увертюры к «Майской ночи»; П. Чайковский, «Благославляю вас, леса», начало; А. Лядов «Скорбная песнь»; С. Рахманинов, 3-й концерт для ф-п., ч.II ; С. Ляпунов, романсы op . 51; А. Скрябин, прелюдия op . 11 №2). Наконец, во многих классических обработках русских песен иногда ключевое обозначение тональности выходит выходит из традиционных норм и следует за спецификой лада, почему, например, например, дорийский соль минор может иметь в обозначении один бемоль, фригийский фа-диез минор – два диеза, миксолидийский Соль мажор пишется без всяких знаков и т.д.

Примечание. Эти особенности ключевого обозначения встречаются и у других композиторов, апеллирующих к материалам народного творчества (Э. Григ, Б. Барток и др.).

Выяснив главную тональность и затем другие тональности, появляющиеся в данном произведении, определяют общий тональный план и его функциональные черты. Определение тонального плана создает предпосылку для осознания логики в последовании тональностей, что особенно существенно в произведениях крупной формы.

Определение основной тональности, разумеется, сочетается и с одновременной характеристикой лада, общей ладовой структуры, так как эти явления органически взаимосвязаны. Особые трудности, однако, возникают при анализе образцов со сложной, синтетического типа, ладовой основой (например, Р Вагнер, вступление ко II действию "Парсифаля", "Грезы", Р Шуман, "Grillen", Н Римский-Корсаков, "Садко", 2-я картина, отрывки из "Кащея"; С Прокофьев, "Сарказмы" и пр), или при изменении лада или тональности в конце произведения (например, М Балакирев, "Шепот, робкое дыханье"; Ф Лист, "Испанская рапсодия"; Ф Шопен, баллада №2, Г Вольф, "Луна сегодня очень мрачной встала"; Ф Шопен, мазурки Ре-бемоль мажор, си минор, op.30; И Брамс, рапсодия Ми-бемоль мажор; С Танеев, "Менуэт" и т.д.) Такие изменения или лада, или тональности нужно посильно объяснить, понять их закономерность или логику в связи с общим или развитием данного произведения или же в связи с содержанием текста.

2. Следующим моментом в анализе являются кадансы: изучаются и определяются виды каденций, устанавливается их взаимосвязь в изложении и развитии произведения. Целесообразнее всего начинать такое изучение с начального, экспозиционного построения (обычно - период); но ограничиваться этим не следует.

Когда анализируемое произведение выходит за пределы периода (тема вариаций, главная партия рондо, самостоятельные двух- или трехчастные формы и пр.) надлежит не только определить каденции в репризном построении, но и гармонически сравнить их с экспозиционной частью. Это поможет осознать, как могут вообще дифференцироваться кадансы для акцентировки устойчивости или неустойчивости, полной или частичной завершенности, связи или отграниченности построений, а также для обогащения гармонии, измененияхарактера музыки и пр.

Если в произведении имеется ясная середина (связка), то обязательно устанавливается, какими гармоническими средствами поддерживается характерная для середин неустойчивость (как-то: упор на половинные кадансы, остановка на D, органный пункт на D или тонально неустойчивые секвенции, прерванные каденции и т.п.).

Таким образом, то или иное самостоятельное изучение каденций обязательно должно сочетаться и с рассмотрением их роли в гармоническом развитии (динамике) и формообразовании. Для выводов существенно обратить внимание и на индивидуальные гармонические особенности самой темы (или тем) и на специфику ее ладо- фунуциональной структуры (например, необходимо конкретно учесть особенности мажора, минора, переменного лада, мажоро-минора и пр.), поскольку все эти гармонические моменты тесно увязаны и взаимообусловлены. Такое увязывание наибольшую важность приобретает в анализе произведений крупной формы, с контрастным соотношением его частей и тем и их гармонического изложения.

3. Затем желательно сосредоточить в анализе внимание на простейших моментах координации (соподчинения) мелодического и гармонического развития.

Для этого основная мелодия-тема (первоначально в рамках периода) анализируется в структурном плане самостоятельно, одноголосно - определяется ее характер, расчлененность, завершенность, функциональный рисунок и т.п. Затем выявляется, как эти структурные и экспрессивные качества мелодии подкрепляются гармонией. Особое внимание следует обратить на кульминацию в развитии темы и ее гармоническое оформление. Напомним, что, например, у венских классиков кульминвция обычно приходится на второе предложение периода и связывается с первым появлением аккордоа субдоминанты (это усиливает яркость кульминации) (см. Л Бетховен, Largo appassionato из сонаты op. 2 №2, II часть из сонаты op.22, тему финала "Патетической сонаты", op.13 и т. д.).

В других, более сложных случаях, когда субдоминанта так или иначе показывается еще в первом предложении, кульминация, ради усиления общей напряженности, гармонизуется иначе (например, DD, S и DVII7 с ярким задержанием, неаполитанский аккорд, III низкая и пр.). Сошлемся для образца на знаменитое Largo e mesto из сонаты Бетховена Ре мажор, ор. 10, № 3, в котором кульминация темы (в периоде) дается на ярком созвучии DD. Без пояснений понятно, что подобное оформление кульминации, сохраняется и в произведениях или разделах более крупной формы (см. Л. Бетховен, указанное Largo appassionato из сонаты ор. 2 № 2 - двухчастное построение главной темы, или глубочайшее Adagio - II часть из сонаты Л. Бетховена ре минор, ор. 31 № 2)
Закономерно, что такая яркая, гармонически выпуклая трактовка кульминаций (и главной и местной) по преемственности перешла и в творческие традиции последующих мастеров (Р. Шуман, Ф. Шопен, П. Чайковский, С. Танеев, С. Рахманинов) и обеспечила многие великолепные образцы (см. изумительный апофеоз любви в заключении 2-й картины «Евгения Онегина» П. Чайковского, побочную тему из финала 6-й симфонии П. Чай ковского, конец I действия «Царской невесты» Н. Р и м с ко г о-К о р с а ко в а ипр.).
4. При детальном гармоническом анализе данного аккордового последования (хотя бы в рамках простого периода) необходимо полностью уяснить, какие здесь даются аккорды, в каких обращениях, в каком чередовании, удвоении, при каких обогащениях неаккордовыми диссонансами и пр. Вместе с тем желательно и обобщить, как рано и часто показывается тоника, как широко представлены неустойчивые функции, с какой постепенностью и планомерностью происходит сама смена аккордов (функций), что акцентируется в показе различных ладов и тональностей.
Разумеется, здесь же важно рассмотреть и голосоведение, то есть проверить и осознать мелодическую осмысленность и выразительность в движении отдельных голосов; понять- для примера - особенности расположения и удвоения созвучий (см. романс Н. Метнера, «Шепот, робкое дыханье» - середину); объяснить, почему полные, многозвучные аккорды вдруг сменяются унисоном (Л. Бетховен, соната ор. 26, «Похоронный марш»); почему трехголосие систематически чередуется с четырехголосием (Л. Бетховен, «Лунная соната», ор. 27 № 2, II ч.); в чем причина регистровой переброски темы (Л. Бетховен, соната Фа мажор, ор. 54, ч, I, и т. д.).
Углубленное внимание к голосоведению поможет учащимся почувствовать и понять красоту и естественность любого сочетания аккордов в произведениях классиков и воспитать в себе взыскательный вкус к голосоведению, ибо вне голосоведения музыка - в сущности - не создается. При таком внимании к голосоведению полезно проследить и за движением баса: он может двигаться или скачками по основным звукам аккордов («фундаментальные басы»), или более плавно, мелодично, как диатонически, так и хроматизированно; бас может интонировать и более существенные в тематическом отношении обороты (общие, дополняющие и контрастные). Все это для гармонического изложения очень важно.
5. При гармоническом анализе отмечаются также регистровые особенности, то есть выбор того или иного регистра, связанный с общим характером данного произведения. Хотя регистр - понятие не чисто гармоническое, однако на общие гармонические нормы или приемы изложения регистр оказывает свое серьезное воздействие. Известно, что иначе располагаются и удваиваются аккорды в высоком и нижнем регистрах, что выдержанные звуки в средних голосах применяются более ограниченно, чем в басу, что регистровые «разрывы» в изложении аккордов маложелательны («некрасивы») вообще, что приемы разрешения диссонансов несколько меняются при регистровых сменах. Понятно, что выбор и преимущественное использование определенного регистра связано прежде всего с характером музыкального произведения, его жанром, темпом, намеченной фактурой. Поэтому в произведениях небольших и подвижных, типа скерцо, юморески, сказки, каприса, можно видеть преобладание среднего и высокого регистра и вообще наблюдать более свободное и разнообразное использование различных регистров, иногда с яркими перебросками (см. Л. Бетховен, скерцо из сонаты ор. 2 № 2 - основную тему). В произведениях же типа элегии, романса, песни, ноктюрна, похоронного марша, серенады и т. д. регистровые краски обычно более ограничены и опираются чаще на средний, наиболее певучий и выразительный регистр (Л. Бетховен, II часть «Патетической сонаты»; Р. Шуман, средняя часть в «Интермеццо» фортепианного концерта; Р. Глиэ р, Концерт для голоса с оркестром, I часть; П. Чайковский, Andantecantabile.op.il).
Для всех очевидна невозможность переноса в низкий регистр музыки типа «Музыкальной табакерки» А. Лядова или, наоборот, в верхний регистр музыки типа «Похоронного марша» Л. Бетховена из сонаты ор. 26 - без резких и нелепых искажений образов и характера музыки. Это положение должно определять реальную важность и действенность учета регистровых особенностей при гармоническом анализе (назовем еще ряд полезных примеров- Л. Бетховен, соната «Appassionata», ч. II; Ф. Шопен, скерцо из сонаты си-бемоль минор; Э. Григ, скерцо ми минор, ор. 54; А. Бородин, «У монастыря»; Ф. Лист, «Похоронное шествие») . Иногда для повторения данной темы или ее отрывка вводятся смелые регистровые скачки («переброска») в те разделы формы, где раньше было только плавное движение. Обычно такое регистрово-варьированное изложение приобретает характер шутки, скерцозности или задорности, что, например, можно видеть в последних пяти тактах Andante из сонаты соль мажор (№ 10) Л. Бетховена.
6. В анализе нельзя пройти и мимо вопроса о частоте смен гармоний (иначе говоря, о гармонической пульсации). Гармоническая пульсация во многом определяет общеритмическую последовательность гармоний или свойственный данному произведению тип гармонического движения. В первую очередь гармоническая пульсация обусловливается характером, темпом и жанром анализируемого музыкального произведения.
Обычно при медленном темпе гармонии меняются на любых (даже самых слабых) долях такта, менее четко опираются на метроритм и дают больший простор мелодии, кантилене. В отдельных же случаях при редких сменах гармонии в пьесах того же медленного движения мелодия приобретает особую узорчатость, свободу изложения, даже речитативность (см. Ф. Шопен, ноктюрны Си-бемоль минор, Фа-диез мажор).
Пьесы быстрого темпа обыкновенно дают смены гармоний на сильных долях такта, в отдельных же образцах танцевальной музыки гармонии меняются лишь в каждом такте, а иногда и через два такта и более (вальсы, мазурки). Если же очень быстрая мелодия сопровождается сменой гармоний почти на каждом звуке, то здесь только некоторые гармонии приобретают самостоятельное значение, другие же нужно рассматривать скорее как проходящие или вспомогательные созвучия (Л. Бетховен, trio из скерцо Ля мажор в сонате ор 2 № 2, Р. Шуман, «Симфонические этюды», вариация-этюд № 9).
Изучение гармонической пульсации приближает нас к пониманию главнейших особенностей акцентировки живой музыкальной речи и живого исполнения. Помимо этого, различные изменения в гармонической пульсации (ее замедление, ускорение) легко связать с вопросами форморазвития, гармонического варьирования или общей динамизации гармонического изложения.
7. Следующий момент анализа- неаккордовые звуки и в мелодии и в сопровождающих голосах. Определяются виды неаккордовых звуков, их взаимосвязь, приемы голосоведения, черты мелодической и ритмической контрастности, диалогические (дуэтные) формы в гармоническом изложении, обогащение гармоний и т. п.
Специального рассмотрения заслуживают динамические и выразительные качества, привносимые неаккордовыми диссонансами в гармоническое изложение.
Поскольку наиболее экспрессивными из неаккордовых звуков оказываются задержания, постольку преобладающее внимание уделяется именно им.
При анализе разнохарактерных образцов задержаний необходимо тщательно определить их метроритмические условия, интервальное окружение, яркость функционального конфликта, регистр, местоположение их в отношении мелодического движения (кульминации) и экспрессивные свойства (см., например, П. Чайковский, ариозо Ленского «Как счастлив» и начало второй картины оперы «Евгений Онегин», финал 6-й симфонии - ре-мажорную тему).

При анализе гармонических последований с проходящими и вспомогательными звуками учащиеся обращают внимание на их мелодическую роль, необходимость разрешения образующихся здесь «попутных» диссонансов, возможность обогащения гармонии «случайными» (и альтерированными) сочетаниями на слабых долях такта, конфликты с задержаниями и пр. (см. Р. Вагнер, вступление к «Тристану»; П. Чайковский, куплеты Трике из оперы «Евгений Онегин»; дуэт Оксаны и Солохи из «Черевичек»; тема любви из «Пиковой дамы»; С. Танеев, симфония до минор, II часть).
Выразительные качества, привносимые в гармонию неаккордовыми звуками, приобретают особую естественность и живость при так называемых «дуэтных» формах изложения. Сошлемся на несколько образцов: Л. Бетховен, Largo appassionato из сонаты ор. 2 № 2, Andante из сонаты № 10, II ч. (а в ней вторая вариация); П. Чайковский, ноктюрн до-диез минор (реприза); Э. Григ, «Танец Анитры» (реприза) и т. д.
При рассмотрении образцов применения неаккордовых звуков всех категорий в одновременном звучании, подчеркивается их важная роль в гармоническом варьировании, в усилении кантиленности и выразительности общего голосоведения и в сохранении тематической содержательности и цельности в линии каждого из голосов (см. арию Оксаны ля минор из IV действия оперы Н. Римского-Корсакова «Ночь перед рождеством»}.
8. Сложным в гармоническом анализе представляется вопрос о смене тональностей (модулировании). Анализироваться здесь может и логика общего процесса модуляции, иначе - логика в функциональном последований сменяющихся тональностей, и общий тональный план, и его ладоконструктивные свойства (вспомним концепцию С. И. Танеева о тональной основе) .
Кроме того, желательно на конкретных образцах разобраться в различии модуляции от отклонения и от сопоставления тональностей (иначе - тонального скачка). Здесь же полезно уяснить специфику «сопоставления с результатом», применяя термин Б. Л. Яворского (укажем образцы: многие связующие партии в сонатных экспозициях В. Моцарта и раннего Л. Бетховена; скерцо Ф. Шопена си-бемоль минор, исключительно убедительная подготовка Ми мажор в заключении второй картины «Пиковой дамы» П. Чайковского).
Анализ должен затем по-настоящему обосновать характерный тип отклонений, свойственный различным разделам музыкального произведения. Изучение же собственно модуляций должно показать типовые особенности экспозиционных построений, характерные черты модуляции в серединах и разработках (обычно наиболее далекие и свободные) и в репризах (здесь они иногда и бывают далекими, но в рамках широко трактуемой субдоминантовой функции).

Очень интересно и полезно в анализе разобраться в общей динамике модуляционного процесса, когда он довольно выпукло очерчен. Обычно весь процесс модуляции можно разделить на две части, различные по протяженности и напряжению, - уход от данной тональности и возвращение к ней (иногда же и к основной тональности произведения).
Если первая половина модуляции более протяженна по масштабу, то она одновременно и более проста по средствам гармонии (см. модуляцию из ля-бемоль в Ре в «Похоронном марше» из сонаты ор. 26 Л. Бетховена или же модуляцию из Ля в соль-диез, из скерцо Л. Бетховена в сонате ор. 2 № 2). Закономерно, что вторая половина в таких случаях делается очень лаконичной, но более сложной в гармоническом отношении (см. дальнейшие разделы в названных примерах - возвращение из Ре в ля-бемоль и из соль-диез в Ля, а также и вторую часть «Патетической сонаты» Л. Бетховена- переход в Ми и возвращение в Ля-бемоль).
В принципе подобный вид модуляционного процесса - от более простого к сложному, но концентрированному - наиболее естественный и цельный и интересен для восприятия. Однако изредка встречаются и противоположные случаи - от краткого, но сложного (в первой половине модуляции) к простому, но более развернутому (вторая половина). См. соответствующий образец - разработку в сонате Л. Бетховена ре минор, ор. 31 (I часть).
В этом подходе к модуляции как к особому цельному процессу существенно отметить место и роль энгармонических модуляций: они, как правило, появляются чаще именно во второй, результативной части модуляционного процесса. Свойственная энгармонической модуляции краткость при некоторой гармонической сложности здесь особенно уместна и эффективна (см. указанные выше образцы).
Вообще же при анализе энгармонической модуляции полезно уяснить себе и следующую ее роль в каждом конкретном случае: упрощает ли она функциональную связь далеких тональностей (норма для классиков) или же усложняет связь близких тональностей (Ф. Шопен, трио из экспромта Ля-бемоль мажор; Ф. Лист, «Капелла Вильгельма Телля») и однотонального целого (см. Р. Шуман, «Бабочки», ор. 2 № 1; Ф. Шопен, мазурка фа минор, ор. 68 и др.).
При рассмотрении модуляций необходимо коснуться и вопроса о том, чем гармонически может разниться показ отдельных тональностей в данном произведении, если они более или менее протяженны во времени и, следовательно, самостоятельны по значению.

Для композитора и произведения важен не только тематический, тональный, темповый и фактурный контраст в смежных построениях, но и индивидуализация гармонических средств и приемов при показе той или другой тональности. Например, в первой тональности даются аккорды терцового, мягкого по тяготению соотношения, во второй - более сложные и функционально-напряженные последования; или в первой - яркая диатоника, во второй - сложно-хроматическая мажоро-минорная основа и т. п. Понятно, что все это усиливает и контрастность образов, и выпуклость разделов, и динамичность общего музыкального и гармонического развития. См. некоторые образцы: Л. Бетховен. «Лунная соната», финал, гармонический склад главной и побочной партии; соната «Аврора», ор. 53, экспозиция I части; Ф. Лист, песня «Горы все объемлет покой», «Ми мажор; П. Чайковский -6-я симфония, финал; Ф. Шопен, соната си-бемоль минор.
Случаи же, когда в различных тональностях повторяются почти те же гармонические последования, более редки и всегда индивидуальны (см., например, мазурку Ф. Шопена Ре мажор, ор. 33 № 2, в которой - ради сохранения живого народно-танцевального колорита - показ гармоний и в Ре мажоре и в Ля мажоре выдержан в идентичных формах).
При анализе образцов на различные случаи сопоставления тональностей целесообразно подчеркнуть два момента: 1) отграничивающее значение этого приема для смежных разделов музыкального произведения и 2) интересную его роль в своеобразном «ускорении» модуляционного процесса, причем приемы такого «ускорения» дифференцируются как-то и по признакам стиля и входят в процесс ладогармонического развития.
9. Черты развития или динамики в гармоническом языке выпукло подчеркиваются гармоническим варьированием.
Гармоническое варьирование - очень важный и живой прием, показывающий большую значимость и гибкость гармонии для развития мысли, для обогащения образов, укрупнения формы, выявления индивидуальных качеств данного произведения. В процессе анализа необходимо особо отметить роль ладогармонической изобретательности в умелом применении такого варьирования в его формообразующем качестве.
Гармоническое варьирование, примененное вовремя и технически законченное, может способствовать объединению нескольких музыкальных построений в более крупное целое (см., например, подобное интересное варьирование гармоний при остинатном двутакте в мазурке си минор, ор. 30 Ф. Ш опен а) и обогащению репризы произведения (В. Моцарт, «Турецкий марш»; Р. Шуман, «Листок из альбома» фа-диез минор, ор. 99; Ф. Шопен, Мазурка до-диез минор, ор. 63 № 3 или Н. Метнер, «Сказка» фа минор, ор. 26).
Нередко при таком гармоническом варьировании несколько меняется и повторяется здесь мелодия, что обычно способствует более естественному и яркому появлению «гармонических новостей». Можно указать хотя бы арию Купавы из оперы «Снегурочка» Н. Римского-Корсакова- «Время весеннее», соль-диез минор, и изумительный по остроумию гармонический (точнее, энгармонический) вариант темы «Мальчик резвый» в фантазии Ф. Листа на темы оперы «Свадьба Фигаро» В. Моцарта.

10. Анализ образцов с альтерированными аккордами (созвучиями) различного строения и сложности может быть направлен на следующие цели и моменты:
1) желательно по возможности показать учащимся, как эмансипируются данные альтерированные аккорды от хроматических неаккордовых звуков, послуживших их несомненным источником;
2) полезно составлять подробный перечень всех альтерированных аккордов различных функций (D, DD, S, побочные D) с их подготовкой и разрешением, которые имеют хождение в музыке XIX-XX веков (на материале конкретных образцов);
3) рассмотреть, как могут альтерации усложнять звучание и функциональную природу аккордов лада и тональности, как влияют на голосоведение;
4) показать, какие новые разновидности кадансов создает альтерация (образцы обязательно выписывать);
5) обратить внимание на то, что сложные виды альтерации вносят новые моменты в понимание устойчивости и неустойчивости лада, тональности (Н. Римский-Корсаков, «Садко», «Кащей»; А. Скрябин, прелюдии ор. 33, 45, 69; Н. Мясковский, «Пожелтевшие страницы»);
6) показать, что альтерированные аккорды - с их красочностью и колористичностью - не аннулируют гармонического тяготения, а может быть, его мелодически усиливают (особое разрешение альтерированных звуков, свободные удвоения, смелые скачки на хроматические интервалы при перемещении и разрешении);
7) обратить внимание на связь альтераций с мажоро-минорными ладами (системами) и на роль альтерированных аккордов при энгармонической модуляции.

4. Обобщения данных гармонического анализа

Синтезируя и обобщая все существенные наблюдения и - частично выводы, полученные в результате анализа отдельных приемов гармонического письма, целесообразнее всего сосредоточить затем внимание обучающихся снова на проблеме гармонического развития (динамики), но в более специальном и всестороннем его понимании в соответствии с данными анализа компонентов гармонического письма.
Чтобы яснее и нагляднее уяснить процесс гармонического движения и развития, необходимо взвешивать все моменты гармонического изложения, способные создать предпосылки для движения с его нарастаниями и спадами. В данном аспекте рассмотрения учитываться должно все: изменения в аккордовой структуре, функциональном распорядке, голосоведении; учитываются конкретные кадансовые обороты в их чередовании и синтаксической связи; посильно координируются гармонические явления с мелодией и метроритмом; отмечаются эффекты, вносимые в гармонию неаккордовыми звуками на разных участках произведения (до кульминации, на ней и после нее); учитываются также обогащения и изменения, полученные в результате тональных смен, гармонического варьирования, появления органных пунктов, изменения в гармонической пульсации, фактуре и т. п. В конечном итоге получается более или менее ясная и достоверная картина этого развития, которое достигается средствами гомофонно-гармонического письма в более широком его понимании и при учете совместного действия отдельных элементов музыкальной речи (и общего характера музыки в целом).

5. Стилистические моменты в анализе

После такого более или менее всестороннего гармонического анализа уже в сущности не трудно увязать его выводы и обобщения c общим содержанием данного музыкального произведения, его жанровыми особенностями и определенными гармонически-стилевыми качествами (а в них проявляется связь с конкретной исторической эпохой, тем или иным творческим направлением, творческой личностью и т. д.). Понятно, что такое увязывание дается в ограниченном масштабе и в реальных для гармонии пределах.
На путях, подводящих учащихся к такому хотя бы общему стилевому осмыслению гармонических явлений, желательны (как показывает опыт) еще особые дополнительные аналитические задания (упражнения, тренировка). Целью их является развитие гармонического внимания, наблюдательности и расширение общего кругозора учащихся.
Дадим предварительный и сугубо ориентировочный перечень таких возможных заданий в аналитической части курса гармонии:
1) Очень полезны несложные экскурсы в историю развития или практического применения отдельных гармонических приемов (например, приемы кадансирования, ладотонального изложения, модулирования, альтерации).
2) Не менее полезно при анализе конкретного произведения требовать, чтобы учащиеся находили и как-то расшифровывали наиболее интересные и существенные «новости» и индивидуальные черты в гармоническом изложении его.
3) Целесообразно собрать несколько ярких и запоминающихся образцов гармонического письма или отыскать характерные для тех или иных композиторов «лейтгармонии», «лейткадансы» и пр. (материалом могут послужить произведения Л. Бетховена, Р. Шумана, Ф. Шопена, Р. Вагнера, Ф. Листа, Э. Грига, К. Дебюсси, П. Чайковского, Н. Римского-Корсакова, А. Скрябина, С. Прокофьева, Д. Шостаковича).
4) Поучительны также задания на сравнительную характеристику способа применения внешне сходных приемов в творчестве различных композиторов, как-то: диатоника у Л. Бетховена и та же диатоника у П. Чайковского, Н. Римского-Кррсакбва, А. Скрябина, С. Прокофьева; секвенции и их место у Л. Бетховена и у Ф. Шопена, Ф. Листа, П. Чайковского, Н. Римского-Корсакова, А. Скрябина; гармоническое варьирование у М. Глинки, Н. Римского-Корсакова, М. Балакирева и то же у Л. Бетховена, Ф. Шопена, Ф. Листа; обработки русских протяжных песен П. Чайковского, Н. Римского-Корсакова, А. Лядова,"С. Ляпунова; романс Л. Бетховена «Над камнем могильным» и типичные для Ф. Шопена и Ф. Листа тональные планы по большим терциям; фригийский каданс в западной и русской музыке и т. п.
Само собой разумеется, что успешное овладение важнейшими приемами, методами и техникой гармонического анализа возможно лишь при большой и постоянной помощи руководителя и систематической тренировке в гармоническом анализе в классе. Большим подспорьем могут явиться и письменные аналитические работы, хорошо продуманные регламентированные.

Пожалуй, не будет лишним еще раз напомнить, что при всяких аналитических заданиях - более общих и относительно углубленных- необходимо неизменно сохранять живой контакт с непосредственным музыкальным восприятием. Для этого анализируемое произведение проигрывается не один раз, но проигрывается или прослушивается и до анализа и обязательно после анализа - только при этом условии данные анализа приобретут нужную убедительность и силу художественного факта.

И. Дубовский, С. Евсеев, И. Способин, В. Соколов. Учебник гармонии.

Ермакова Вера Николаевна
преподаватель музыкально-теоретических дисциплин
высшей квалификационной категории
Государственного бюджетного профессионального образовательного
учреждения Воронежской области "Воронежский музыкально-педагогический колледж"
г. Воронеж, Воронежская область

Примерный образец выполнения гармонического анализа
хоровой миниатюры А. Гречанинова «В зареве огнистом"

Хоровая миниатюра «В зареве огнистом» А. Гречанинова на стихи И. Сурикова может быть отнесена к жанру пейзажной лирики. Миниатюра написана в простой трехчастной безрепризной форме, состоящей из трех частей-строф. Важным формообразующим средством в хоре выступает гармония.

Первая часть представляет собой неквадратный период повторного строения и состоит из двух абсолютно одинаковых предложений (по 5 тактов каждое). Гармонический план периода предельно прост: в нем безраздельно господствуют половинные автентические обороты, украшенные мелодически развитой линией баса и тонической педалью в верхних голосах. Средством усложнения и одновременно «украшения» гармонии и музыкальной ткани в целом являются неаккордовые звуки - вспомогательные (как правило, брошенные, не возвращающиеся к своим аккордовым) и проходящие звуки, приготовленные задержания (тт. 4, 9).
Оба предложения первого периода завершаются неустойчивым половинным автентическим кадансом. Такое неустойчивое завершение периода весьма характерно для вокально-хоровой музыки.

Вторая часть (вторая строфа) хоровой миниатюры в целом имеет следующий тональный план: Es-dur - c-moll - G-dur. Очень красочно и неожиданно звучит Д9 Es-dur, с которого начинается вторая часть. При кажущемся отсутствии всякой функциональной связи между частями ее можно обнаружить на основе совпадения звукового состава Д7 G-dur и ДVII7 c повышенными терцовым и квинтовым тонами Es-dur.

Гармоническое развитие в первом предложении второй части осуществляется на фоне доминантового органного пункта в басу, на который накладываются автентические и прерванный обороты. Прерванный оборот (т. 13) предвосхищает отклонение в тональность c-moll (т. 15). При максимально близком родстве параллельных Es-dur и c-moll сам переход осуществляется с помощью энгармонизма Ув35 (VI6 гармонического Es = III35 гармонического c).

В тт. 15-16 происходит интенсивное тонально-гармоническое развитие, связанное с подходом и достижением кульминации. Тональность c-moll оказывается промежуточной между Es-dur и G-dur. Кульминационный момент (т. 16) отмечен использованием единственного во всем хоре альтерированного аккорда - ДДVII6 c пониженной терцией, переходящего в Д7 исходного G-dur (т. 17), с которого и включается доминантовый предыкт. В момент кульминации гармония действует параллельно с другими средствами выразительности - динамикой (усиление с mf до f), мелодией (скачок на высокий звук), ритмом (ритмическая остановка на высоком звуке).

Предыктовое построение (тт. 18-22) помимо подготовки основной тональности выполняет и изобразительно-выразительную функцию, предвосхищая образ свирели, речь о котором пойдет в третьей части (строфе) хора. Звукоизобразительность этого построения связана скорее с мелодией, ритмом и фактурой (имитации), которые как бы передают «дрожание» звука свирели$ застывшая доминантовая гармония скорее воспроизводит не звучание свирели, а «стройность» этого звучания.
Ясная расчлененность формы хоровой миниатюры достигается фактурными и тонально-гармоническими средствами. Третья часть хора начинается с Д7 С-dur, который соотносится с последним аккордом второй части как ДД7 с Д7. Как и в начале двух предыдущих частей, в начале третьей части преобладают автентические обороты. Тональный план третьей части: C-dur - a-moll - G-dur. Отклонение в промежуточную тональность a-moll происходит предельно просто - через Д35, которое воспринимается по отношению к предыдущей тонике C-dur как мажорное трезвучие III ступени. Переход из a-moll главную тональность G-dur осуществляется через Д6. Несовершенная каденция в т. 29 вызвала необходимость дополнения (тт. 30-32), представленного полным гармоническим оборотом (SII7 D6 D7 T35).

Гармонический язык хора «В зареве огнистом» А. Гречанинова отличается одновременно простотой, экономией используемых средств (автентические обороты) и в то же время красочностью звучания, создаваемого использованием модуляции через энгармонизм Ув35, эллиптических оборотов на гранях формы, педали и органного пункта. В аккордике преобладают главные трезвучия (Т, Д), из числа побочных трезвучий представлены VI, III, SII. Главные септаккорды представлены в основном Д7 и лишь однажды - в дополнении - использован SII7. Доминантовая функция выражена Д35, Д7, Д6, Д9.
Тональный план хора в целом может быть изображен схематически:

I часть	II часть	III часть
G-dur	Es-dur, c-moll, G-dur	С-dur, a-moll, G-dur
Т35 Д7	Д9 Д7	Д7 Т35

В тональном плане хоровой миниатюры представлены практически все тональности субдоминантовой группы: тональность VI низкой ступени - Es-dur (проявление одноименного мажоро-минора на уровне тонального плана), IV ступени - c-moll, С-dur и II ступени - a-moll. Возвращение к главной тональности позволяет говорить о рондообразности тонального плана, в котором главная тональность G-dur выполняет функцию рефрена, а стальные тональности - роль эпизодов, где представлены параллельные тональности субдоминантового направления. Терцовое соотношение тональностей во второй и третьей частях хора вызывают ассоциации с характерными особенностями тональных планов композиторов-романтиков.
Новые тональности в начале второй и третьей частей вводятся, на первый взгляд, эллиптически, но всегда могут быть объяснены с точки зрения функциональных связей. Отклонение из Es-dur в c-moll (II часть) выполнено через энгармонизм Ув35, из С-dur в a-moll - на основе функционального равенства Т35 С-dur III35 натурального a-moll, а переход из a-moll в исходный G-dur (тт. 27-28) - как постепенная модуляция. При этом a-moll выступает в качестве промежуточной тональности между G-dur и G-dur. Из альтерированных аккордов в хоре представлена лишь трехзвучная lдвойная доминанта (т. 16 - ДДVII65b3), звучащая в момент кульминации.

Музыкальных учебных заведений, это примеры идеальных разборов.

Но разбор может сделать и непрофессионал, в таком случае будут преобладать субъективные впечатления рецензента.

Рассмотрим содержание как профессионального, так и любительского анализа музыкальных произведений, в том числе на примерах.

Объектом анализа может стать музыкальное произведение абсолютно любого жанра

В центре анализа музыкального произведения может быть:

• отдельная мелодия;
• часть музыкального произведения;
• песня (неважно, шлягер это или же новый хит);
• концерт музыки, например фортепианной, скрипки и других;
• сольная или же хоровая музыкальная композиция;
• музыка, созданная с помощью традиционных инструментов или совершенно новых приспособлений.

В общем, анализировать можно все, что звучит, но важно помнить, что объект сильно влияет на содержательный .

Немного о профессиональном разборе

Разобрать произведение профессионально очень сложно, ведь такой анализ требует не только прочной теоретической базы, но и наличия музыкального слуха, умения чувствовать все оттенки музыки.

Существует дисциплина, которая так и называется «Анализ музыкальных произведений».

Студенты музыкальных учебных заведений изучают анализ музыкальных произведений как отдельную дисциплину

Обязательные компоненты для этого вида анализа:

• музыкальный жанр;
• разновидность жанра (если есть);
• стиль;
• музыкальная и система средств выразительности (мотивы, метрическая структура, лад, тональность, фактура, тембры, есть ли повторения отдельных частей, зачем они нужны и др.);
• музыкальный тематизм;
• характеристика созданного музыкального образа;
• функции составляющих музыкальной композиции;
• определение единства содержания и формы подачи музыкальной структуры.

Пример профессионального анализа — https://drive.google.com/file/d/0BxbM7O7fIyPceHpIZ0VBS093NHM/view?usp=sharing

Дать характеристику названным компонентам не получится без знания и осмысления типичных закономерностей музыкальных произведений и структур.

Во время анализа важно обращать внимание на плюсы и минусы с теоретической позиции.

Любительская рецензия во сто крат легче профессиональной, но и такой разбор требует от автора хотя бы элементарных познаний в музыке, ее истории и современных тенденциях.

Очень важно непредвзято подходить в анализу произведения

Назовем элементы, которые можно использовать для написания анализа:

• жанр и стиль (этот элемент расписываем только, если хорошо ориентируемся в теории или же после прочтения специальной литературы);
• немного об исполнителе;
• объективное с другими композициями;
• содержание композиции, особенности его передачи;
• средства выразительности, которые использует композитор или певец (это может быть игра с фактурой, мелодией, жанрами, соединение контрастов и т.д.);
• какое впечатление, настроение, эмоции вызывает произведение.

В последнем пункте можно говорить о впечатлениях от первого прослушивания и от повторных.

Очень важно подходить к анализу непредвзято, справедливо оценивая плюсы и минусы.

Не забывайте, то, что для вас кажется достоинством, для другого может показаться страшным недостатком.

Пример любительского анализа: https://drive.google.com/file/d/0BxbM7O7fIyPcczdSSXdWaTVycE0/view?usp=sharing

Примеры типичных ошибок дилетантов

Если профессионал пропускают все сквозь «очки» теории, прочного знания музыки, особенностей стилей, то любители стараются навязать свою точку зрения, и это первая грубая ошибка.

Когда вы пишете публицистическую рецензию на музыкальное произведение, проявите свою точку зрения, но не «вешайте ее на шею» других, просто вызовите у них интерес.

Пусть сами послушают и оценят.

Пример типичной ошибки № 2 — сравнение альбома (песни) конкретного исполнителя с его предыдущими творениями.

Задача рецензии — заинтересовать читателя данным произведением

Горе-рецензент пишет, что композиция хуже шедевров из сборников, выпущенных ранее или же копия произведений из них.

Такой вывод сделать очень легко, но он не имеет никакой цены.

Лучше написать про музыку (настроение, какие инструменты задействованы, стиль и подобное), текст, насколько они сочетаются.

Третье место занимает еще одна популярная ошибка — переполнение анализа биографическими сведениями об исполнителе (композиторе) или особенностях стиля (нет, не композиции, а в целом, например, целый теоретический блок о классицизме).

Это просто заполнение места, согласитесь, если кому-то нужна биография, ее будут искать в других источниках, рецензия для этого совсем не предназначена.

Не допускайте таких ошибок в своем анализе, иначе отобьете желание читать его.

Для начала нужно внимательно прослушать композицию, полностью погрузившись в нее.

Важно составить анализа, указав в нем необходимые понятия и аспекты для объективной характеристики (это касается как любителей, так и студентов, от которых требуется профессиональный разбор).

Не пытайтесь сделать сравнительный анализ, если не ориентируетесь в тенденциях и особенностях музыки определенного периода, иначе рискуете блистать нелепыми ошибками.

Студентам музыкальных образовательных учреждений на первых курсах достаточно сложно писать полный анализ, желательно уделять больше внимания более легким компонентам анализа.

То, что посложнее, описывают с учебником.

А вместо заключительной фразы дадим универсальный совет.

Если вы претендуете на профессиональный анализ, попробуйте дать полный ответ на вопрос: «Как это сделано?», а если любительский: «Почему стоит прослушать композицию?»

В этом видео вы увидите пример разбора музыкального произведения: