Hollandi maalikunst kuni 16. sajandi lõpuni on flaami keelega lahutamatult seotud üldnimetus"Hollandi kool". Mõlemad, olles saksa maalikunsti võsu, peavad vendi van Eycki oma esivanemateks ja liiguvad pikka aega samas suunas, arendades sama tehnikat, nii et Hollandi kunstnikud ei erine oma Flandriast ja Brabantist. kolleegid.

Kui hollandlased vabanesid Hispaania rõhumisest, omandab Hollandi maalikunst rahvusliku iseloomu. Hollandi kunstnikke eristab looduse reprodutseerimine erilise armastusega kogu selle lihtsuses ja tõesuses ning peen värvitaju.

Hollandlased mõistsid esimestena, et isegi elutus looduses hingab kõik elu, kõik on ligitõmbav, kõik on võimeline äratama mõtteid ja ärgitama südame liikumist.

Oma sünniloomust tõlgendavate maastikumaalijate seas on eriti lugupeetud Jan van Goyen (1595-1656), keda koos Esaias van de Velde (u. 1590-1630) ja Pieter Moleyni vanemaga (1595-1661) peetakse Hollandi maastiku rajaja.

Kuid Hollandi kunstnikke ei saa jagada koolkondadesse. Väljend "Hollandi maalikool" on väga tinglik. Hollandis tekkisid organiseeritud kunstnike seltsid, mis olid vabad korporatsioonid, mis kaitsesid oma liikmete õigusi ega mõjutanud loomingulist tegevust.

Eriti eredalt paistab ajaloos Rembrandti (1606-1669) nimi, kelle isiksuses kõik parimad omadused Hollandi maalikunst ja tema mõju kajastus kogu tema sünnis – portrees, ajaloolistes maalides, igapäevastseenides ja maastikes.

17. sajandil arenes edukalt kodumaine maalikunst, mille esimesi katsetusi märgitakse isegi vanas Hollandi koolkonnas. Selles žanris on nimed Cornelis Beg (1620-64), Richard Brackenbürg (1650-1702), Cornelis Dusart (1660-1704), Henryk Rokes, hüüdnimega Sorg (1621-82),

Kunstnikke, kes maalisid sõjaväeelust stseene, võib liigitada žanrimaalijateks. Peaesindaja see maalikunsti haru – kuulus ja erakordselt viljakas Philips Wowerman (1619-68)

Erikategoorias võib välja tuua meistrid, kes oma maalidel ühendasid maastiku ja loomakujutise, kuulsaim sellistest maaelu idülli maalikunstnikest on Paulus Potter (1625-54); Albert Cuyp (1620-91).

Suurima tähelepanuga kohtlesid Hollandi kunstnikud merd.

Willem van de Velde vanema (1611 või 1612-93), tema kuulsa poja Willem van de Velde noorema (1633-1707) ja Ludolf Bakhuizeni (1631-1708) loomingus moodustas nende eriala mereliikide maalimine.

Natüürmortide vallas Jan-Davids de Gem (1606-83), tema poeg Cornelis (1631-95), Abraham Mignon (1640-79), Melchior de Gondekuter (1636-95), Maria Osterwijk (1630-93). ) saavutas suurima kuulsuse .

Hollandi maalikunsti hiilgav periood ei kestnud kaua – vaid üks sajand.

XVIII sajandi algusega. algab selle allakäik, selle põhjuseks on Louis XIV pompoosse ajastu maitsed ja vaated. Otsese loodusega suhte, põliselaniku armastuse ja siiruse asemel kehtestatakse eelarvamusteooriate, konventsionaalsuse, valgustite matkimise domineerimine. prantsuse kool. Selle kahetsusväärse suuna peamine levitaja oli Fleming Gerard de Leresse (1641-1711), kes asus elama Amsterdami,

Kooli allakäigule aitas kaasa ka kuulus Adrian van de Werff (1659-1722), kelle maalide tuhm koloriit tundus kunagi täiuslikkuse tipus.

Kuni 19. sajandi kahekümnendateni avaldas Hollandi maalikunsti välismõju.

Seejärel pöördusid Hollandi kunstnikud oma antiikaja poole - looduse range jälgimise poole.

Hollandi uusim maal on eriti rikas maastikumaalijate poolest. Nende hulgas on Andreas Schelfhout (1787-1870), Barent Kukkoek (1803-62), Anton Mauve (1838-88), Jacob Maris (s. 1837), Johannes Weissenbruch (1822-1880) jt.

Hollandi uusimate meremaalijate seas kuulub palm Johannes Schotelile (1787-1838).

Loomamaalimisel näitas suur kunst Wouters Vershoor (1812-74).

Meie veebipoest saate osta Hollandi kunstnike maalide reproduktsioone.

Holland on ajalooline piirkond, mis hõlmab osa Põhja-Euroopa rannikul asuvatest suurtest madalikest Soome lahest La Manche'ini. Praegu asuvad sellel territooriumil Madalmaad (Holland), Belgia ja Luksemburg.
Pärast Rooma impeeriumi kokkuvarisemist sai Hollandist suurte ja väikeste pooliseseisvate riikide kirju kogum. Kõige olulisemad neist olid Brabanti hertsogkond, Flandria ja Hollandi krahvkonnad ning Utrechti piiskopkond. Riigi põhjaosas elas elanikkond peamiselt sakslased – friisid ja hollandlased, lõunas olid ülekaalus gallide ja roomlaste järeltulijad – flaamid ja valloonid.
Hollandlased töötasid ennastsalgavalt oma erilise andega "igavuseta teha kõige igavamaid asju", nagu ütles prantsuse ajaloolane Hippolyte Taine nende igapäevaelule jagamatult pühendunud inimeste kohta. Nad ei tundnud kõrget luulet, kuid aupaklikumalt austasid kõige lihtsamad asjad: puhas, mugav kodu, soe kolle, tagasihoidlik, kuid maitsev toit. Hollandlane on harjunud vaatama maailma kui tohutut maja, milles teda kutsutakse üles hoidma korda ja mugavust.

Madalmaade renessansiajastu kunsti põhijooned

Itaalia ja Kesk-Euroopa riikide renessansi kunstile on omane soov kujutada inimest ja teda ümbritsevat maailma realistlikult. Kuid need ülesanded lahendati erinevalt kultuuride olemuse tõttu.
Itaalia renessansiajastu kunstnike jaoks oli oluline üldistada ja luua humanismi seisukohalt ideaalkuju inimesest. Nende jaoks mängis olulist rolli teadus – kunstnikud arendasid perspektiivi teooriaid ja õpetusi proportsioonide kohta.
Hollandi meistreid köitis inimeste individuaalse välimuse mitmekesisus ja looduse rikkus. Nad ei taotle üldistatud kuvandi loomist, vaid annavad edasi iseloomulikku ja erilist. Kunstnikud ei kasuta perspektiivi teooriat ja muud, vaid annavad hoolika vaatlusega edasi mulje sügavusest ja ruumist, optilistest efektidest ning valguse ja varju suhete keerukusest.
Neid iseloomustab armastus oma maa vastu ja hämmastav tähelepanu kõige pisiasjadele: põlise põhjamaise looduse, elu eripära, interjööri detailide, kostüümide, materjalide ja tekstuuride erinevuste vastu ...
Hollandi kunstnikud reprodutseerivad kõige väiksemaid detaile ülima hoolega ja taasloovad sädeleva värvikülluse. Neid uusi pildilisi ülesandeid sai lahendada ainult abiga uus tehnoloogiaõlimaal.
Õlimaali avastamine on omistatud Jan van Eyckile. Alates 15. sajandi keskpaigast tõrjus see uus "flaami maneeri" vana temperatehnika välja ka Itaalias. Pole juhus, et Hollandi altaritel, mis on kogu universumi peegeldus, näete kõike, millest see koosneb - iga rohu ja puu tera maastikul, katedraalide ja linnamajade arhitektuurilisi detaile, tikitud ornamentide õmblusi. pühakute rüüdel, aga ka hulgaliselt muid, kõige väiksemaid detaile.

15. sajandi kunst – kuldaeg Hollandi maalikunst.
Selle säravaim esindaja Jan Van Eyck. OKEI. 1400-1441.
Euroopa maalikunsti suurim meister:
avas oma loominguga uue ajastu Vararenessanss Hollandi kunstis.
Ta oli Burgundia hertsogi Filippus Hea õuemaalija.
Üks esimesi meisterdatud plastikust ja väljendusvõimalusedõlimaal, kasutades õhukesi läbipaistvaid värvikihte, laotud üksteise peale (nn flaami viis mitmekihilise läbipaistva maalimise teel).

Van Eycki suurim teos oli Genti altarimaal, mida ta esitas koos oma vennaga.
Genti altar on suurejooneline mitmetasandiline polüptühhon. Selle kõrgus keskosas on 3,5 m, laius avatuna 5 m.
Altari välisküljel (kui see on suletud) on kujutatud igapäevane tsükkel:
- Alumises reas on kujutatud annetajaid - linnaelanik Jodok Veidt ja tema abikaasa palvetamas pühakute Ristija Johannese ja Teoloogi Johannese, kiriku ja kabeli patroonide kujude ees.
- ülal on kuulutamise stseen ning Jumalaema ja peaingel Gabrieli figuurid on eraldatud akna kujutisega, millest paistab linnamaastik.

Pidulik tsükkel on kujutatud altari siseküljel.
Kui altari uksed avanevad, toimub vaataja silme ees tõeliselt vapustav transformatsioon:
- polüptühhoni suurus on kahekordistunud,
- pilt igapäevaelust asendub hetkega maise paradiisi vaatemänguga.
- kaovad kitsad ja sünged kapid ning maailm näib avanevat: avar maastik süttib kõigis paletivärvides, säravalt ja värskelt.
Piduliku tsükli maal on pühendatud kristlikus kunstis harvaesineva ümberkujunenud maailma võidukäigu temaatikale, mis peaks saabuma pärast viimast kohtupäeva, mil kurjus saab lõplikult võidetud ning maa peal kehtestatakse tõde ja harmoonia.

Ülemine rida:
- altari keskosas on kujutatud Jumal Isa troonil istumas,
- Jumalaema ja Ristija Johannes istuvad trooni vasakul ja paremal,
- edasi mõlemal pool laulavad ja mängivad inglid,
- rea sulgevad Aadama ja Eeva alastifiguurid.
Maalide alumisel real on kujutatud stseeni Jumaliku Talle kummardamisest.
- keset heinamaad kõrgub altar, sellel seisab valge Tall, veri voolab tema läbistatud rinnast tassi
- vaatajale lähemal on kaev, millest voolab elav vesi.

Hieronymus Bosch (1450–1516)
Tema kunsti seos sellega rahvatraditsioonid, rahvaluule.
Oma teostes ühendas ta kapriisselt keskaegse fantaasia, folkloori, filosoofilise tähendamissõna ja satiiri jooni.
Ta lõi mitmefiguurilisi religioosseid ja allegoorilisi kompositsioone, maale rahvapäraste vanasõnade, ütluste ja tähendamissõnade teemadel.
Boschi teosed on täis arvukaid stseene ja episoode, elutruid ja veidralt fantastilisi pilte ja detaile, täis irooniat ja allegooriat.

Boschi töö avaldas tohutut mõju 16. sajandi Madalmaade maalikunsti realistlike suundumuste kujunemisele.
Kompositsioon "Püha kiusatus. Anthony" - kunstniku üks kuulsamaid ja salapärasemaid teoseid. Meistri meistriteoseks oli triptühhon "Rõõmude aed" - keerukas allegooria, mis sai palju osa. erinevaid tõlgendusi. Samal perioodil kirjutati triptühhonid " Viimane kohtuotsus”, “Maagide jumaldamine”, kompositsioonid “St. Johannes Patmosel, Ristija Johannes kõrbes.
Boschi loomingu hilisperioodi kuuluvad triptühhon "Taevas ja põrgu", kompositsioonid "Tramp", "Risti kandmine".

Enamik Boschi küpsetest ja hiline periood on veidrad groteskid, mis sisaldavad sügavaid filosoofilisi varjundeid.

Hispaania Philip II kõrgelt hinnatud suur triptühhon "Heinavanker" kuulub kunstniku loomingu küpsesse perioodi. Altari kompositsioon põhineb ilmselt vanal hollandi vanasõnal: "Maailm on heinakuhjas ja igaüks püüab sealt haarata nii palju kui võimalik."

Kiusatus St. Anthony. Triptühhon. Keskosa Puit, õli. 131,5 x 119 cm (keskel), 131,5 x 53 cm (lehed) Riiklik antiikkunsti muuseum, Lissabon
Mõnusate aed. Triptühhon. Umbes 1485. Keskosa
Puit, õli. 220 x 195 cm (keskel), 220 x 97 cm (uksed) Prado muuseum, Madrid

hollandi keel kunst XVI sisse. mida iseloomustab huvi tekkimine antiikaja ja meistrite tegevuse vastu Itaalia renessanss. Sajandi alguses kujunes välja Itaalia mudelite jäljendamisel põhinev liikumine, mida kutsuti "romaanismiks" (Rooma ladinakeelsest nimetusest Rooma).
Madalmaade maalikunsti tipp sajandi teisel poolel oli looming Pieter Brueghel vanem. 1525/30-1569. Hüüdnimega Muzhitsky.
Ta lõi sügava rahvuslik kunst põhineb Hollandi traditsioonidel ja kohalikul folklooril.
Tal oli tohutu roll talupojažanri ja rahvusmaastiku kujunemisel, Bruegheli loomingus põimusid omavahel keeruliselt jäme rahvahuumor, lüürika ja traagika, realistlikud detailid ja fantastiline grotesk, huvi detailirohke jutustuse vastu ja soov laia üldistuse järele.

Bruegheli teostes - lähedus keskaegse rahvateatri moraliseerivatele etendustele.
Klounide duell Maslenitsa ja Lent vahel on tavaline stseen Hollandis toimuvatel messietendustel talve tuleku päevil.
Elu on igal pool täies hoos: käib ringtants, siin pestakse aknaid, ühed mängivad täringut, teised kauplevad, keegi kerjab almust, kedagi viiakse matmisele ...

Vanasõnad. 1559. Maal on omamoodi Hollandi folkloori entsüklopeedia.
Bruegheli tegelased juhivad üksteist ninapidi, istuvad kahe tooli vahel, peksavad pead vastu seina, ripuvad taeva ja maa vahel... Hollandi vanasõna "Ja katusel on praod" on tähenduselt lähedane vene omale " Ja seintel on kõrvad." Hollandlane "viska raha vette" tähendab sama, mis venelane "raisata raha", "raisata raha". Kogu pilt on pühendatud raha, jõu, kogu elu raiskamisele - siin kaetakse katus pannkookidega, lastakse nooli tühjusesse, pügatakse sigu, soojendatakse end põleva maja leekidega ja tunnistatakse kuradile.

Kogu maal oli üks keel ja üks murre. Idast liikudes leidsid nad Sineari maal tasandiku ja asusid sinna elama. Ja nad ütlesid üksteisele: "Teeme telliseid ja põletame need tulega." Ja neist said kivide asemel tellised ja lubja asemel savitõrva. Ja nad ütlesid: "Ehitagem endale linn ja torn, mis on kõrge kui taevas, ja tehkem endale nimi, enne kui meid hajutatakse üle maa. Ja Issand tuli alla vaatama linna ja torni, mida inimpojad ehitasid. Ja Issand ütles: "See on üks rahvas ja kõigil on üks keel, ja seda nad hakkasid tegema ja nad ei jää maha sellest, mida nad kavatsesid teha. Laskume alla ja ajame nende keele seal segamini, nii et üks ei mõista teise kõnet. Ja Issand hajutas nad sealt üle kogu maa; ja nad lõpetasid linna ja torni ehitamise. Seetõttu anti sellele nimi: Babülon, sest seal ajas Issand segamini kogu maa keele ja sealt hajutas Issand nad üle kogu maa (1. Moosese raamat, ptk 11). Erinevalt Bruegheli varaste tööde kirjust saginast rabab see maal vaatajat oma rahulikkusega. Pildil kujutatud torn meenutab Rooma amfiteatrit Colosseumi, mida kunstnik nägi Itaalias, ja samal ajal - sipelgapesa. Väsimatu töö käib hiiglasliku ehitise kõigil korrustel täies hoos: klotsid pöörlevad, redeleid loobitakse, tööliste figuurid sibavad ringi. On märgata, et ilmselt alanud “keelte segunemise” tõttu on side ehitajate vahel juba kadunud: kuskil käib ehitus ja kuskil on torn juba varemeteks muutunud.

Pärast seda, kui Jeesus anti ristilöömiseks üle, panid sõdurid Talle raske risti ja viisid ta kolju kohale, mida nimetatakse Kolgataks. Teel võtsid nad kinni Küreene Siimoni, kes oli põllult koju naasmas, ja sundisid teda Jeesuse eest risti kandma. Paljud inimesed järgisid Jeesust, nende hulgas oli naisi, kes nutsid ja nutsid Tema pärast. “Risti kandmine” on religioosne, kristlik pilt, kuid see pole enam kirikupilt. Brueghel seostas Pühakirja tõdedega isiklik kogemus, mõtiskles piiblitekstide üle, andis neile oma tõlgenduse, s.t. rikkus avalikult sel ajal kehtinud keiserliku 1550. aasta dekreeti, mis surmavalu tõttu keelas iseseisev uuring piibel.

Brueghel loob maastike sarja "Kuud". "Jahimehed lumes" on detsember-jaanuar.
Iga aastaaeg on meistri jaoks ennekõike ainulaadne maa ja taeva seisund.

Rahvahulk talupoegi, keda tabas tantsu kiire rütm.

Märge. Nimekirjas on lisaks Hollandi kunstnikele ka Flandria maalikunstnikud.

15. sajandi Hollandi kunst
Renessansikunsti esimesed ilmingud Madalmaades pärinevad 15. sajandi algusest. Esimesed maalid, mida võib liigitada juba vararenessansi monumentide hulka, lõid vennad Hubert ja Jan van Eyck. Mõlemad - Hubert (suri 1426) ja Jan (umbes 1390-1441) - mängisid otsustavat rolli Hollandi renessansi kujunemisel. Hubertist ei teata peaaegu midagi. Ilmselt oli Jan väga haritud inimene, õppis geomeetriat, keemiat, kartograafiat, viis läbi Burgundia hertsogi Philip Hea diplomaatilisi missioone, mille teenistuses ta, muide, Portugali reisis. Renessansi esimesi samme Hollandis saab hinnata vendade 15. sajandi 20. aastatel tehtud pilditööde järgi, nende hulgas näiteks “Mürri kandvad naised haua juures” (võib-olla osa polüptühhonist; Rotterdam, Boijmans-van Beiningeni muuseum), "Madonna kirikus" (Berliin), "Püha Jerome" (Detroit, Kunstiinstituut).

Vennad van Eyckid on kaasaegses kunstis erakordsel kohal. Kuid nad ei olnud üksi. Samal ajal töötasid nendega stiililiselt ja problemaatiliselt ka teised maalijad. Nende hulgas kuulub esikoht kahtlemata nn Flemal meistrile. Tema õige nime ja päritolu kindlakstegemiseks on tehtud palju geniaalseid katseid. Neist kõige veenvam versioon, mille kohaselt see kunstnik saab Robert Campini nime ja üsna arenenud eluloo. Varem kutsuti Altarimeister (või "kuulutus") Merode. Samuti on ebaveenv seisukoht, mis omistab talle omistatud teosed noorele Rogier van der Weydenile.

Campini kohta on teada, et ta sündis 1378. või 1379. aastal Valenciennes'is, sai meistritiitli 1406. aastal Tournais, elas seal, esines lisaks maalingud palju dekoratiivseid, oli paljude maalikunstnike õpetaja (sealhulgas Rogier van der Weyden, millest tuleb juttu allpool, aastast 1426 ja Jacques Dare aastast 1427) ja suri 1444. aastal. Kampini kunst säilitas üldises "panteistlikus" skeemis igapäevaseid jooni ja osutus seega väga lähedaseks Hollandi järgmise põlvkonna maalikunstnikele. Rogier van der Weydeni ja Campinist äärmiselt sõltuva autori Jacques Dare'i varased tööd (näiteks tema "Maagide jumaldamine" ja "Maarja ja Elizabethi kohtumine", 1434-1435; Berliin) näitavad selgelt huvi kunsti vastu. selle meistriga, mis kindlasti ilmneb ajalist trendi.

Rogier van der Weyden sündis 1399. või 1400. aastal ja suri 1464. Tema juures õppisid mõned Hollandi renessansiajastu suurimad kunstnikud (näiteks Memling), kes oli laialt tuntud mitte ainult oma kodumaal, vaid ka Itaalias. (kuulus teadlane ja filosoof Cusa Nikolai nimetas teda suurimaks kunstnikuks; hiljem märkis Dürer tema tööd). Rogier van der Weydeni looming oli toitev alus paljudele järgmise põlvkonna maalikunstnikele. Piisab, kui öelda, et tema töökoda – esimene nii laialt korraldatud töötuba Hollandis – avaldas tugevat mõju ühe meistri stiili levikule, mis oli 15. sajandil enneolematu, taandas selle stiili lõpuks šabloontehnikate hulka ja mängis sajandi lõpul maalimisel isegi piduri rolli. Ja ometi ei saa 15. sajandi keskpaiga kunsti taandada Rogier’ traditsioonile, kuigi see on sellega tihedalt seotud. Teist teed kehastab eelkõige Dirik Boutsi ja Albert Ouwateri looming. Neile, nagu Rogier’legi, on panteistlik eluimetlus mõnevõrra võõras ja nende jaoks kaotab inimese kujund üha enam sidet universumi küsimustega – filosoofiliste, teoloogiliste ja kunstiliste küsimustega, omandades üha suurema konkreetsuse ja psühholoogilise kindluse. Kuid Rogier van der Weyden, kõrgendatud dramaatilise kõla meister, kunstnik, kes püüdles individuaalsete ja samas ülevate kujundite poole, huvitas peamiselt inimese vaimsete omaduste sfääri. Boutsi ja Ouwateri saavutused seisnevad pildi igapäevase autentsuse suurendamises. Formaalsetest probleemidest huvitasid neid rohkem mitte niivõrd väljenduslike kui visuaalsete probleemide lahendamisega seotud küsimused (mitte pildi teravus ja värvi väljendus, vaid pildi ruumiline korraldus ning valguse loomulikkus, loomulikkus ja loomulikkus). õhukeskkond).

Noore naise portree, 1445, Pildigalerii, Berliin

Püha Ivo, 1450, Rahvusgalerii, London

Püha Luke maalimas Madonna kujutist, 1450, Groningeni muuseum, Brügge

Kuid enne, kui asuda nende kahe maalikunstniku loomingu käsitlemisele, on vaja peatuda väiksema ulatusega nähtusel, mis näitab, et sajandi keskpaiga kunsti avastused, olles samal ajal jätk van Eyck-Kampeni traditsioonid ja nendest taganemine olid mõlemas osas sügavalt õigustatud. Konservatiivsem maalikunstnik Petrus Christus demonstreerib ilmekalt selle usust taganemise ajaloolist paratamatust isegi kunstnike jaoks, kes ei kipu radikaalsetele avastustele. Alates 1444. aastast sai Christus Brügge kodanikuks (suri seal 1472/1473) – see tähendab, et nägi van Eycki parimaid teoseid ja kujunes tema traditsiooni mõjul. Kasutamata Rogier van der Weydeni teravat aforismi, saavutas Christus individualiseeritud ja diferentseerituma iseloomustuse kui van Eyck. Tema portreed (E. Grimston - 1446, London, National Gallery; Carthusian munk - 1446, New York, Metropolitan Museum of Art) annavad aga samal ajal tunnistust kujundlikkuse teatud vähenemisest tema loomingus. Kunstis ilmnes iha konkreetse, üksikisiku ja konkreetse järele üha enam. Võib-olla ilmnesid need suundumused kõige selgemalt Boutsi loomingus. Rogier van der Weydenist (sündinud aastatel 1400–1410) noorem oli ta selle meistri dramaatilisusest ja analüütilisusest kaugel. Ja veel, varajane Bouts pärineb paljuski Rogierilt. Altarimaal "Ristilt laskumine" (Granada, katedraal) ja mitmed teised maalid, näiteks "The Tombment" (London, Rahvusgalerii) annavad tunnistust selle kunstniku loomingu sügavast uurimisest. Kuid originaalsus on siin juba märgatav - Bouts annab oma tegelaskujudele rohkem ruumi, teda ei huvita mitte niivõrd emotsionaalne keskkond, kuivõrd tegevus, selle protsess, tema tegelased on aktiivsemad. Sama kehtib ka portreede kohta. Suurepäraselt meeste portree(1462; London, National Gallery) palvemeelselt üles tõstetud – ehkki ilma igasuguse ülendamiseta – silmadel, erilisel suul ja korralikult kokku pandud kätel on nii individuaalne värv, mida van Eyck ei teadnud. Isegi detailides on tunda seda isikupärast puudutust. Mõnevõrra proosaline, kuid geniaalselt reaalne peegeldus peitub kõigil meistri töödel. Kõige enam paistab ta silma oma mitmefiguurilistes kompositsioonides. Ja eriti tema kuulsaimas teoses – Louvaini Püha Peetruse kiriku altaris (1464–1467). Kui vaataja tajub van Eycki loomingut alati kui loovuse, loomingu imet, siis Boutsi teoste ees tekivad teised tunded. Boutsi kompositsioonitöö kõneleb temast rohkem kui lavastajast. Pidades meeles sellise "režissööri" meetodi (st meetodi, mille puhul kunstniku ülesandeks on korraldada justkui iseloomulik tegelased, korraldada lava) järgnevatel sajanditel tuleks sellele nähtusele Dirk Boutsi loomingus tähelepanu pöörata.

Järgmine samm Hollandi kunstis jäädvustab 15. sajandi viimast kolme-nelja aastakümmet – riigi ja selle kultuuri elu jaoks äärmiselt rasket aega. Selle perioodi avab Jos van Wassenhove (või Joos van Gent; aastatel 1435-1440 - pärast 1476), kunstnik, kes mängis olulist rolli uue maalikunsti arengus, kuid kes lahkus 1472. aastal Itaaliasse, aklimatiseerus ja aklimatiseerus. orgaaniliselt kaasatud Itaalia kunsti. Tema altarimaal "Ristilöömisega" (Gent, St. Bavo kirik) annab tunnistust tõmbest narratiivi poole, aga samas soovist jätta lugu ilma külmast kiretusest. Viimast soovib ta saavutada graatsilisuse ja dekoratiivsuse abil. Tema altarimaal on loomult ilmalik, heleda värvilahendusega, mis on üles ehitatud peentele sillerdavatele toonidele.
See periood jätkub erakordse talendi meistri Hugo van der Goesi tööga. Ta sündis umbes 1435. aastal, sai 1467. aastal Genti meistriks ja suri 1482. aastal. Husi varasemate teoste hulgas on mitu Madonna ja lapse kujutist, mis erinevad kujutise lüürilise aspekti poolest (Philadelphia, kunstimuuseum ja Brüsseli muuseum), ning maal "Püha Anna, Maarja lapse ja doonoriga" (Brüssel, muuseum). Rogier van der Weydeni leide arendades näeb Hus kompositsioonis mitte niivõrd kujutatava harmoonilise organiseerimise viisi, kuivõrd keskendumisvahendit ja stseeni emotsionaalse sisu paljastamist. Inimene on Gusi jaoks tähelepanuväärne ainult oma isiklike tunnete tugevuse poolest. Samal ajal köidavad Gusi traagilised tunded. Püha Genevieve’i kujutis (Nutulaulu tagaküljel) annab aga tunnistust, et alasti emotsiooni otsides hakkas Hugo van der Goes pöörama tähelepanu ka selle eetilisele tähtsusele. Portinari altaril püüab Hus väljendada oma usku inimese vaimsetesse võimetesse. Kuid tema kunst muutub närviliseks ja pingeliseks. Gusi kunstitehnikad on mitmekesised – eriti siis, kui tal on vaja taasluua inimese vaimne maailm. Mõnikord, nagu karjaste reaktsiooni edastamisel, kõrvutab ta teatud järjestuses lähedasi tundeid. Mõnikord, nagu Maarja kujundis, joonistab kunstnik välja kogemuse üldised jooned, mille järgi vaataja tunde kui terviku täiendab. Mõnikord - kitsasilmalise ingli või Margarita piltidel - kasutab ta kujutise dešifreerimist kompositsiooni- või rütmitehnikate abil. Mõnikord muutub psühholoogilise väljenduse tabamatus tema jaoks iseloomustusvahendiks – täpselt nagu naeratuse peegeldus mängib Maria Baroncelli kuival värvitu näoilmel. Ja tohutut rolli mängivad pausid – ruumilahenduses ja tegevuses. Need võimaldavad vaimselt areneda, täiendada tunnet, mille kunstnik on pildil visandanud. Hugo van der Goesi kujutiste olemus sõltub alati rollist, mida nad tervikuna mängima peaksid. Kolmas karjane on tõesti loomulik, Joosep täielikult psühholoogiline, temast paremal asuv ingel peaaegu sürreaalne ning Margareeta ja Magdaleena kujutised on keerulised, sünteetilised ja üles ehitatud erakordselt peentele psühholoogilistele astmetele.

Hugo van der Goes tahtis alati väljendada, kehastada oma kujundites inimese vaimset pehmust, tema sisemist soojust. Kuid sisuliselt annavad kunstniku viimased portreed tunnistust kasvavast kriisist Husi loomingus, sest tema vaimset struktuuri ei loo mitte niivõrd üksikisiku individuaalsete omaduste teadvustamine, vaid inimese ühtsuse traagiline kadu. maailm kunstniku jaoks. AT uusim töö- "Maarja surm" (Bruges, muuseum) - selle kriisi tulemuseks on kunstniku kõigi loominguliste püüdluste kokkuvarisemine. Apostlite meeleheide on lootusetu. Nende žestid on mõttetud. Kristuse säras hõljuv tema kannatustega näib õigustavat nende kannatusi ja tema augustatud peopesad on vaataja poole pööratud ning määramatu suurusega kuju rikub mastaapset struktuuri ja reaalsustaju. Samuti on võimatu mõista apostlite kogemuse tegelikkuse mõõtu, sest neil kõigil on samad tunded. Ja see pole niivõrd nende kui kunstniku oma. Kuid selle kandjad on endiselt füüsiliselt tõelised ja psühholoogiliselt veenvad. Sarnased kujundid taaselustuvad hiljem, kui 15. sajandi lõpul saabub Hollandi kultuuris sajandivanune traditsioon (Boschiga) oma lõpu. Kummaline siksak moodustab pildi kompositsiooni aluse ja korraldab seda: istuv apostel, ainult liikumatult, vaatajat vaatab, on kallutatud vasakult paremale, kummardunud Maarja on paremalt vasakule, Kristus, hõljub, on pärit. vasakult paremale. Ja seesama siksakiline värvides: istuva värvi kujund seostub Maarjaga, kes lebab tuhmsinise kanga peal, rüüs ka sinine, aga sinine on ülim, äärmuslik, siis Kristuse eeterlik, mittemateriaalne sinisus. . Ja ümber apostlite rüüde värvid: kollane, roheline, sinine – lõpmata külm, selge, ebaloomulik. Tunne on "Eelduses" alasti. See ei jäta ruumi lootusele ega inimlikkusele. Elu lõpus läks Hugo van der Goes kloostrisse, tema viimaseid eluaastaid varjutasid vaimuhaigused. Ilmselt nendes eluloolisi fakte on näha traagiliste vastuolude peegeldust, mis määrasid meistri kunsti. Husi tööd teati ja hinnati ning see äratas tähelepanu ka väljaspool Hollandit. Jean Clouet vanem (Moulini meister) oli tema kunstist tugevalt mõjutatud, Domenico Ghirlandaio teadis ja õppis Portinari altarimaali. Kaasaegsed teda aga ei mõistnud. Madalmaade kunst kaldus järjekindlalt teisele teele ning mõned jäljed Husi loomingu mõjust andsid vaid nende muude suundade tugevuse ja leviku. Suurima terviklikkuse ja järjekindlusega väljendusid nad Hans Memlingi loomingus.

Maine edevus, triptühhon, keskpaneel,

Põrgu, triptühhoni "Maine edevus" vasak paneel,
1485, Kaunite Kunstide Muuseum, Strastbourg

Hans Memling, kes sündis ilmselt 1433. aastal Maini-äärses Frankfurdi lähedal Seligenstadtis (suri 1494), sai kunstnik Rogier'lt suurepärase väljaõppe ja saavutas Brüggesse kolituna seal laialdase populaarsuse. Juba suhteliselt varased tööd avastage tema otsingute suund. Valguse ja üleva alged said temalt palju ilmalikuma ja maisema tähenduse ning kõik maise – mingi ideaalse elevuse. Näiteks võib tuua altari Madonna, pühakute ja annetajatega (London, Rahvusgalerii). Memling püüab säilitada oma igapäevast välimust tõelised kangelased ja tuua ideaalsed kangelased neile lähemale. Ülendatud algus lakkab olemast teatud panteistlikult mõistetud üldiste maailmajõudude väljendus ja muutub inimese loomulikuks vaimseks omaduseks. Memlingi töö põhimõtted tulevad selgemalt läbi nn Floreins-Altaril (1479; Brugge, Memlingi muuseum), pealava ja mille parem tiib on sisuliselt tasuta koopiad Müncheni Rogieri altari vastavatest osadest. Ta vähendab drastiliselt altari suurust, lõikab ära Rogier’ kompositsiooni ülaosa ja küljed, vähendab figuuride arvu ja justkui toob tegevuse vaatajale lähemale. Sündmus kaotab oma majesteetliku ulatuse. Osalejate kujutised on ilma esinduslikkusest ja omandavad privaatseid jooni, kompositsioon on pehme harmoonia varjund ning värv, säilitades puhtuse ja läbipaistvuse, kaotab täielikult Rogieri külma, terava kõla. Tundub, et see väriseb heledate selgete varjunditega. Veelgi iseloomulikum on Annunciation (umbes 1482; New York, Leman kollektsioon), kus on kasutatud Rogieri skeemi; Maarja kujutisele on antud pehme idealiseerimise jooni, ingel on oluliselt genreiziseeritud ja sisustusesemed on välja kirjutatud van Eyckiliku armastusega. Samal ajal tungivad Memlingi loomingusse üha enam itaalia renessansi motiivid - vanikud, putid jm ning kompositsiooniline struktuur muutub üha mõõdetumaks ja selgemaks (triptühhon Madonna ja lapsega, Ingel ja doonor, Viin ). Kunstnik püüab hägustada piiri konkreetse, burgeriliku alguse ja idealiseeriva, harmoonilise vahel.

Memlingi kunst äratas põhjaprovintside meistrite suurt tähelepanu. Kuid neid huvitasid ka muud omadused - need, mis olid seotud Husi mõjuga. Põhjaprovintsid, sealhulgas Holland, jäid sel perioodil lõunapoolsetest maha nii majanduslikult kui vaimselt. Varajane Hollandi maalikunst ei jõudnud üldiselt hiliskeskaegsest, kuid samas provintsilikust vormist kaugemale ja selle käsitöö ei tõusnud kunagi Flaami maalikunstnike kunstitasemele. Ainult koos viimane veerand 15. sajandil muutub olukord tänu Hertgen tot sint Jansi kunstile. Ta elas Harlemis koos Püha Johannese munkadega (millele ta võlgneb oma hüüdnime – Sint Jans tähendab tõlkes Püha Johannest) ja suri noorelt – kahekümne kaheksa aastaselt (sündinud Leidenis (?) umbes 1460/65, suri Harlemis aastatel 1490–1495). Gertgen tundis ähmaselt ärevust, mis Husi muretses. Kuid tõusmata oma traagiliste arusaamade juurde, avastas ta lihtsa inimtunde pehme võlu. Ta on Gusile lähedane oma huviga inimese sisemise, vaimse maailma vastu. Gertgeni suurteoste hulgas on Harlemi johnlastele kirjutatud altarimaal. Sellest on säilinud parempoolne, nüüdseks saetud kahepoolne tiib. Selle siseküljel on suur mitmefiguuriline leinasseen. Gertgen saavutab mõlemad selleks ajaks seatud eesmärgid: soojuse edasiandmine, tunde inimlikkus ja eluliselt veenva narratiivi loomine. Viimane on eriti märgatav lehe välisküljel, millel on kujutatud Ristija Johannese säilmete põletamist Taganenud Julianuse poolt. Tegevuses osalejad on varustatud liialdatud iseloomuomadustega ning tegevus on jaotatud mitmeks iseseisvaks stseeniks, millest igaüks esitatakse elava vaatlusega. Teel loob meister võib-olla ühe esimese grupiportree uue aja Euroopa kunstis: ehitatud lihtsa kombinatsiooni põhimõttel. portree omadused, see näeb ette 16. sajandi tööd. Gertgeni loomingu mõistmiseks annab palju tema kirikuinterjööris esitletud "Kristuse perekond" (Amsterdam, Rijksmuseum), tõlgendatuna tõelise ruumikeskkonnana. Esiplaanil olevad figuurid jäävad tähendusrikkaks, tundeid välja näitamata, säilitades rahuliku väärikusega oma igapäevase välimuse. Kunstnik loob pilte, võib-olla kõige burgerimat Hollandi kunstis. Samas on märkimisväärne, et Hertgen mõistab õrnust, head välimust ja teatavat naiivsust mitte väliselt iseloomulike märkidena, vaid inimese vaimse maailma teatud omadustena. Ja see burgeri elutunde sulandumine sügava emotsionaalsusega on Hertgeni loomingu oluline tunnusjoon. Pole juhus, et ta ei andnud oma kangelaste vaimsetele liikumistele ülendatud universaalset iseloomu. Ta takistab teadlikult oma tegelaste erakordseks muutumist. Seetõttu ei tundu nad individuaalsed. Neil on hellus ja puuduvad muud tunded või kõrvalised mõtted, nende kogemuste selgus ja puhtus muudab nad igapäevasest rutiinist kaugel. Sellest tulenev kujundi ideaal ei tundu aga kunagi abstraktne ega kunstlik. Need tunnused eristavad ka kunstniku üht parimat teost "Sünnitus" (London, Rahvusgalerii), väikest pilti, mis on täis põnevust ja üllatust.
Gertgen suri varakult, kuid tema kunsti põhimõtted ei jäänud teadmatusse. Kuid talle lähemal seisev Braunschweigi diptühhoni meister (“Saint Bavo”, Braunschweig, muuseum; “jõulud”, Amsterdam, Rijksmuseum) ja mõned teised anonüümsed meistrid ei arendanud mitte niivõrd Hertgeni põhimõtteid, kuivõrd andsid neile laialt levinud standardi iseloomu. . Võib-olla kõige olulisem neist on Neitsimeister Neitsi (nimetatud Amsterdami Rijksmuseumi maali järgi, mis kujutab Maarjat pühade neitside seas), kes ei püüdnud mitte niivõrd emotsioonide psühholoogilise õigustamise poole, kuivõrd selle väljenduse teravuse poole. üsna igapäevased ja kohati peaaegu meelega koledad kujud ( Entombment, St. Louis, Museum; Lamentation, Liverpool; Annunciation, Rotterdam). Aga ka. tema looming on pigem tõend igivana traditsiooni ammendumise kohta kui selle arengu väljendus.

Kunstilise taseme järsk langus on märgatav ka lõunaprovintside kunstis, mille meistrid kaldusid üha enam minema pisiasjadest argistest detailidest. Teistest huvitavam on väga jutustav Püha Ursula legendi Meister, kes töötas 15. sajandi 80-90ndatel Brugges (“Püha Ursula legend”; Brugge, Mustade õdede klooster), Baroncelli abikaasade (Firenze, Uffizi) portreede tundmatu autor, mitte ilma oskusteta, aga ka väga traditsiooniline Brügge meister Püha Lucia legendi ("Püha Lucia altar", 1480, Brügge, Jaakobi kirik) , ja ka polüptühhon, Tallinn, Muuseum). Tühja pisikunsti teke 15. sajandi lõpus on Hussi ja Hertgeni otsingute vältimatu vastand. Inimene on kaotanud oma maailmavaate põhisamba – usu universumi harmoonilisse ja soodsasse struktuuri. Aga kui selle laialdaseks tagajärjeks oli vaid endise kontseptsiooni vaesumine, siis lähemal vaatlusel ilmnes maailmas ähvardavaid ja salapäraseid jooni. Tolleaegsetele lahendamatutele küsimustele vastamiseks kasutati hiliskeskaegseid allegooriaid, demonoloogiat ja Pühakirja süngeid ennustusi. Kasvavate teravate sotsiaalsete vastuolude ja tõsiste konfliktide kontekstis tekkis Boschi kunst.

Hieronymus van Aken, hüüdnimega Bosch, sündis Hertogenboschis (suri seal 1516. aastal), st eemal Madalmaade peamistest kunstikeskustest. Tema varased teosed ei puudu primitiivsusest. Kuid juba praegu ühendavad nad kummalisel kombel inimese kujutamisel terava ja häiriva looduse elutunnetuse külma grotesksusega. Bosch reageerib trendile kaasaegne kunst- tema ihaga tõelise järele, inimese kuvandi konkretiseerimisega ja seejärel - tema rolli ja tähtsuse alandamisega. Ta viib selle trendi teatud piirini. Boschi kunstis ilmuvad satiirilised või, parem, sarkastilised inimkonna kujutised. See on tema "Operatsioon rumaluse kivide kaevandamiseks" (Madrid, Prado). Operatsiooni teeb munk – ja siin on näha vaimulike kurja irve. Aga see, kellele see on tehtud, vaatab vaatajale pingsalt otsa, see pilk paneb meid tegevusse kaasama. Sarkasm kasvab Boschi loomingus, ta esitleb inimesi kui lollide laeva reisijaid (maal ja joonistus sellele Louvre'is). Ta pöördub rahvahuumori poole – ja see võtab tema käe all sünge ja kibeda varjundi.
Bosch jõuab elu sünge, irratsionaalse ja alatu olemuse kinnituseni. Ta mitte ainult ei väljenda oma maailmavaadet, elutunnetust, vaid annab sellele moraalse ja eetilise hinnangu. Heinakuhjas on Boschi üks märkimisväärsemaid töid. Sellel altaril sulab alasti reaalsustaju allegoorilisusega. Heinakuhjas vihjatakse vanale flaami vanasõnale: "Maailm on heinakuhja: ja igaüks võtab sealt, mida ta haarab"; silmapiiril olevad inimesed suudlevad ja mängivad muusikat ingli ja mõne kuratliku olendi vahel; fantastilised olendid tõmbavad vankrit ning paavst, keiser järgivad seda rõõmsalt ja kuulekalt, lihtsad inimesed: mõned jooksevad ette, tormavad rataste vahele ja surevad, muserdatud. Eemal olev maastik pole fantastiline ega vapustav. Ja üle kõige – pilve peal – väike Kristus ülestõstetud kätega. Ometi oleks vale arvata, et Bosch kaldub allegooriliste võrdluste meetodi poole. Vastupidi, ta püüdleb selle poole, et tema idee kehastuks olemises. kunstilisi lahendusi et see ilmuks vaataja ette mitte krüpteeritud vanasõna või tähendamissõnana, vaid üldistava tingimusteta eluviisina. Keskajale tundmatu fantaasia keerukusega Bosch asustab oma maalid olenditega, kes kombineerivad veidralt erinevaid loomavorme või loomavorme elutu maailma objektidega, asetades need ilmselgelt ebatõenäolistesse suhetesse. Taevas läheb punaseks, purjedega linnud lendavad läbi õhu, koletised olendid roomavad mööda maapinda. Hobusejalgsed kalad teevad suu lahti ja nende kõrval on rotid, kes kannavad selga elustavaid puutüüpe, millest inimesed kooruvad. Hobuse laudjas muutub hiiglaslik kannu ja sabapea hiilib kuhugi peenikeste paljaste jalgade peale. Kõik roomab ja kõik on varustatud teravate, kriibivate vormidega. Ja kõik on energiaga nakatunud: iga olend - väike, petlik, visa - haarab kurja ja kiirustava liigutusega. Bosch annab neile fantasmagoorilistele stseenidele suurima veenvuse. Ta keeldub edasi arenevat tegevust kujutamast esiplaanil ja levitab seda kogu maailmale. Ta annab oma mitmefiguurilistele dramaatilistele ekstravagantsustele üldistuses jubeda varjundi. Mõnikord toob ta pildile vanasõna dramatiseeringu – aga huumorit sellest ei jää. Ja keskele asetab ta väikese kaitsetu Püha Antoniuse kuju. Selline on näiteks altar, mille kesksel aknal on "Püha Antoniuse kiusatus" Lissaboni muuseumist. Siin aga näitab Bosch enneolematult teravat, alasti reaalsustaju (eriti mainitud altari välisuste stseenides). Boschi küpsetes teostes on maailm piiritu, kuid selle ruumilisus on erinev – vähem tormiline. Õhk tundub selgem ja niiskem. Nii on kirjutatud "John on Patmos". Selle pildi tagaküljel, kus Kristuse märtrisurma stseene on kujutatud ringis, on kujutatud hämmastavaid maastikke: läbipaistvad, puhtad, jõe laiade avadega, kõrge taevaga ja muud - traagilised ja intensiivsed (" Ristilöömine"). Kuid seda tungivamalt mõtleb Bosch inimestele. Ta püüab leida nende elule adekvaatse väljenduse. Ta kasutab suure altari kuju ja loob kummalise, fantasmagoorilise suurejoonelise vaatepildi inimeste patusest elust - "Mõnusate aia".

Kunstniku viimastes töödes on kummalisel kombel ühendatud tema varasemate tööde fantaasia ja reaalsus, kuid samas on neis tunda kurba leppimist. Kurjade olendite kobarad on hajutatud, levides varem võidukalt üle kogu pildivälja. Eraldi, väikesed, peidavad nad end ikka puu alla, paistavad vaiksetest jõejoadest või jooksevad läbi rohtu kasvanud mahajäetud küngaste. Kuid nende suurus vähenes, aktiivsus kadus. Nad ei ründa enam inimesi. Ja tema (see on ikkagi püha Antonius) istub nende vahel – loeb, mõtleb ("Püha Antonius", Prado). Boschi ei huvitanud ühe inimese positsioon maailmas. Püha Antonius on oma varasemates töödes kaitsetu, haletsusväärne, kuid mitte üksi – tegelikult on ta ilma jäänud osast iseseisvusest, mis võimaldaks tal end üksikuna tunda. Nüüd seostatakse maastikku vaid ühe inimesega ja Boschi loomingus kerkib üles teema inimese üksindusest maailmas. Boschiga lõpeb 15. sajandi kunst. Boschi töö lõpetab selle puhaste arusaamade, seejärel intensiivsete otsingute ja traagiliste pettumuste etapi.
Kuid tema kunstiga kehastatud suund ei olnud ainus. Mitte vähem sümptomaatiline on veel üks trend, mis on seotud mõõtmatult väiksema mastaabiga meistri - Gerard Davidi - tööga. Ta suri hilja – 1523. aastal (sündis umbes 1460). Kuid nagu Bosch, sulges ta 15. sajandi. Juba see varajane töö("The Annunciation"; Detroit) - proosaline-päris ladu; 1480. aastate lõpu teosed (kaks maali Cambysese õukonna krundil; Brugge, muuseum) paljastavad tihedad suhted Boutsiga; paremini kui teised arenenud aktiivse maastikukeskkonnaga lüürilise iseloomuga kompositsioonid (“Puhka Egiptusesse lennul”; Washington, Rahvusgalerii). Kuid kõige silmatorkavam on meistri võimatus ületada sajandit tema triptühhon Kristuse ristimisega (16. sajandi algus; Brugge, muuseum). Maali lähedus, miniatuursus näib olevat otseses vastuolus pildi mastaapsusega. Reaalsus tema nägemuses on elutu, taandunud. Värvi intensiivsuse taga pole ei vaimset pinget ega universumi hinnalisuse tunnet. Maalistiili email on külm, iseseisev ja emotsionaalse fookuseta.

15. sajand oli Hollandis suure kunsti aeg. Sajandi lõpuks oli see end ammendanud. Uued ajaloolised tingimused, ühiskonna üleminek teise arenguetappi põhjustas uus etapp kunsti evolutsioonis. See tekkis 16. sajandi alguses. Hollandis aga van Eyckidelt pärit ilmaliku printsiibi ürgse kombinatsiooniga, mis on omane nende kunstile, religioossete kriteeriumidega elunähtuste hindamisel, suutmatusega tajuda inimest tema eneseküllases suuruses. väljaspool küsimusi vaimsest osadusest maailma või Jumalaga, on Hollandis uus ajastu paratamatult saabuma alles pärast kogu senise maailmavaate tugevaimat ja rängemat kriisi. Kui Itaalias oli kõrgrenessanss Quattrocento kunsti loogiline tagajärg, siis Hollandis sellist seost polnud. Üleminek uus ajastu osutus eriti valusaks, kuna sellega kaasnes paljuski varasema kunsti eitamine. Itaalias tekkis keskaegsete traditsioonide katkemine juba 14. sajandil ja Itaalia renessansi kunst säilitas oma arengu terviklikkuse kogu renessansi vältel. Hollandis on olukord teine. Keskaegse pärandi kasutamine 15. sajandil raskendas väljakujunenud traditsioonide rakendamist 16. sajandil. Hollandi maalikunstnike jaoks seostus piir 15. ja 16. sajandi vahel maailmapildi radikaalse murranguga.

Puu ja kärbsed

Kunstnik Jan Van Huysum, suur maalikunstnik ja Hollandi natüürmortide meister, elas XVII sajandi lõpus ja XVIII sajandi alguses ning oli oma kaasaegsete seas väga populaarne.

Jan van Huysumi elust ja loomingust teatakse väga vähe. Ta sündis kunstnik Justus van Huysum vanema peres, tema kolm venda olid samuti kunstnikud. Aastal 1704 abiellus Jan Van Huysum Marguerite Schouteniga.

Jan van Huysumi portree, autor Arnold Bonen, umbes 1720

Kunstnikust sai väga kiiresti tuntud kunstnik ja Hollandi natüürmordi tunnustatud meister. Kroonitud isikud kaunistasid oma kambrid ja eesruumid meistri maalidega. Ülejäänud avalikkuse jaoks ei olnud Jan Van Huysumi teosed saadaval. Fakt on see, et meister töötas iga maali kallal väga pikka aega. Ja tema töö oli väga kallis – kümneid kordi kallimad kui maalid Rembrandt, Jan Steen ja Albert Cuyp.
Igal pildil on kümneid kihte läbipaistvat värvi ja hoolikalt maalitud detaile: kiht kihi haaval ja löök joone haaval. Nii sündis selle meistri natüürmort mitu aastat.

Pintsel Jan van Huysumile kuulub piisavalt vähe huvitavad maastikud kunstniku peateemaks on aga natüürmordid. Eksperdid jagavad Jan Van Huysumi natüürmordid tinglikult kahte rühma: natüürmordid heledal taustal ja natüürmordid tumedal taustal. "Valged natüürmordid" nõuavad kunstnikult "küpsemat" oskust - kompetentseks valgusmodelleerimiseks on vaja kogemusi ja annet. Need on aga detailid.

Heitke pilk nendele teostele. Nad on tõeliselt imelised.

Jan Van Huysumi maalid

Puuviljad, lilled ja putukad

Mallows ja muud lilled vaasis

Lilled ja puuviljad

Lilledega vaas

Lilled ja puuviljad

Lilledega vaas

Lilled ja puuviljad

Lilled terrakota vaasis

Lilledega vaas nišis

puuviljad ja lilled

Korv lillede ja liblikatega

Hollandi kunstnikud on andnud suure panuse meistrite loomingusse, kes alustasid oma tööd 17. sajandil ja pole peatunud siiani. Kuid nad ei avaldanud mõju ainult kolleegidele, vaid ka kirjanduse (Valentin Proust, Donna Tartt) ja fotograafia (Ellen Cooy, Bill Gekas jt) professionaalidele.

Arengu algus

1648. aastal saavutas Holland iseseisvuse, kuid uue riigi moodustamiseks pidi Holland taluma Hispaania kättemaksu, mis hävitas tollases Flaami Antwerpeni linnas umbes 10 tuhat inimest. Veresauna tagajärjel emigreerusid Flandria elanikud Hispaania võimude kontrolli all olevatelt aladelt.

Sellest lähtuvalt oleks loogiline tõdeda, et Hollandi sõltumatute kunstnike tõuke andis just flaami loomingulisus.

Alates 17. sajandist on toimunud nii riiklik kui ka kunstiharu, mis viib kahe rahvuse järgi piiritletud kunstikoolkonna kujunemiseni. Neil oli ühine päritolu, kuid märkide poolest erinesid nad üsna palju. Kui Flandria jäi katoliikluse tiibade alla, siis Holland koges alates 17. sajandist täiesti uut õitsengut.

Hollandi kultuur

17. sajandil asus uus riik alles oma arenguteele, katkestades täielikult sideme möödunud ajastu kunstiga.

Võitlus Hispaaniaga vaibus tasapisi. Rahvaringkondades hakati rahvuslikku meelsust jälgima, kui lahkuti varem võimude poolt peale surutud katoliku usust.

Protestantlik domineerimine suhtus kaunistustesse vastuoluliselt, mis tõi kaasa usuteemalise töö vähenemise ja mängis hiljem ainult ilmaliku kunsti kätte.

Kunagi varem pole tegelikku ümbritsevat reaalsust piltidel nii sageli kujutatud. Hollandi kunstnikud soovisid oma töödes näidata tavalist igapäevaelu ilma kaunistusteta, rafineeritud maitseid ja õilsust.

Ilmalik kunstiplahvatus tõi kaasa sellised arvukad suundumused nagu maastik, portree, igapäevane žanr ja natüürmort (mille olemasolust ei teadnud isegi kõige arenenumad Itaalia ja Prantsusmaa keskused).

Hollandi kunstnike endi nägemus realismist, mis väljendub portreedes, maastikes, sisetöödes ja natüürmortimaalides, tekitas selle oskuse vastu huvi kõigis ühiskonnasektorites.

Seega hollandlased kunst XVII sajand sai hüüdnime "Hollandi maalikunsti kuldajastu", mis kindlustas Hollandi maalikunsti silmapaistvaima ajastu staatuse.

Oluline teada: on olemas eksiarvamus et Hollandi koolkond kujutas ainult keskpärasust inimene, kuid tolleaegsed meistrid lõhkusid jultunult raamistiku oma fantastiliste teoste abil (näiteks Blumarti "Maastik Ristija Johannesega").

17. sajandi Hollandi kunstnikud. Rembrandt

Rembrandt Harmensz van Rijni peetakse üheks Hollandi suurimaks kunstitegelaseks. Lisaks kunstniku tegevusele tegeles ta ka graveerimisega ja teda peeti õigusega chiaroscuro meistriks.

Tema pärand on rikas individuaalse mitmekesisuse poolest: portreed, žanristseenid, natüürmordid, maastikud, aga ka maalid ajaloo, religiooni ja mütoloogia teemadel.

Tema võime hallata chiaroscurot võimaldas suurendada inimese emotsionaalset väljendusvõimet ja vaimsust.

Portreede kallal töötades tegeles ta inimeste näoilmetega.

Seoses südantlõhestavate traagiliste sündmustega täitus tema hilisemaid teoseid hämar valgus, mis paljastas inimeste sügavad tunded, mille tulemusena geniaalne töö kedagi ei huvitanud.

Sel ajal oli moes väline ilu ilma igasuguste sügavusse sukeldumiskatseteta, aga ka otse realismiga vastuolus olev naturalism.

Maali "Kadunud poja tagasitulek" saab oma silmaga näha iga vene amatöör kujutav kunst, sest see töö asub Ermitaažis Peterburis.

Frans Hals

Frans Hals on suurepärane Hollandi kunstnik ja suur portreemaalija, kes aitas tutvustada vaba kirjutamise žanri vene kunstis.

Talle tuntust toonud teos oli 1616. aastal kirjutatud maal nimega "Püha Jüri laskurkompanii ohvitseride bankett".

Tema tolleaegne portreetöö oli liiga loomulik, mis ei sobinud tänapäevaga. Kuna kunstnik jäi arusaamatuks, lõpetas ta nagu suur Rembrandt oma elu vaesuses. Mustlasnaine (1625-1630) on üks tema kuulsamaid teoseid.

Jan Steen

Jan Steen on esmapilgul üks vaimukamaid ja lõbusamaid Hollandi kunstnikke. Naerutades sotsiaalseid pahesid, meeldis talle kasutada sotsiaalse satiiri oskust. Ta, lõbustades vaatajat kahjutu, naljakad pildid nautlejad ja kerge voorusega daamid, hoiatasid tegelikult sellise elustiili eest.

Kunstnikul oli ka rahulikumaid maale, näiteks teos "Hommikukäimla", mis tundus esmapilgul täiesti süütu aktsioon. Kui aga detaile tähelepanelikult vaadata, võib nende paljastus olla üsna üllatunud: need on jäljed sukkadest, mis varem jalgu pigistasid, ja öösel millegi sündsusetuga täidetud pott, aga ka koer, kes lubab endale õigust perenaise padjal.

Enda tööde paremikus edestas kunstnik kolleegidest elegantselt osava värvipalettide kombineerimise ja varjude valdamise poolest.

Teised Hollandi kunstnikud

Selles artiklis loetleti kümnetest inimestest vaid kolm säravat inimest, kes on väärt nendega samas loendis samaväärset seismist:

Niisiis tutvusite selles artiklis 17. sajandi Hollandi kunstnike ja nende loominguga.