Vene teatri tekkimise ajalugu

Sissejuhatus

Vene teatri ajalugu on jagatud mitmeks põhietapiks. Algne mänguline etapp saab alguse hõimuühiskonnast ja lõpeb 17. sajandiks, mil koos uue perioodiga Venemaa ajaloos algab teatri arengus uus, küpsem etapp, mis kulmineerub püsiva riigi loomisega. kutseline teater 1756. aastal.

Mõisted “teater”, “draama” jõudsid vene sõnaraamatusse alles 18. sajandil. AT XVII lõpp sajandeid kasutati terminit "komöödia" ja kogu sajandi jooksul - "lõbus" (Lõbus kapp, lõbustuskamber). Rahvamassides eelnes terminile "teater" sõna "häbi", mõistele "draama" - "mäng", "mäng". Vene keskajal olid levinud nende sünonüümid - "deemonlikud" või "saatanlikud", puhvismängud. Igasugused kurioosumid, mille välismaalased tõid 16. XVII sajandil ja ilutulestik. Lõbusaks nimetati ka noore tsaari Peeter I sõjalisi ameteid. Selles mõttes nimetati nii pulmi kui ka riietumist “mänguks”, “mänguks”. Muusikariistade puhul on “mäng” hoopis teistsugune tähendus: tamburiinide mängimine, nuuskamine jne. Suulise draama mõisted “mäng” ja “mäng” säilisid rahva seas kuni 19.-20.

Rahvakunst

Vene teater sai alguse iidsetest aegadest. Selle päritolu ulatub rahvakunst- rituaalid, sellega seotud pühad töötegevus. Aja jooksul kaotasid riitused oma maagilise tähenduse ja muutusid esinemismängudeks. Neis sündisid teatri elemendid - dramaatiline tegevus, maskeering, dialoog. Edaspidi muutusid lihtsamad mängud rahvadraamadeks; need loodi kollektiivse loovuse käigus ja hoiti inimeste mälus, kandes edasi põlvest põlve.

Arengu käigus mängud eristusid, lagunesid omavahel seotud ja samas üha kaugemateks sortideks - draamadeks, rituaalideks, mängudeks. Neid viis kokku vaid see, et nad kõik peegeldasid tegelikkust ja kasutasid sarnaseid väljendusviise – dialoogi, laulu, tantsu, muusikat, maskeeringut, maskeeringut, näitlemist.

Mängud sisendasid dramaatilist loovust.

Mängud peegeldasid algselt otse hõimude kogukonna organisatsiooni: neil oli ümartantsu, kooriline iseloom. Ringtantsumängudes on koori- ja dramaatiline loovus. Mängulisi kujundeid aitasid iseloomustada mängudesse ohtralt kaasatud laulud ja dialoogid. Mängulise iseloomuga oli ka massimälestusi, mis olid ajastatud kevadega kokku ja kutsuti “näkideks”. XV sajandil määratleti mõiste "Venemaa" sisu järgmiselt: deemonid inimese kujul. Ja juba 1694. aasta Moskva “Azbukovnik” määratleb näkid kui “puhujamängud”.

Meie kodumaa rahvaste teatrikunst saab alguse rituaalidest ja mängudest, rituaalsetest tegevustest. Feodalismi ajal viljelesid teatrikunsti ühelt poolt "rahvamassid", teiselt poolt feodaalne aadel ja vastavalt diferentseeriti härjasid.

Aastal 957 suurhertsoginna Olga tutvub Konstantinoopoli teatriga. Hipodroomi etteasteid on kujutatud 11. sajandi viimase kolmandiku Kiievi Sofia katedraali freskodel. Aastal 1068 mainiti pööblit esimest korda annaaalides.

Kiievi-Vene teadis kolme tüüpi teatrit: õukonna-, kiriku-, rahvateatreid.

buffoonery

Vanim "teater" oli rahvanäitlejate – pättide mängud. Häbelikkus on keeruline nähtus. Buffoonid peeti omamoodi mustkunstnikeks, kuid see on ekslik, sest rituaalides osalevad buffoonid mitte ainult ei suurendanud oma religioosset ja maagilist iseloomu, vaid, vastupidi, tutvustasid maist, ilmalikku sisu.

Buffoon, st laulge, tantsige, tehke nalja, mängige sketse, mängige edasi Muusikariistad ja näitlema ehk kujutama mingit inimest või olendit võiks igaüks. Aga vaid see, kelle kunst oma artistlikkusega massikunsti tasemest kõrgemale paistis, sai ja seda kutsuti puhtmeistriks.

Paralleelselt rahvateatriga arenes välja professionaalne teatrikunst, mille kandjateks Vana-Venemaal olid pätid. Nukuteatri ilmumine Venemaale on seotud nukumängudega. Esimesed kroonikateave pühvlite kohta langevad ajaliselt kokku sellega, et Kiievi Sofia katedraali seintele ilmusid pühvlite esinemisi kujutavad freskod. Kroonik munk nimetab härjajaid kuraditeenijateks ja toomkiriku seinu maalinud kunstnik leidis, et on võimalik lisada ka nende kujutis kirikukaunistustesse koos ikoonidega. Buffoonid olid seotud massidega ja üks nende kunstiliikidest oli "kumm", see tähendab satiir. Skomorohhove nimetatakse "lollideks", see tähendab pilkadeks. Naljakas, mõnitamine, satiir on ka edaspidi kindlalt pättidega seotud.

Ilmalik pättide kunst oli kiriku- ja vaimuliku ideoloogia suhtes vaenulik. Kirikumeeste vihkamisest pättide kunsti vastu annavad tunnistust kroonikute ülestähendused (“Möödunud aastate lugu”). 11.–12. sajandi kirikuõpetus kuulutab, et maskeering, mida pätid kasutavad, on samuti patt. Eriti tugeva tagakiusamise alla sattusid pätid aastatel Tatari ike kui kirik hakkas intensiivselt jutlustama askeetlikku eluviisi. Ükski tagakiusamine ei ole rahva hulgast välja juurinud puhmikukunsti. Vastupidi, see arenes edukalt ja selle satiiriline nõelamine muutus üha teravamaks.

Kunstiga seotud käsitööd tunti Vana-Venemaal: ikoonimaalijad, juveliirid, puu- ja luunikerdajad ning raamatukirjutajad. Puffoonid kuulusid nende hulka, olles "kavalad", laulu, muusika, tantsu, luule, draama "meistrid". Kuid neid peeti ainult lõbusateks ja naljakateks inimesteks. Nende kunst oli ideoloogiliselt seotud rahvamassidega, käsitöölistega, tavaliselt vastandudes valitsevale massile. See muutis nende oskused mitte ainult kasutuks, vaid ka feodaalide ja vaimulike seisukohalt ideoloogiliselt kahjulikuks ja ohtlikuks. Kristliku kiriku esindajad asetasid tarkade ja ennustajate kõrvale puhvrid. Rituaalides ja mängudes pole ikka veel jagunemist esinejateks ja pealtvaatajateks; neil puuduvad arenenud süžeed, reinkarnatsioon kujutiseks. Need esinevad teravatest sotsiaalsetest motiividest läbi imbunud rahvadraamas. FROM rahvadraama seotud suulise pärimuse piirkondlike teatrite tekkega. Nende rahvateatrite näitlejad (buffoonid) mõnitasid võimulolijaid, vaimulikud, rikkad, näitasid kaastundlikult tavainimesi. Esindus rahvateater olid üles ehitatud improvisatsioonile, sisaldasid pantomiimi, muusikat, laulu, tantsu, kirikunumbreid; esinejad kasutasid maske, meiki, kostüüme, rekvisiite.

Buffoonide esinemise iseloom ei nõudnud esialgu nende ühendamist suurtesse rühmadesse. Muinasjuttude, eeposte, laulude esitamiseks, pillimänguks piisas vaid ühest esinejast. Buffoonid lahkuvad kodudest ja rändavad tööd otsides mööda Venemaa maad, kolivad küladest linnadesse, kus nad teenindavad mitte ainult maa-, vaid ka linnaelanikke ja mõnikord ka vürstiõukondi.

Hullu meelitasid ka rahvalikud õukonnaetendused, mis Bütsantsi ja selle õukonnaeluga tutvumise mõjul paljunes. Kui Moskva õukonnas korraldati lõbustuskapp (1571) ja lõbustuskamber (1613), sattusid pätid seal õukonnanarride positsioonile.

Hullide esindused ühinesid erinevad tüübid kunst: ja tegelikult dramaatiline, ja kirik ja "erinevus".

Kristlik kirik vastandas rahvamängudele ja pätikunstile rituaalse kunsti, mis oli küllastunud religioossetest ja müstilistest elementidest.

Professionaalseks teatriks pättide etendused ei arenenud. Teatritruppide sünniks polnud tingimusi – võimud ju kiusasid pätid taga. Kirik kiusas taga ka pätte, pöördudes abi saamiseks ilmalike võimude poole. Hullide vastu saadeti XV sajandi Trinity-Sergius kloostri harta, XVI sajandi alguse põhikiri. Kirik seadis pätid visalt ühte ritta paganliku maailmavaate kandjatega (mustkunstnikud, nõiad). Ja ometi elasid puhmasetendused edasi, arenes rahvateater.

Samal ajal võttis kirik kasutusele kõik abinõud oma mõju avaldamiseks. See väljendus liturgilise draama arengus. Mõned liturgilised draamad jõudsid meieni koos kristlusega, teised 15. sajandil koos äsja vastu võetud “suurkiriku” piduliku hartaga (“Rongkäik maapinnal”, “Jalgade pesemine”).

Vaatamata teatraalsete ja suurejooneliste vormide kasutamisele ei loonud vene kirik oma teatrit.

17. sajandil püüdis Simeon Polotsklane (1629-1680) luua liturgilise draama baasil kunstilist draamat. kirjanduslik draama See katse osutus üksikuks ja tulutuks.

17. sajandi teatrid

17. sajandil kujunesid välja esimesed suulised draamad, süžeelt lihtsad, kajastades rahvameeleolusid. Nukukomöödia Petruškast (tema eesnimi oli Vanka-Ratatouille) jutustas nutika lõbusa kaaslase seiklustest, kes ei kartnud maailmas midagi. Teater tekkis tõesti 17. sajandil – õukond ja kooliteater.

õukonnateater

Õukonnateatri tekkimise tingis õukonnaaadli huvi selle vastu Lääne kultuur. See teater ilmus Moskvas tsaar Aleksei Mihhailovitši juhtimisel. Näidendi "Artaxerxese tegevus" (piibli Estri lugu) esmaesitus toimus 17. oktoobril 1672. aastal. Esialgu polnud õukonnateatril oma ruume, dekoratsioone ja kostüüme kanti paigast paika. Esimesed etendused lavastas saksa asundusest pärit pastor Gregory, näitlejad olid samuti välismaalased. Hiljem hakati vene "noorte" vägisi värbama ja koolitama. Nende palka maksti ebaregulaarselt, kuid dekoratsioonide ja kostüümidega nad ei koonerdanud. Etteasted paistis silma suure hiilgusega, mida mõnikord saatis pillimäng ja tants. Pärast tsaar Aleksei Mihhailovitši surma õukonnateater suleti ja etendused jätkusid alles Peeter I juhtimisel.

kooliteater

Lisaks õukonnateatrile tegutses Venemaal 17. sajandil kooliteater ka Slaavi-Kreeka-Ladina Akadeemias, teoloogilistes seminarides ja koolides Lvovis, Tiflises ja Kiievis. Näidendid kirjutasid õpetajad ja õpilased lavastasid ajaloolised tragöödiad, Euroopa imedele lähedased allegoorilised draamad, vahepalad - satiirilised argistseenid, milles protesteeriti sotsiaalsüsteemi vastu. Kooliteatri vahepalad panid aluse komöödiažanrile rahvusdramaturgias. Kooliteatri alguses oli kuulus poliitiline tegelane, näitekirjanik Simeon Polotski.

Õukonnakooliteatri ilmumine laiendas Vene ühiskonna vaimse elu ulatust.

18. sajandi alguse teater

Peeter I käsul loodi 1702. aastal avalik teater, mis oli mõeldud laiale avalikkusele. Spetsiaalselt tema jaoks, mitte Moskva Punasele väljakule, ehitati hoone - "Komöödia tempel". Seal andis etendusi Saksa trupp I. Kh. Kunst. Repertuaaris olid välismaised näidendid, mis avalikkuse ette ei osutunud, ning teater lakkas eksisteerimast 1706. aastal, kuna Peeter I toetused lõppesid.

Järeldus

Uus lehekülg ajaloos etenduskunstid Meie kodumaa rahvad avasid pärisorjuste ja amatöörteatrid. Alates 18. sajandi lõpust eksisteerinud pärisorjatruppides lavastati vodevilli, koomilisi oopereid ja ballette. Pärisorjateatrite baasil tekkisid mitmetes linnades eraettevõtted. Vene teatrikunst mõjutas soodsalt meie kodumaa rahvaste professionaalse teatri kujunemist. Esimeste kutseliste teatrite truppides olid andekad amatöörid – demokraatliku intelligentsi esindajad.

Teater saavutas Venemaal 18. sajandil tohutu populaarsuse, sai laiade masside omandiks, teiseks inimeste vaimse tegevuse avalikuks sfääriks.

vene keel teatri loomingulisust tekkis ürgse kommunaalsüsteemi ajastul ning on maalist ja arhitektuurist suuremal määral seotud rahvakunstiga. Pinnas, millele selle algsed elemendid ilmusid, oli tootmistegevus Slaavlased, kes rahvapärased rituaalid ja pühad muutsid selle keeruliseks dramaatilise kunsti süsteemiks.

Folklooriteater slaavi maades eksisteerib tänaseni. Pulmad, matused, põllumajandusfestivalid on keerulised rituaalid, mis mõnikord kestavad mitu päeva ja kasutavad selliseid rituaale laialdaselt. teatrielemendid dramaatilise tegevusena, laulmine, tants, kostüüm, maastik (kosjasobitaja, pruudi riietus, ringtantsud, rituaal või meelelahutusmängud jne.). Muistsed slaavlased peegeldasid ka maailma paganlusele iseloomulikku surnud looduse ülestõusmise püha.

Pärast ristiusu vastuvõtmist vähenes oluliselt rahvamängude roll ühiskonnaelus (kirik kiusas taga paganlust). Teatraalne rahvakunst aga elas kuni 20. sajandini. Algul olid selle kandjad pätid. Rahvamängudel esitati populaarseid "mummide mänge", "surnud" etteasteid "õpitud karuga". Rahvateater andis Petruška teatri.

Lemmikud Venemaal olid nukuetendused- jõulusõim, hiljem rajoon (Ukraina), lõunas ja läänes - batleiki (Valgevene). Need etteasted anti ülemise ja alumise astme vahel jagatud puidust kasti abil. Ülemisel korrusel mängiti teemal tõsine osa etendusest piibli lugu Kristuse ja kuningas Heroodese sünnist. Alumisel korrusel näidati igapäevaseid koomilisi ja satiirilisi stseene, mis meenutasid paljuski Petruška teatrit. Järk-järgult vähenes sõimeesinemise tõsine osa ja teine ​​osa kasvas, millele lisandusid uued koomilised stseenid. ja kahekorruselisest kastist sai võrevoodi ühekorruseline.

Kuni 17. sajandini oli teatraalsus Venemaal selle orgaaniline komponent rahvapärased rituaalid, kalendripühad, mängiti ringtantse. Selle elemendid kaasati jumalateenistusse ja siin hakkab ilmaliku printsiibi tugevnedes Vene ühiskonnas kujunema professionaalne teater.

Esialgu tekkisid liturgilised etteasted. Need on üsna keerukad teatrietendused, mida kasutatakse jumalateenistuste mõju suurendamiseks ning riigi- ja kirikuvõimude ühtsuse ülistamiseks. Tuntud on "pliitaktsioon" (kuningas Nebukadnetsari veresauna lavastus kristlaste üle) ja "eesli seljas kõndimine" (Piibli süžee joonistamine palmipuudepühal).

17. sajandi õukonna- ja kooliteatrid aitasid kaasa teatriäri edasisele arengule Venemaal. Isegi tsaar Aleksei Mihhailovitši ajal hakkasid õukonnapidustused, vastuvõtud, tseremooniad kujunema suure teatraalsusega – ilmekalt ja suurejooneliselt. Esimene Vene professionaalne komöödiateater oli õukonnateater ja üks tsaari reguleeritud “lõbudest”. Seda juhtis 1662. aastal Moskva Saksa kvartalis asuva luterliku ohvitserikiriku teoloogiamagister, pastor ja koolijuhataja I. Gregory. Sama hoone avati 1672. aastal Preobraženski külas näidendiga "Artaxerxes Action".

Kooliteatri tekkimist Venemaal seostatakse koolihariduse arenguga. Lääne-Euroopas tekkis see 12. sajandil humanistlikes koolides omamoodi pedagoogilise tehnikana ning täitis esialgu vaid õpetamise ja kasvatustöö eesmärke. Ta aitas õpilastel mängu vormis omandada erinevaid teadmisi: ladina keel ja piibliained, poeetika ja oratoorium. 16. sajandil hakati kooliteatri vaimse mõju võimalusi kasutama religioossetel ja poliitilistel eesmärkidel: Lutheri poolt võitluses katoliiklastega, jesuiidid luterluse ja õigeusu vastu. Venemaal kool teatrit kasutas õigeusk võitluses roomakatoliku mõju vastu. Selle tekkele aitas kaasa Kiievi-Mohyla Akadeemia lõpetanud munk, haritud inimene, poliitik, pedagoog ja luuletaja Simeon Polotski. 1664. aastal tuli ta Moskvasse ja temast sai õukonnas kuninglike laste kasvataja. Tema teoste kogus "Rhymologion" ilmus kaks näidendit - "Komöödia kuningas Novkhudonosorist, kullakehast ja kolmest ahjus põletamata noorukist" ja komöödia "Tähendamissõna kadunud poeg».

S. Polotski näidendid on oma olemuselt mõeldud õukonnateatrile. Nad on oma teenete poolest paremad. koolilavastused tolle aja kohta ja prognoosida XVIII sajandi teatri arengut. Seega "komöödiatempli" toimimine ja esimese professionaali tekkimine dramaatilised teosed S. Polotski oli maailma saavutuste valdamise ajalooliselt vajaliku ja loomuliku protsessi algus teatrikultuur Venemaal.

Simeon Polotsky polnud mitte ainult andekas luuletaja ja näitekirjanik. Maailma kunstikultuuris mängis ta probleeme arvestades märkimisväärset rolli suurima slaavi kunstiteoreetikuna kunstiline loovus- Kirjandus, muusika, maalikunst. Teoloogina märkis ta, et kunst on kõrgeim vaimne loovus. Talle omistas ta luule, muusika ja maalikunsti.

Huvitavad on S. Polotski esteetilised ja harivad vaated kunstile. Munk väitis, et ilukunst "on inimestele vaimne ja vaimne kasu". Tema mõttekäigu järgi pole luulet, maali, muusikat ilma harmoonia, proportsiooni ja rütmita. Ilma kunstita pole haridust, sest selle mõju kaudu inimeste hinge surutakse negatiivsed emotsioonid välja. positiivseid tundeid. Läbi muusika ja sõnade ilu saavad rahulolematud kannatlikud, laisad töötegijad, rumalad targaks, räpased südamelt puhtaks.

S. Polotsky lõi esimese klassifikatsiooni slaavi piirkonnas kujutav kunst, tõstes maalikunsti Seitsmesse vabad kunstid. Sama kehtib ka muusika kohta. Ta põhjendas selle esteetilist väärtust ja tõestas mitmehäälse laulu kiriku vajalikkust harmoonilises häältekombinatsioonis. Muusika modaal-tonaalset mitmekesisust, märkis S. Polotski, dikteerib selle kasvatuslik funktsioon.

blog.site, materjali täieliku või osalise kopeerimisega on nõutav link allikale.

slaid 1

Ringtantsust putkasse Munitsipaalõppeasutuse keskkool nr 8, Severomorsk - 3, Murmanski oblast

slaid 2

slaid 3

Vanasti oli Venemaal ringtants populaarne rahvamäng. Ta peegeldas mitmesuguseid elunähtusi. Toimusid armastus-, sõjaväe-, pere-, töötantsud ... Teame kolme tüüpi ringtantsu:

slaid 4

Ringtantsumängudes liideti orgaaniliselt koori- ja dramaturgiline algus. Sellised mängud algasid tavaliselt "määratud" lauludega ja lõppesid "kokkupandavate" lauludega ning lugusid eristas selge rütm. Seejärel muutustega struktuuris hõimukogukond, muutusid ka ringtantsumängud. Ilmusid solistid-liidrid (valgustid) ja näitlejad (näitlejad). Näitlejaid ei olnud tavaliselt rohkem kui kolm. Samal ajal, kui koor laulu laulis, esitasid nad selle sisu. On olemas arvamus, et just nendest näitlejatest said esimeste buffoonide asutajad.

slaid 5

Vene tants on rahvamängude ja pidustuste lahutamatu osa. Teda on alati seostatud lauluga. See kombinatsioon oli üks peamisi väljendusvahendid rahvateater. Juba iidsetest aegadest on vene rahvatants põhinenud ühelt poolt võistlevate partnerite julgusel ja teisalt liigutuste ühtsusel, sujuvusel.

slaid 6

Vene tants sündis paganlikest riitustest. Pärast 11. sajandit, professionaalsete puhvisnäitlejate tulekuga, muutus ka tantsu iseloom. buffoonid omavad edasijõudnud tehnoloogia tants; tekkisid pühvlite-tantsijate sordid. Kohal olid pätid-tantsijad, kes mitte ainult ei tantsinud, vaid mängisid tantsu abil ka pantomiimietendusi, mis olid enamasti improviseeritud. Ilmusid tantsijad-tantsijad, tavaliselt olid nad pättide naised. Vene tants

Slaid 7

Tants on erinevates teatrivormides hõivanud suure koha. Ta ei saanud osa mitte ainult mängudest ja pidustustest, vaid ka etendustest. nukuetendus Petrushki täitis sageli koolidraama osade vahelise pausi. Paljud vene tantsu traditsioonid on säilinud tänapäevani.

Slaid 8

Juhtkarusid on allikates mainitud alates 16. sajandist, kuigi on võimalik, et nad ilmusid palju varem. Austav suhtumine sellesse metsalisesse sai alguse paganlikest aegadest. Karu on eellane. Ta on tervise, viljakuse, õitsengu sümbol, ta on tugevam kui kurjad vaimud.

Slaid 9

Karu peeti põnnidest pere toitjaks, selle täisliikmeks. Selliseid kunstnikke kutsuti nime ja isanime järgi: Mihhailo Potapych või Matrena Ivanovna. Oma etteastetes kujutasid giidid tavaliselt elu tavalised inimesed, vahetekstid olid erinevatel igapäevastel teemadel. Omanik küsis näiteks: "Ja kuidas, Miša, väikesed lapsed käivad herneid varastamas?" - või: "Ja kuidas naised tasapisi meistritöö juurde rändavad?" - ja metsaline näitas seda kõike. Etenduse lõpus tegi karu mitmeid õpitud liigutusi ning omanik kommenteeris neid.

slaid 10

19. sajandi "karukomöödia" koosnes kolmest põhiosast: esiteks karu tants "kitsega" (kitse kujutas tavaliselt poiss, kes pani koti pähe; pulk kitsepeaga ja ülevalt torgati kotist sarved läbi, pähe kinnitati puukeel, mille plaksutamisest kostis kohutavat häält), siis tuli metsalise esinemine giidi naljade all ja siis tema võitlus "kits" või omanik. Esimesed selliste komöödiate kirjeldused pärinevad aastast XVIII sajand. See käsitöö eksisteeris pikka aega, kuni eelmise sajandi 30. aastateni.

slaid 11

Juba iidsetest aegadest oli paljudes Euroopa riikides kombeks jõuludeks kiriku keskele püstitada sõim Neitsi, beebi, karjase, eesli ja härja kujukestega. Tasapisi kasvas see komme omamoodi teatrietenduseks, mis jutustas nukkude abil kuulsaid evangeeliumilegende Jeesuse Kristuse sünnist, maagide kummardamisest ja julmast kuningas Heroodesest. Jõululavastus levis hästi katoliiklikes maades, eriti Poolas, kust see kolis Ukrainasse, Valgevenesse ja seejärel veidi muudetud kujul Vilikorossiasse.

slaid 12

Kui jõulukomme läks kaugemale katoliku kirik, omandas ta nimetuse jõulusõim (vanaslaavi ja vanavene - koobas). See oli nukuetendus. Kujutage ette kasti, mis on seest kaheks korruseks jagatud. Kasti ülaosa lõppes katusega, avatud pool avalikkuse poole. Katusel on kellatorn. Sellele asetati klaasi taha küünal, mis etenduse ajal põles, andes tegevusele maagilise, salapärase iseloomu. Hälliteatri nukud tehti puust või kaltsudest ja kinnitati varda külge. Varda alumist osa hoidis nukunäitleja, nii et nukud liikusid ja isegi pöördusid. Nukunäitleja ise oli peidetud kasti taha. Koopa ülemisel korrusel mängiti välja piibli lood, põhjas - maise: igapäevane, koomiline, mõnikord sotsiaalne. Ja alumisele korrusele mõeldud nukkude komplekt oli tavaline: mehed, naised, kurat, mustlased, sandarm ja lihtne mees osutusid alati sandarmist kavalamaks ja targemaks. Just Sündimisteatrist sündis hiljem rahva seas nii populaarne Petruška teater.

slaid 13

Kõik tantsivad, kuid mitte nagu pätid, ”ütleb vene vanasõna. Tõepoolest, paljud oskasid mänge mängida, kuid mitte kõik ei saanud olla professionaalsed pätid. Professionaalsete pättide seas oli rahva lemmik nukuteatri näitleja ja kõige populaarsem komöödia Petruškast. Petrushka on nii etenduse andnud pättide kui ka publiku lemmikkangelane. See on hulljulge ja kiusaja, kes säilitas igas olukorras huumorimeele ja optimismi. Ta pettis alati rikkaid ja võimu ning meeleavalduse eestkõnelejana nautis ta publiku toetust.

slaid 14

Sellises teatrietendus korraga tegutsesid kaks kangelast (vastavalt nukunäitleja käte arvule): Petruška ja ravitseja, Petruška ja politseinik. Süžeed olid kõige levinumad: Petruška abiellub või ostab hobuse jne. Ta osales alati konfliktne olukord, samas kui Petruška kättemaksud olid üsna julmad, kuid avalikkus ei mõistnud teda selle eest kunagi hukka. Etenduse lõpus tabas Petruškat sageli “taevalik karistus”. Petrushka nukuteater oli kõige populaarsem 17. sajandil.

slaid 15

Alates 18. sajandi lõpust võis sageli näha eredalt riides mees, kes kandis kaunistatud karpi (rayok) ja karjus valjult: "Tulge siia minuga vestlema, ausad inimesed ja poisid ja tüdrukud, ja hästi tehtud ja hästi tehtud, ja kaupmehed ja kaupmehed, ja ametnikud ja ametnikud, ja ametnikud ja jõude. nautlejad. Näitan teile igasuguseid pilte: nii härrasmehed kui lambanahksetes kasukates mehed ja teie kuulate tähelepanelikult nalju ja erinevaid nalju, sööte õunu, näksite pähkleid, vaatate pilte ja hoolitsete oma taskute eest. Nad petavad." Rayok

slaid 16

Raek tuli meile Euroopast ja läheb tagasi suurte panoraamide juurde. Kunstiteadlane D. Rovinsky raamatus „Vene rahvapildid” kirjeldab seda nii: „Raek on väike kast, igas suunas arshin, ees kaks suurendusklaasi. Selle sees on ühest liuväljast teise keritud pikk riba, millel on omakasvatatud pildid erinevatest linnadest, toredatest inimestest ja sündmustest. Pealtvaatajad, "kärbist kopikas", vaatavad klaasi. Rayoshnik liigutab pilte ja ütleb igale uuele numbrile ütlusi, sageli väga keerukaid.

slaid 17

Raek oli rahva seas väga populaarne. Selles võis näha nii Konstantinoopoli panoraami kui ka Napoleoni surma, St. Peeter Roomas ja Aadam oma pere, kangelaste, päkapikkude ja veidrikutega. Pealegi ei näidanud elanik lihtsalt pilte, vaid kommenteeris nendel kujutatud sündmusi, kritiseerides sageli võimu ja kehtivat korda, ühesõnaga puudutades kõige põletavamaid probleeme. Laadameelelahutusena eksisteeris rayek kuni 19. sajandi lõpuni.

slaid 18

Ükski laat 18. sajandil ei olnud ilma boksita. Teatrikabiinidest saavad selle ajastu lemmiksaated. Need olid ehitatud otse platsile ja putka kaunistamise järgi sai kohe aru, kas selle omanik on rikas või vaene. Tavaliselt ehitati need laudadest, katus tehti lõuendist või linast.

slaid 19

Sees oli lava ja eesriie. Tavalised pealtvaatajad istusid pinkidele ja etenduse ajal söödi erinevaid maiustusi, sõõrikuid ja isegi kapsasuppi. Hiljem ilmus putkadesse päris auditoorium kioskite, öömajadega, orkestri auk. Väljas kaunistati putkasid vanikute, siltide ja gaasivalgustuse ilmnemisel gaasilampidega. Trupp koosnes tavaliselt professionaalsetest ja rändnäitlejatest. Nad andsid kuni viis etendust päevas. Teatrikabiinis sai näha arlekinaadi, trikke, vahepalasid. Siin esinesid lauljad, tantsijad ja lihtsalt "võõrad" inimesed. Populaarne oli inimene, kes jõi tulist vedelikku, ehk "Aafrika kannibal", kes sööb tuvisid. Kannibal oli tavaliselt vaiguga määritud kunstnik ja tuvi oli kard koos kotitäie jõhvikatega. Loomulikult laat koos teatriputkaga lihtsad inimesed alati oodanud.

slaid 20

Seal olid ka tsirkuseputkad, nende näitlejad olid "kõigi ametite jack". Yu. Dmitriev tsiteerib raamatus “Tsirkus Venemaal” sõnumit koomikute saabumisest Hollandist, kes “kõnnivad köiel, tantsivad, hüppavad õhus, trepil, hoiavad kinni millestki, mängivad viiulit ja trepist üles kõndides, tantsides, tohutult kõrgele hüppamas ja muid hämmastavaid asju tegemas. Sest aastat putkad muutsid oma olemasolu, et XIX lõpus sajandite jooksul kadusid nad peaaegu igaveseks vene teatri ajaloost.

slaid 21

1672 - algasid tsaar Aleksei Mihhailovitši õukonnatrupi etendused

slaid 22

1702 – esimene Venemaa avalik teater Punasel väljakul. Pidulikud rongkäigud, ilutulestikud, maskeraadid, kogunemised muutuvad populaarseks

slaid 23

Selline nägi välja Jaroslavli teater 1909. aastal. 1911. aastal nimetati ta Fjodor Volkovi järgi

Sergiev Posad Zakharova Vsevolod 15. keskkooli 10. klassi õpilane 1) Kutselise teatri tekkimine 2) Vanavene keel muusikaline kultuur 3) teabeallikad 1) paljastada professionaalse teatri tekkimise tunnused Venemaal, 2) paljastada muusikakultuuri kujunemise tunnused muistsest Venemaast Venemaani, 3) aidata kaasa õpilaste vaimse kultuuri kujunemisele, huvi ja austus meie riigi kultuuri vastu. Tsaar Aleksei Mihhailovitš Kutselise vene teatri alused pandi paika 17. sajandi teisel poolel. Tavaliselt omistatakse selle tekkele 1672. aastat, mil esimene õukonnateatri etendus esitati tsaar Aleksei Mihhailovitšile - rahva "lõbude" tagakiusajale ning suurepäraste vaatemängude ja meelelahutuse armastajale. Valgustatud bojaar Artamon Sergeevich Matveev sai euroopaliku teatri loomise algatajaks. Näitekirjanikuks määrati Moskva luteri kiriku saksa pastor Johann Gottfried Gregory - haritud mees, kirjandusandekas ning vajalike teadmistega saksa ja hollandi teatri vallas. Teater ehitati kiiruga Moskva lähedale, Preobraženski külla tsaari residentsi. Amfiteatris asuva “komöödiamõisa” auditoorium jäi lavale alla, kuid oli rikkalikult kaunistatud: seinad ja põrand olid polsterdatud karmiinpunase, punase ja rohelise riidega, nende “järgu ja auastmega” publikut paigutati, osa neist seisis laval. Kuninganna ja printsesside jaoks paigutati spetsiaalsed kastid - traditsioonide järgi "puurid", mis eraldati auditooriumist võrega. Esimene etendus “komöödiamõisa” laval oli näidend “Esther ehk Artaxerxese tegevus”. Näidendi süžee aluseks oli piibellik lugu Esterist – alandlikust kaunitarist, kes pälvis Pärsia kuninga Artaxerxese tähelepanu ja päästis oma rahva surmast, saades oma naiseks. Etendus kestis kümme tundi, kuid kuningas vaatas kõik lõpuni ja jäi väga rahule. "Komöödiamõisas" lavastati veel kümme näidendit: "Judith", "Hale komöödia Aadamast ja Eevast", "Joosep" jt, religioossetel ja ajaloolistel teemadel. Õukonnaetendusi korraldati mastaapselt ja luksuslikult, kuna need pidid peegeldama kuningliku õukonna hiilgust ja rikkust. Kostüümid valmistati kallitest kangastest. Etendustes kasutati laialdaselt muusikat, laulu ja tantsu. Sageli kõlasid orel, pillid ja muud pillid. Igal etendusel oli tõstetav maastik ja külgtiivad. Lavatehnika abil rakendati erinevaid efekte. Õukonnateatri näidendite esmaesitlejad olid valdavalt Saksa kvartali näitlejad ja ainult mehed. 17. sajandi lõpus asendus “riiklik meelelahutus” kooliteatriga (mis korraldati mõne õppeasutuse juures), tuginedes Poola ja Ukraina teatrite rikkalikumatele kogemustele. Selle päritolu seostati Kiievi-Mohyla Akadeemia lõpetaja, pedagoogi, luuletaja ja näitekirjaniku Simeon Polotsky nimega. Spetsiaalselt kooliteatri jaoks kirjutas ta kaks näidendit - "Komöödia tähendamissõnast kadunud pojast" ja "Tsaar Nevchadnetsarist, kullakehast ja kolmest noorukist, keda ahjus ei põletatud". 17. sajandi õukonna- ja kooliteatrid panid aluse teatrikunsti arengule Venemaal ja määrasid suuresti selle tuleviku. Vana-Vene muusikakultuur on saanud alguse paganlikest traditsioonidest. idaslaavlased loodud ammu enne kristluse vastuvõtmist. Vana-Venemaa muusikariistad olid üsna mitmekesised. Laialdaselt kasutati harfi, nuusutamist, flööti, flööti. Venemaal pälvis erilist austust gusli, vanim keelpillipill, mida mainiti 10. sajandil "Möödunud aastate jutus". Pikka aega on arvatud, et harf on inimhinge sarnasus ning nende helin ajab minema surma ja haigused. Rahvajutuvestjad ja bogatyrid mängisid harfi: prohvetlik Boyan Igori sõjaretke loos, eepilised bogatyrid Volga ja Dobrõnja Nikititš Kiievis, Sadko Novgorodis. Kuidas Dobrynya võtab oma valgetesse kätesse Need kõlavad yaronchaty hanepojad, Nad tõmbavad ja kullatud nöörid, Juudi salm mängib tuimalt, Tuimal ja liigutaval viisil. Dobrynya hakkas lõbusalt mängima, Ta alustas mängu Jerusolim, teise mängu Tsar-gradist, kolmanda pealinnast Kiievist - ta tõi kõik pidusöögile lõbu pärast. Sõjaretkedel kasutati löök- ja puhkpille: trumme, tamburiine, pille, kõristeid. Nad toetasid sõdurite moraali lahingute ajal, leevendasid emotsionaalset stressi ja sisendasid usaldust võidu vastu. Kristluse vastuvõtmine ei suutnud täielikult muuta rahva traditsioonilist eluviisi ja muusikalist maitset. Bütsantsist ristimisega kandusid paljud kunstipõhimõtted üle Venemaa pinnale, laenati kaanon ja žanrisüsteem. Siin mõeldi need loominguliselt ümber ja töötati ümber, mis võimaldas hiljem kujundada originaalseid rahvuslikke traditsioone. Kirikumuusika eksisteeris Vana-Venemaal koorilaulu vormis ilma instrumentaalse saateta. Õigeusu kirikus keelati muusikariistad. Pealegi peeti instrumentaalmuusikat patuseks, deemonlikuks. Sellel vastasseisul oli vaimne tähendus. Tollal usuti, et õigeusu kirikus peaks kõlama ainult inglite laul, mis on taevase muusika kaja. Selline laulmine kehastas iluideaali ja andis inimestele armu, puhastuse, lohutuse tunde, õpetas armastama Jumalat ja ligimesi. Ainsaks erandiks oli kellade mängimise kunst, mida arendati lihtsa helina, kellamängu, kellamängu jne erinevates vormides. Mitmed erineva tooniga kellad moodustasid kellatorni, mis võimaldas esitada terveid muusikateoseid. Kirikulaul oli kõrgeima professionaalsuse eeskuju, mis kehastus erinevates vormides praktilises ja teoreetilises süsteemis, mida nimetati osmoosisüsteemiks, see tähendab helirühmade vaheldumiseks kaheksa nädala jooksul. Rahvamuusikat anti tol ajal traditsiooniliselt põlvest põlve edasi suuliselt, "suuliselt". Selle ajastu kultusmuusika salvestati spetsiaalsete siltidega, mida nimetatakse bänneriteks, millest kõige levinumad olid konksud. Seetõttu nimetati iidseid muusikalisi käsikirju Znamennyks või Kryukovyks. 17. sajandil jõudis muusikakultuur Venemaal, eriti koorikultuur, väga kõrge tase. See oli aeg, mil koos traditsiooniliste žanritega muusikaline kunst sündisid uued vormid ja žanrid. Enne seda oli koorimuusika monofooniline. Nüüd on see asendunud polüfooniaga. Ja noodikiri tuli konksude asemele ja tekkis parteilaulu stiil. Nii kutsutigi siis kante ja koorikontsertide nootide järgi laulmist. Need kontserdid olid oluline üleminekuetapp kirikust ilmaliku professionaalse muusika juurde. Vana-Venemaa muusikakultuur oli see kindel alus, millele hiljem kasvas ilus hoone, mis pani aluse professionaalse loovuse arengule. Vana-Vene muusika parimatest näidetest on õigustatult saanud rahvusliku muusikakultuuri kõige väärtuslikum vara. http://images.yandex.ru/, http://www.google.ru/imghp?hl=ru&tab=wi, http://vkontakte.ru/id47570217#/search?c%5Bsection%5D=audio, http://www.youtube.com/, kogu maailmas kunstikultuur. Algusest kuni 17. sajandini. 10 rakku Algtase: õpik for õppeasutused/ G.I. Danilova. - 7. väljaanne, muudetud. - M .: Bustard, 2009