ATeronica Dudarova, Sofia Gubaidulina, Jelena Obraztsova on nimed, mida tuntakse mitte ainult Venemaal, vaid ka välismaal. Mälestame 20. sajandi suuri naismuusikuid.

Veronika Dudarova

Veronika Dudarova. Foto: classicalmusicnews.ru

Veronika Dudarova. Foto: south-ossetia.info

Veronika Dudarova sündis Bakuus 1916. aastal. 1938. aastal lõpetas ta klaveriosakond Muusikakolledžis Leningradi konservatooriumis ja tegi selle aja kohta ebatavalise otsuse – hakata dirigendiks. NSV Liidus polnud sel ajal naisi, kes julgesid sümfooniaorkestrisse minna. Veronika Dudarovast sai kahe meistri õpilane - Leo Ginzburg ja Nikolai Anosov.

Ta debüteeris Kesklinna Lasteteatris dirigendina 1944. aastal. Siis töötas ta sisse ooperistuudio Moskva konservatoorium.

1947. aastal sai Veronika Dudarovast Moskva Riikliku Sümfooniaorkestri dirigent ning 1960. aastal sai ta peadirigendi ja kunstiline juht see meeskond. Dudarova repertuaar hõlmas järk-järgult tohutul hulgal kompositsioone - Bachist ja Mozartist Alfred Schnittke, Mikael Tariverdievi, Sofia Gubaidulinani.

Ühes intervjuus rääkis ta rohkem kui korra veriste proovide kohta, et mõnikord peate "tõsiselt tulemusi saavutama". 1991. aastal organiseeris Dudarova Venemaa Riikliku Sümfooniaorkestri ja juhtis seda. Tema nimi on kantud Guinnessi rekordite raamatusse: temast sai esimene naine maailmas, kellega koostööd tehti sümfooniaorkestridüle 50 aasta.

Veronika Dudarovale pühendatud festival:

Sofia Gubaidulina

Sofia Gubaidulina. Foto: remusik.org

Sofia Gubaidulina. Foto: tatarstan-symphony.com

Helilooja Sofia (Sania) Gubaidulina sündis 1931. aastal Chistopolis. Tema isa oli maamõõtja, ema õpetaja madalamad klassid. Varsti pärast tütre sündi kolis pere Kaasanisse. 1935. aastal asus Sofia Gubaidulina muusikat õppima. 1949. aastal sai temast Kaasani konservatooriumi klaveriosakonna üliõpilane. Hiljem otsustas pianist ise muusikat kirjutada ja astus Moskva konservatooriumi kompositsiooniosakonda - algul Juri Šaporini, seejärel Nikolai Peiko klassi ja seejärel Vissarion Shebalini juhendamisel aspirantuuri.

Sofia Gubaidulina kolleegid märkisid, et juba oma esimestes töödes pöördus ta religioossete kujutiste poole. See on eriti märgatav 1970. ja 80. aastate partituurides: "De profundis" nööpilõõtsale, viiulikontsert "Offertorium" ("Ohverdamine"), "Seitse sõna" tšellole, nööpkordionile ja keelpillidele. See väljendus ka hilisemates kompositsioonides – "The Passion by John", "Easter Vastavalt John", "A Simple Prayer".

“Minu eesmärk on alati olnud kuulda maailma häält, enda hinge häält ning uurida nende kokkupõrget, kontrasti või vastupidi – sarnasust. Ja mida edasi, seda selgemaks saab mulle, et kogu selle aja olen otsinud seda heli, mis vastaks mu elu tõele.

Sofia Gubaidulina

1980. aastate lõpus sai Sofia Gubaidulinast rahvusvaheliselt tuntud helilooja. Alates 1991. aastast elab ta Saksamaal, kuid satub sageli Venemaale. Täna kl erinevad riigid peetakse temale pühendatud festivale, parimaid muusikalised kollektiivid ja solistid.

Dokumentaalfilm Sofia Gubaidulinast:

Jelena Obraztsova

Jelena Obraztsova. Foto: classicalmusicnews.ru

Jelena Obraztsova sündis 1939. aastal Leningradis. Kui saabus aeg ülikooli astuda, valis tüdruk Leningradi konservatooriumi vokaalosakonna, kuigi isa nõudis, et tütar õpiks raadiotehnikat. 1962. aastal tuli üliõpilane Obraztsova üleliidulise Glinka vokaalikonkursi võitjaks. Peagi debüteeris noor laulja Suures Teatris - tema esimene roll oli Marina Mnishek Modest Mussorgski Boriss Godunovis.

Laulja vene repertuaari kuulusid ka Marfa Mussorgski ooperist "Hovanštšina", Ljubaša " kuninglik pruut» Nikolai Rimski-Korsakov, Helen Bezukhova Sergei Prokofjevi "Sõjast ja rahust". Jelena Obraztsova esitas kogu oma muusikukarjääri Pjotr ​​Tšaikovski lavastuses „Padi kuninganna“ krahvinna osa. Laulja ütles: «Ma võin seda laulda kuni sada aastat, nii kaua kui hääl kõlab. Ja see kasvab üle ja kasvab uute värvidega..

Üks kõige enam kuulsad rollid välisrepertuaarist sai Obraztsovast Bizet’ ooperis Carmen. Mitte ainult Nõukogude, vaid ka Hispaania kuulajad tunnistasid teda selle peo parimaks esinejaks.
Eeskujulikud partnerid olid Placido Domingo, Luciano Pavarotti, Mirella Freni. tähtis sündmus laulja elus oli kohtumine helilooja Georgi Sviridoviga: ta pühendas talle mitu vokaalkompositsiooni.

Life Line programm koos Jelena Obraztsovaga:

Eliso Virsaladze

Eliso Virsaladze. Foto: archive.li

Eliso Virsaladze. Foto: riavrn.ru

Eliso Virsaladze sündis Thbilisis 1942. aastal. Tema õpetajaks koolis ja konservatooriumis oli vanaema, kuulus Gruusia pianist Anastasia Virsaladze. 1962. aastal sai Eliso II rahvusvahelisel Tšaikovski konkursil kolmanda koha. 1966. aastal astus ta pärast Thbilisi konservatooriumi lõpetamist Moskva konservatooriumi aspirantuuri Jakov Zaki klassi.

Alates 1967. aastast on Eliso Virsaladze õpetanud Moskva konservatooriumis. Tema klassi lõpetajate hulgas on rahvusvaheliste konkursside laureaadid Boriss Berezovski, Aleksei Volodin, Dmitri Kaprin.

Pianisti repertuaaris on Wolfgang Amadeus Mozarti, Ludwig van Beethoveni, Robert Schumanni, Tšaikovski, Prokofjevi teosed. Ta esineb sageli ansamblis koos tšellist Natalia Gutmaniga.

"See on mastaapne artist, praegu võib-olla tugevaim naispianist"- nii rääkis Svjatoslav Richter Virsaladzest.

Täna esineb Eliso Virsaladze palju soolo- ja kammerkavadega, mängides sageli koos orkestritega. Ta räägib kontsertidest kui sakramendist: "Sa lähed lavale ja kuulute helilooja hulka, keda esitate, ja publikule, kellele mängite".

Kava "Esinemiste kogu" ja Eliso Virsaladze kontsert:

Natalia Gutman

Natalia Gutman. Foto: classicalmusicnews.ru

Tulevane tšellist sündis 1942. aastal Kaasanis, esimesed tšellotunnid sai ta kasuisa Roman Sapožnikovilt. Seejärel õppis ta Moskva konservatooriumi keskmuusikakoolis. 1964. aastal lõpetas Natalia Moskva konservatooriumi Galina Kozolupova klassis ja 1968. aastal aspirantuuri Leningradi konservatooriumis, kus tema juhatajaks oli Mstislav Rostropovitš.

Konservatooriumi aastatel sai Nataljast mitme konkursi laureaat, sealhulgas II Rahvusvaheline võistlus Tšaikovski järgi nime saanud. 1967. aastal asus ta õpetama Moskva konservatooriumis.

“Kui ma lihtsalt professionaalselt vibu liigutan ja enda omale mõtlen, on see kohe kuulda! Minu jaoks on hukkamise automatism, ükskõiksus kohutav ebaõnnestumine! ta ütleb.

Nüüd õpetab Natalia Gutman noori muusikuid paljudes Euroopa linnades, korraldab suuremad festivalid ja jätkab ringreisi.

Kõne "Detsembriõhtutel" Puškini riiklikus kaunite kunstide muuseumis:

______________________________________________

TEKST: Oleg Sobolev

NAGU MIS TEISES KLASSIKALISE KUNSTI VALDKONNAS Läänemaailm, akadeemilise muusika ajaloos on lugematu arv unustatud naisi, kes väärivad, et neile endast räägitaks. Eelkõige - helilooja kunsti ajaloos. Isegi praegu, kui märkimisväärsete naisheliloojate arv kasvab iga aastaga, on kuulsamate orkestrite hooajagraafikud ja kontserdiprogrammid enamus kuulsad esinejad Harva kirjutavad naised teoseid.

Kui naishelilooja looming saab siiski vaatajate või ajakirjandusliku tähelepanu objektiks, kaasneb selle uudisega ilmtingimata kurb statistika. Siin on hiljutine näide: Metropolitan Opera andis sel hooajal Caia Saariaho hiilgava "Armastuse kaugelt" – nagu hiljem selgus, oli see esimene naise kirjutatud ooper, mida on selles teatris näidatud alates 1903. aastast. Lohutab, et Saariaho heliloomingut - nagu näiteks Sofia Gubaidulina või Julia Wolfi muusikat - esitatakse üsna sageli ka ilma selliste uudisväärtusteta.

Mõne vähetuntud muusikakangelanna valimine suurest naisenimede loendist on keeruline ülesanne. Seitsmel naisel, kellest me nüüd räägime, on üks ühine joon - nad ei sobinud ühel või teisel määral ümbritsevasse maailma. Keegi ainult oma käitumise tõttu, mis hävitas kultuurilised alused, ja keegi - oma muusika kaudu, millele pole analoogi.

Louise Farranc

Sündinud Jeanne-Louise Dumont, sai ta 1830. ja 1840. aastate Euroopa muusikamaailmas tuntuks pianistina. Pealegi oli neiu esineja maine nii kõrge, et 1842. aastal määrati Farranc Pariisi konservatooriumi klaveriprofessoriks. Ta töötas sellel ametikohal järgmised kolmkümmend aastat ja suutis vaatamata pedagoogilisele töökoormusele end heliloojana tõestada. Pigem siiski mitte "näidata õnnestus", vaid "näidata ei saanud". Farranc pärines kuulsast skulptorite dünastiast ja kasvas üles parimad inimesed Pariisi kunst, seega oli loominguline eneseväljendus tema jaoks äärmiselt loomulik.

Olles oma elu jooksul avaldanud umbes viiskümmend kompositsiooni, peamiselt instrumentaalteost, pälvis proua professor oma muusika kohta kiitvaid hinnanguid Berliozilt ja Lisztilt, kuid tema kodumaal tajuti ka Farranci nii. prantsuse helilooja. Prantsusmaal kritseldas iga esimene paljulubav autor mitu tundi ooperit ning pariislase lakoonilised ja klassikalisest inspireeritud teosed läksid tolleaegse moega tõesti vastuollu. Asjata: tema parimad teosed - nagu Kolmas sümfoonia g-moll - ei lähe pehmelt öeldes kaduma tolleaegsete mastodonide nagu Mendelssohn või Schumann taustal. Jah, ja Brahms, püüdes klassitsismi romantismiajastu keelde tõlkida, läks Farranc kümnest või isegi kahekümnest aastast mööda.

Dora Pejacevic

Ühe silmapaistvama Balkani esindaja aadliperekonnad, Horvaatia ühe keelu (loe - kuberneri) lapselaps ja teise tütar, Dora Pejacevic veetis oma lapsepõlve ja nooruse täpselt nii nagu tavaliselt maailma popkultuuris. Neile meeldib kujutada noorte ja pere hoolega valvatud elu. noortest aristokraatidest. Tüdruk kasvas üles inglise guvernantide range järelevalve all, peaaegu ei suhelnud eakaaslastega ja üldiselt kasvatasid vanemad teda pigem pere edasise eduka abielu kui õnneliku lapsepõlve poole.

Kuid midagi läks valesti: teismelisena süttis Dora sotsialismiideed, hakkas pidevalt perega konflikti minema ja seetõttu lõigati ta enam kui kahekümneaastasena ülejäänud Pejacevicsidest ära. elu lõpuni. See aga tuli tema teisele kirele ainult kasuks: isegi Esimese maailmasõja koidikul kehtestas mässumeelne aadliproua end Horvaatia muusika kõige märkimisväärsema tegelasena.

Dora ühtlaselt Brahmsist, Schumannist ja Straussist inspireeritud kompositsioonid kõlasid teda ümbritseva maailma standardite järgi äärmiselt naiivselt – näiteks kuulati tema vanamoodsa klaverikontserdi esiettekande ajal Berliinis ja Pariisis juba kaasa. Lunar Pierrot ja Kevadriitus. Kui aga ajaloolisest kontekstist abstraheerida ja kuulata Pejacevici muusikat kui siirast armastusavaldust saksa romantikutele, siis on lihtne märgata tema ekspressiivset meloodiat, mis on tehtud kõrge tase orkestreerimine ja hoolikas ehituslik töö.

Amy rand

Amy Beachi eluloo kuulsaima episoodi võib ümber jutustada järgmiselt. 1885. aastal, kui ta oli 18-aastane, abiellusid Amy vanemad ta 42-aastase Bostonist pärit kirurgiga. Neiu oli siis juba klaverivirtuoos ning lootis muusikaõpinguid ja esinejakarjääri jätkata, kuid abikaasa otsustas teisiti. Dr Henry Harris Audrey Beach, kes oli mures oma perekonna staatuse pärast ja juhindunud tollastest ideedest naiste rolli kohta ilmalikus Uus-Inglismaa ühiskonnas, keelas oma naisel muusikat õppida ja piiras tema esinemist pianistina ühe kontserdiga aastas.

Amy jaoks, kes unistas kontserdisaalid ja väljamüüdud kontserte, osutus see tragöödiaks. Kuid nagu sageli juhtub, andis tragöödia teed triumfile: kuigi Beach ohverdas oma esinejakarjääri, hakkas ta üha rohkem pühenduma kirjutamisele ja on nüüdseks enamiku teadlaste poolt ühemõtteliselt parim. Ameerika helilooja hilisromantismi ajastu. Tema kaks põhiteost – 1896. aastal ilmunud Gaeli sümfoonia ja kolm aastat hiljem järgnenud klaverikontsert – on tõeliselt kaunid, isegi kui nende aastate mõõdupuu järgi on neis täiesti puudulik originaalsus. Kõige tähtsam on see, et Beachi muusikas, nagu arvata võib, pole absoluutselt kohta provintslikkusel ja kihelkonnalikkusel.

Ruth Crawford Seeger

Ruth Crawford Seeger on Ameerika pärimusmuusika tõsiste fännide, uurijate ja lihtsalt armastajate ringkondades palju kuulsam kui akadeemilise muusika maailmas. Miks? Sellel on kaks peamist põhjust: esiteks oli ta muusikateadlase Charles Seegeri naine ja seega ka Seegerite klanni esivanem, muusikute ja lauljate perekond, kes tegi Ameerika folki populariseerimiseks rohkem kui keegi teine. Teiseks, tema Viimastel aastatel Kümme aastat oma elust töötas ta tihedalt Ameerika suurimate folkloristide ja rahvamuusika kogujate John ja Alan Lomaxi paljudel reisidel salvestatud laulude kataloogimise ja arranžeerimisega.

Üllataval kombel kuni alguseni elu koos nii Ruth kui Charles Seeger olid ülimalt modernistliku kallakuga heliloojad, kelle muusikat sai vaevalt nimetada "folklooriks". Eelkõige saab 30ndate alguse Ruth Crawfordi kompositsioone võrrelda vaid Anton Weberni loominguga – ja sedagi vaid oskuslikult üles ehitatud dramaturgia ja lakooniliselt kontsentreeritud muusikalise materjali poolest. Aga kui Weberni traditsioonid kumab läbi iga noodi – vahet pole, Austria või renessansi muusika –, siis Seegeri teosed eksisteerivad justkui väljaspool traditsioone, väljaspool minevikku ja väljaspool tulevikku, väljaspool Ameerikat ja väljaspool ülejäänud maailma. maailmas. Miks nii individuaalse stiiliga heliloojat siiski kanoonilisse modernistlikusse repertuaari ei kuulu? Müsteerium.

Lily Boulanger

Näib, millist muusikat suutis eelmise sajandi alguses komponeerida üks igavesti haige, sügavalt usklik ja patoloogiliselt tagasihoidlik kõrgseltskonnast pärit prantslanna? See on õige – selline, mis võiks olla kohtupäeva jaoks hea heliriba. Parimad esseed Lily Boulanger on kirjutatud religioossetes tekstides, nagu psalmid või budistlikud palved, neid esitab enamasti justkui valesti häälestatud koor rebenenud, ebameloodiale ja valjule. muusikaline saate. Sellele muusikale ei saa kohe analoogi võtta – jah, see sarnaneb mõneti Stravinski varaste teoste ja Honeggeri eriti tuliste kompositsioonidega, kuid ei üks ega teine ​​ei jõudnud nii meeleheite sügavustesse ega laskunud nii äärmuslikkusse. fatalism. Kui Boulangeri perekonna sõber helilooja Gabriel Fauré avastas, et kolmeaastasel Lilyl on absoluutne helikõrgus, ei osanud tema vanemad ja vanem õde isegi arvata, et see kingitus võib anda midagi nii ebaingellist.

Muide, mu õe kohta. Nadia Boulanger osutus muusikaajaloo tegelaseks, erinevalt kõigist olulisematest. Peaaegu pool sajandit – 20ndatest 60ndateni – peeti Nadiat üheks parimaks muusikaõpetajaks planeedil. Omades väga konkreetseid vaateid nii tolleaegsele uuele muusikale kui ka muusikale selle sõna otseses mõttes, klassikaline, karm, kompromissitu ja õpilasi kurnav. kõige raskemad ülesanded, Nadia jäi isegi oma ideoloogilistele vastastele eeskujuks enneolematu mälu ja jõuga muusikalisest intelligentsusest. Võib-olla oleks temast võinud saada sama oluline helilooja, kui ta osutus õpetajaks. Igal juhul alustas ta heliloojana – kuid tema enda sõnul läks pärast Lily surma midagi Nadia sees katki. Olles elanud 92 aastat, ei jõudnud vanem õde kunagi oma noorema õe väheste kompositsioonide kõrgusele, kes põles 24-aastaselt Crohni tõvest läbi.

Elizabeth Maconki

Möödunud sajandi suurim Briti helilooja Ralph Vaughan Williams oli rahvuslike muusikatraditsioonide kirglik eestvõitleja. Niisiis, ta töötles entusiastlikult rahvalaulud, kirjutas anglikaani hümnidele kahtlaselt sarnaseid kooriteoseid ja tõlgendas vahelduva eduga ümber inglise renessansiajastu heliloojate loomingut. Ta õpetas kompositsiooni ka Londoni Kuninglikus Muusikakolledžis, kus tema lemmikõpilane 1920. aastatel oli noor iirlanna nimega Elizabeth Maconki. Aastakümneid hiljem räägib ta, et see oli Vaughan Williams, ilma et ta oli traditsionalist, kes soovitas tal mitte kunagi kedagi kuulata ja muusika loomisel keskenduda ainult oma huvidele, maitsele ja mõtetele.

Nõuanne osutus Maconki jaoks määravaks. Tema muusika on alati jäänud puutumatuks nii akadeemia avangardi globaalsetest suundumustest kui ka igivanast anglo-keldi armastusest maarahva folkloori vastu. Just tudengiaastatel avastas ta Bela Bartóki (helilooja, muide, kes töötas ka väljaspool ilmselgeid suundumusi), Makonki tõrjus tema kompositsioonides loomulikult suure ungari küpset muusikat, kuid samas järjekindlalt. arendas välja oma stiili, palju intiimsema ja sisekaemuslikuma. illustreerivad näited Maconka helilooja fantaasia originaalsus ja evolutsioon – tema kolmteist keelpillikvartetti, mis on kirjutatud aastatel 1933–1984 ja moodustavad üheskoos kvartetikirjanduse tsükli, mis ei jää kuidagi alla Šostakovitši või sama Bartoki omadele.

Vitezslava Kapralova

Mõni aasta enne Esimest maailmasõda asutas silmapaistmatu tšehhi helilooja ja kontsertpianist Vaclav Kapral oma kodumaal Brnos eramaja. muusikakool alustavatele pianistidele. Kool jätkas eksisteerimist ka pärast sõda, pälvides peagi peaaegu riigi parima maine. Õppida ja konkreetselt kapralilt endalt õppida soovijate vool pani helilooja isegi põgusalt mõtlema kogu muu tegevuse lõpetamisele õpetamise kasuks.

Õnneks hakkas tema tütar Witezslava, kes tol ajal veel oma kümnendat sünnipäeva ei tähistanud, ühtäkki näitama erakordseid muusikalisi võimeid. Tüdruk mängis klaverit paremini kui paljud täiskasvanud spetsialistid, jättis kogu klassika pähe laulude repertuaari ja hakkas isegi lühinäidendeid kirjutama. Kapral töötas välja ülbuse, rumaluse ja kommertslikkuse poolest üllatava plaani: kasvatada Vitezslavast tõeline muusikakoletis, kes suudaks teda perekooli peaõpetajana asendada.

Loomulikult ei juhtunud midagi sellest. Ambitsioonikas Witezslava, kes tahtis saada heliloojaks ja dirigendiks, astus viieteistkümneaastaselt kohalikku konservatooriumi korraga kahte vastavasse teaduskonda. Et naine tahaks dirigeerida - seda ei nähtud 30ndate Tšehhis enne Kapralovat. Ja samaaegselt dirigeerida ja komponeerida – see oli üldiselt mõeldamatu. Just muusika loomisega alustas äsja sisseastunud tudeng – pealegi sellise kvaliteediga, stiililise mitmekesisusega ja sellises mahus, et polegi kellegagi võrrelda.

Kompositsiooni, nagu paljusid teisi loomingulisi elukutseid, peetakse traditsiooniliselt "inimkonna tugeva poole" privileegiks. Kuid kogu aeg leidus andekaid naismuusikuid, kes sellise olukorraga ei nõustunud. Nad kaitsesid julgelt oma õigust loovusele ja saavutasid sageli helilooja alal suurt edu.

Üks kuulsamaid naisheliloojaid on ilmselt Clara Schumann (1819-1896), sündinud Wick, Robert Schumanni abikaasa. Clara näitas lapsepõlvest peale erakordseid oskusi klaverimängus ja kirjutamises. Tema ametialast kasvu aitas kaasa isa, andekas õpetaja, kes töötas isiklikult imelapsega. Clara kohtus Schumanniga, kui ta hakkas ka tema isalt klaveritunde võtma. Friedrich Wieck takistas tütrel abiellumast rahaliselt “ebausaldusväärse” heliloojaga ja alles kohtu kaudu õnnestus Schumannil saada luba abiellumiseks. Pärast seda, kui Clara sai Schumanni naiseks, hakkas ta kompositsioonile rohkem tähelepanu pöörama. Tema sulest tuleb välja palju klaveri- ja muid palasid, milles on tunda Schumanni ja teiste romantiliste heliloojate – Mendelssohni, Chopini – mõju. Kontserdil kõlab üks Clara Schumanni teos – Romanss viiulile ja klaverile A-duur op. 23.

Lily Boulanger (1893-1918), noorem õde Nadia Boulanger, tunnustatud pianist ja õpetaja, elas üsna vähe – kakskümmend neli aastat. Õed Boulangerid kasvasid üles muusikaline perekond: nende isa õpetas vokaali Pariisi konservatooriumis ja ema, Venemaa printsess Raisa Mõšetskaja, oli laulja. Lily muusikaline anne ilmnes väga varakult: ta õppis noote mängima kiiremini kui lugema. 1913. aastal lõpetas Lily Pariisi konservatooriumi ning samal aastal pälvis ta kantaadi Faust ja Helena eest Prix de Rome. Nii sai Lily Boulangerist esimene naishelilooja, kes selle maineka auhinna pälvis (enne teda olid auhinna võitjad sellised autorid nagu Berlioz, Gounod, Massenet, Debussy). Lily oli mitmekülgne helilooja: ta kirjutas instrumentaal-, vokaal-, koori- ja vaimulikku muusikat. Kontserdil kõlab tema Nokturn tšellole ja klaverile – kerge ja õrn teos, millel on kerge idamaine varjund.

Kavas oli teise prantsuse helilooja Louise Farranci (1804-1875) looming. Tema elulugu on seotud paljude tolleaegse muusikamaailma kuulsate tegelastega: Farranki mentoriteks olid Antonin Reicha, Ignaz Moscheles, Johann Hummel. Louise oli suurvormis hea: ta kirjutas vähemalt kolm sümfooniat. Tema muusikat hindasid Schumann, Berlioz, Chopin, Liszt. Lisaks oma komponeerimisele ja pedagoogiline tegevus(Farrank õpetas Pariisi konservatooriumis), tegutses ka muusikaõpetajana, koostades mitmeköitelise antoloogia klaverimuusika. Kontserdil on kaks osa alates kambri koostis Farrank – Trio flöödile, viiulile ja tšellole.

Amy Beach (1867-1944) - Põhja-Ameerika mandri esindaja. Ta sündis maapiirkonnas New Hampshire'i lähedal; õppis Bostonis kompositsiooni, harmooniat ja kontrapunkti. Suurema osa oma elust veetis ta aga USA-s, tehes nelja-aastase reisi Euroopasse, mille käigus esitas muuhulgas omaloomingut. Kavas oli kaks Amy Beachi heliloomingut – Romance viiulile ja klaverile A-duur op. 23 ja kvintett klaverile ja keelpillikvartetile fis-moll op. 67. Mõlemad tükid kuuluvad romantiline suund Samas on neis kahtlemata tunda 20. sajandi “pulssi”.

Horvaatia aristokraatlikku perekonda esindab Dora Pejacevic (1885-1923), Horvaatia baani Teodor Pejacevici tütar. Kodus hinnatakse teda väga: Dora Pejacevici kirjutatud sümfooniat f-molls peetakse esimeseks kaasaegseks sümfooniaks Horvaatia muusikas. Ta kirjutas päris palju (viiskümmend kaheksa) teost erinevates žanrites, sealhulgas kammermuusikas, mida publikule tutvustab d-moll klaverikvartett.

Möödunud ja üle-eelmise sajandi heliloojate auväärsete nimede hulgas on eriti meeldiv näha meie kaasaegse ja kaasmaalase nime - Sofia Asgatovna Gubaidulina. Mitte nii kaua aega tagasi tähistati Moskvas laialdaselt tema 85. aastapäeva. Helilooja elab juba aastaid Saksamaal ning jätkab komponeerimist ja suhtlemist oma muusika esitajatega. Sofia Asgatovna erinevatest maailma riikides (Jaapan, Saksamaa, USA, Itaalia, Taani ja muidugi Venemaa) saanud auhindade ja aunimetuste nimekiri on tohutu. Gubaidulina muusikat eristab filigraanne tehnika, lummav kombinatsioon intuitiivsusest ja rangest kalkulatsioonist, sensuaalne tämbrivärvimine. Kontserdis esitatav kompositsioon Allegro rustico pole talle päris omane. See on humoorikas teos, mille pealkirja võib dešifreerida kui "Allegro maalähedases stiilis". Vaatamata rõhutatud rütmilisele lapidaarsusele, meloodia tahtlikule nurgelisusele on sellel teosel peaaegu maagiline võlu, mis sunnib kuulajat jälgima kulgemist. muusikalised mõtted esimesest viimase noodini.

Kontserdil esinevad Vladlen Ovanesyants (viiul), Roman Yanchishin (viiul), Dmitri Usov (vioola), Boriss Lifanovsky (tšello), Stanislav Jaroševski (flööt), Anna Grishina (klaver).

Oksana Usova

19. sajandi keskpaiga ja lõpu muusika heliloojatest on kodumaisele muusikateadusele seni vähe teada. Pikka aega usuti, et sel ajal polnud naisheliloojaid. See eksiarvamus tulenes puudumisest eluloolisi fakte ja konkreetsed dokumenteeritud näited: paljud 19. sajandi naisheliloojate teosed eksisteerisid autogrammide ja väljaannete kujul ühes eksemplaris, mistõttu on neid praegu väga raske leida ja süstematiseerida.

19. sajandi naisheliloojate loomingulisuse uurimisel on aga välismaa muusikaajaloolased teinud märkimisväärset tööd, kinnitades naisautorite muusikalist ja loomingulist tegevust, mis võimaldab täita venekeelses kirjanduses olemasolevat lünka.

Selle artikli teabeallikateks olnud uurimused on Aaron Coheni rahvusvaheline naisheliloojate entsüklopeedia, Bea Friedlandi, Elsa Thalheimeri, Eva Weisweileri teosed, Heinrich Adolf Köstlini, Marcia I. Citroni, Christine Heitmani artiklid. Nendes allikates toodud faktide abil saame tutvuda 19. sajandi naisloojate elulugude mõningate detailidega, aga ka osaliselt taasluua pildi selle ajalooperioodi kirjanike sotsiaalsest positsioonist. 19. sajandi märkimisväärseimate naisheliloojate hulka kuuluvad sakslased Fanny Hansel, Josephine (Caroline) Lang, Joanna Kinkel, Louise Adolphe Le Baux, Emilia Mayer, aga ka prantslannad Louise Farran ja Augusta Marie-Anne Holmes.

Fanny Hansel

Andekas helilooja Fanny Hansel, Felix Mendelssohn-Bartholdy vanem õde, koges täielikult kõiki helilooja tee raskusi 19. naised sajandil. Olles andekas muusik ja saanud suurepärase muusikaline haridus Siiski ei saanud ta end heliloojana täielikult realiseerida, kuna kogu tema perekond, sealhulgas muusikust vend, ei kiitnud seda heaks. muusikaline karjäär Fanny.

Fanny Hansel sündis 1805. aastal kultuuriliselt valgustatud peres, mis võimaldas tal varases lapsepõlves suhelda silmapaistvad inimesed tema ajast. Seejärel sai temast silmapaistev tegelane õitsvas Berliini salongis. Hansel oli suurepärane pianist, kuid ei esinenud oma pere eelarvamuste tõttu avalikult. Ja isegi tema abielu ei muutnud olukorda, hoolimata tema abikaasa, Preisi õuemaalija Wilhelm Hanseli positiivsest suhtumisest. muusikaline tegevus naised. Tähtis ajaloolist rolli Fanny Hansel peitub tema mõjus loominguline saatus vend Felix. M. I. Citron kirjutab: „Nad inspireerisid üksteist muusikaliselt ja intellektuaalselt ning kumbki aitasid kujundada üksteise tulevasi teoseid. Näiteks 1837. aastal valminud Felixi oratoorium Püha Paulus sai kasuks Fanny osalemisest kompositsiooniprotsessis. Felix oli aga vastu oma õe teoste avaldamisele ja tema umbes 400 teosest ilmus vaid mõni üksik.

Enamik tema teoseid avaldati pärast tema surma – aastatel 1846–1850. Veelgi enam, esimesed väljaanded Fanny Mendelssohni muusikast ilmusid Felix Mendelssohni nime all: 3 laulu tema op. 8 (1827) ja 3 laulu op. 9 (1830). Venna nime kasutamise põhjused on teadmata, seda enam, et Citroni sõnul oli loominguliste pseudonüümide kasutamine 19. sajandi naisheliloojate seas ebatüüpiline praktika.

Alles 1837. aastal ilmus Hanseli esimene teos tema signeeritud enda nimi, oli ühes antoloogias avaldatud laul. Järgmise kümnendi jooksul helilooja teoseid ei avaldatud – välja arvatud 1839. aastal avaldatud üksikud laulud. Vahetult enne helilooja surma ilmus laulude kogumik klaveri saatel häälele op. 1, mis "pakkus Hanselile suurt rahulolu, et ta lõpuks nägi oma kirjutisi täismahus oma nime all."

Esimene laul op. 1 "Luigelaul" on kirjutatud Heinrich Heine värssidele. Fannyl oli võimalus näha suurt luuletajat, mis viis selle teose loomiseni.
Fanny Hanseli loomingulised huvid olid koondunud kodumuusika traditsiooniga seotud tüüpiliselt "naiselikesse" žanritesse - peamiselt klaveri- ja vokaalmuusika. Ta jättis maha rikkaliku laulukirjutamise ja katsetas ka suurvorme - sonaadist oratooriumini. Paljud tema kompositsioonid - sõnadeta laulud, sonaadid, romansid - avaldati Felixi nime all. Tema avaldamata teoste hulgas on vokaalkvartett "Hauas", kantaat "Mu hing on nii rahulik", laulutsükkel "Koduaed", klaverikvartett Asdur, klaveritrio.

Ta on ka avamängu orkestrile, triodele ja keelpillikvartettidele autor. Hoolimata tema loomingu vähesest kuulsusest esitleti pühapäeval paljusid helilooja teoseid, sealhulgas orkestri- ja koraale. muusikakogud. Fanny Hansel suri 1847. aastal.

Joanna Kinkel

Josephine Lang

Louise Adolphe Le Baux

Louise Farrank

Emilia Mayer

Augusta Maria Anna Holmes

Helilooja pärand Joanna Kinkel(1810 - 1858) meik järgmised esseed: vokaalkantaat, ballaad häälele ja klaverile "Don Ramiro", kirikuteos koorile ja orkestrile "Hymnis in CoenaDomini", samuti laulutsükkel "Hingede tormilised rännakud".

Vene rahva meloodiad ja laulud inspireerisid teise kuulsate heliloojate loomingut pool XIX sajandil. Nende hulgas oli P.I. Tšaikovski, M.P. Mussorgski, M.I. Glinka ja A.P. Borodin. Nende traditsioone jätkas terve galaktika silmapaistvaid muusikategelasi. 20. sajandi vene heliloojad on endiselt populaarsed.

Aleksander Nikolajevitš Skrjabin

Loovus A.N. Skrjabin (1872 - 1915), vene helilooja ja andekas pianist, õpetaja, uuendaja, ei saa kedagi ükskõikseks jätta. Tema originaalses ja impulsiivses muusikas on mõnikord kuulda müstilisi hetki. Heliloojat köidab ja tõmbab tulekujutis. Isegi oma teoste pealkirjades kordab Skrjabin sageli selliseid sõnu nagu tuli ja valgus. Ta püüdis oma teostes leida viisi, kuidas heli ja valgust ühendada.

Helilooja isa Nikolai Aleksandrovitš Skrjabin oli tuntud Vene diplomaat, tõeline riiginõunik. Ema - Lyubov Petrovna Scriabina (sünd. Shchetinina) oli tuntud kui väga andekas pianist. Ta lõpetas kiitusega Peterburi konservatooriumi. Tema ametialane tegevus alustas edukalt, kuid varsti pärast poja sündi suri ta tarbimise tõttu. 1878. aastal lõpetas Nikolai Aleksandrovitš õpingud ja määrati Vene saatkonda Konstantinoopolis. Tulevase helilooja kasvatamist jätkasid tema lähisugulased - vanaema Elizaveta Ivanovna, tema õde Maria Ivanovna ja isa õde Ljubov Aleksandrovna.

Hoolimata asjaolust, et viieaastaselt õppis Skrjabin klaverimängu ja hakkas veidi hiljem muusikalisi kompositsioone õppima. perekondlik traditsioon, saadud sõjaline haridus. Ta lõpetas 2. Moskva kadettide korpus. Samal ajal võttis ta eratunde klaveri- ja muusikateoorias. Hiljem astus ta Moskva konservatooriumi ja lõpetas selle väikese kuldmedaliga.

Tema alguses loominguline tegevus Skrjabin järgis teadlikult Chopinit ja valis samad žanrid. Kuid isegi sel ajal oli tema enda anne juba ilmne. 20. sajandi alguses kirjutas ta kolm sümfooniat, seejärel "Ekstaasi poeemi" (1907) ja "Prometheuse" (1910). Huvitaval kombel täiendas helilooja "Prometheuse" partituuri kerge klahvpillipartiiga. Ta võttis esimesena kasutusele kerge muusika, mille eesmärki iseloomustab muusika avalikustamine visuaalse taju meetodil.

Helilooja juhuslik surm katkestas tema loomingu. Ta ei realiseerinud kunagi oma plaani luua "Müsteerium" - helide, värvide, liikumiste, lõhnade sümfoonia. Selles töös soovis Skrjabin rääkida kogu inimkonnale oma sisimastest mõtetest ja inspireerida teda looma uut maailma, mida iseloomustab Universaalse Vaimu ja Mateeria ühinemine. Tema kõige olulisemad tööd olid vaid selle suurejoonelise projekti eessõna.

Kuulus vene helilooja, pianist, dirigent S.V. Rahmaninov (1873 - 1943) sündis jõukas aadlisuguvõsa. Rahmaninovi vanaisa oli elukutseline muusik. Esimesed klaveritunnid andis talle ema ja hiljem kutsusid nad muusikaõpetaja A.D. Ornatskaja. 1885. aastal määrasid vanemad ta erainternaatkooli Moskva konservatooriumi professori N.S. Zverev. Kord ja distsipliin sisse haridusasutus avaldas olulist mõju helilooja tulevase iseloomu kujunemisele. Hiljem lõpetas ta Moskva konservatooriumi kuldmedaliga. Üliõpilasena oli Rahmaninov Moskva avalikkuse seas väga populaarne. Ta on juba loonud oma "Esimese klaverikontserdi", aga ka mõned teised romansid ja näidendid. Ja tema "Prelüüd c-moll" sai väga populaarseks kompositsiooniks. Suurepärane P.I. Tšaikovski juhtis tähelepanu Sergei Rahmaninovi lõputööle - ooperile "Oleko", mille ta kirjutas A.S. Puškin "mustlased". Pjotr ​​Iljitš sai selle lavale Suures Teatris, püüdis kaasa aidata selle teose lisamisel teatri repertuaari, kuid suri ootamatult.

Alates kahekümnendast eluaastast õpetas Rahmaninov mitmes instituudis, andis eratunde. Kuulsa filantroobi, teatri- ja muusikategelase Savva Mamontovi kutsel saab heliloojast 24-aastaselt Moskva vene keele teine ​​dirigent. eraooper. Seal sai ta sõbraks F.I. Chaliapin.

Rahmaninovi karjäär katkes 15. märtsil 1897, kuna Peterburi avalikkus lükkas tagasi tema uuendusliku Esimese sümfoonia. Arvustused selle töö kohta olid tõeliselt laastavad. Kõige rohkem häiris heliloojat aga negatiivne arvustus, mille jättis N.A. Rimski-Korsakov, kelle arvamust Rahmaninov väga hindas. Pärast seda langes ta pikalevenivasse depressiooni, millest õnnestus hüpnotisööri N.V abiga välja tulla. Dahl.

1901. aastal valmis Rahmaninov oma teise klaverikontserdi. Ja sellest hetkest algab tema aktiivne loometöö helilooja ja pianistina. Ainulaadne stiil Rahmaninov ühendas venelased kirikulaulud, romantism ja impressionism. Muusikas peamiseks juhtprintsiibiks pidas ta meloodiat. See leidis suurima väljenduse autori lemmikteoses – luuletuses "Kellad", mille ta kirjutas orkestrile, koorile ja solistidele.

1917. aasta lõpus lahkus Rahmaninov koos perega Venemaalt, töötas Euroopas ja lahkus seejärel Ameerikasse. Helilooja oli väga häiritud katkemisest kodumaaga. Suure ajal Isamaasõda ta andis heategevuskontserdid, mille tulu suunati Punaarmee fondi.

Stravinski muusika paistab silma oma stiililise mitmekesisuse poolest. Oma loomingulise tegevuse alguses põhines ta vene muusikatraditsioonidel. Ja siis on teostes kuulda tolleaegse Prantsusmaa muusikale omast neoklassitsismi ja dodekafoonia mõju.

Igor Stravinski sündis Oranienbaumis (praegune Lomonossovi linn) aastal 1882. Tulevase helilooja Fjodor Ignatjevitši isa on kuulus ooperilaulja, üks solistidest Mariinski teater. Tema ema oli pianist ja laulja Anna Kirillovna Kholodovskaja. Alates üheksa-aastasest andsid õpetajad talle klaveritunde. Pärast gümnaasiumi lõpetamist astub ta vanemate palvel ülikooli õigusteaduskonda. Kaks aastat, 1904–1906, võttis ta õppetunde N.A. Rimski-Korsakov, kelle eestvedamisel kirjutas ta esimesed teosed - skertso, klaverisonaadi, fauni ja karjase süidi. Sergei Djagilev hindas kõrgelt helilooja talenti ja pakkus talle koostööd. tulemus ühine töö oli kolm balletti (lavastab S. Djagilev) - "Tulilind", "Petruška", "Kevadriitus".

Vahetult enne Esimest maailmasõda lahkus helilooja Šveitsi, sealt edasi Prantsusmaale. Tema töös tuleb uus periood. Ta õpib muusikalised stiilid XVIII sajandil, kirjutab ooper "Oidipus Rex", muusika balletile "Apollo Musagete". Tema käekiri on aja jooksul mitu korda muutunud. Helilooja elas aastaid USA-s. Viimati kuulus teos"Reekviem". Helilooja Stravinski eripäraks on oskus pidevalt stiile, žanre ja muusikalisi suundi muuta.

Helilooja Prokofjev sündis 1891. aastal väikeses külas Jekaterinoslavi kubermangus. Muusikamaailma avas tema jaoks ema, hea pianist, kes esitas sageli Chopini ja Beethoveni teoseid. Temast sai ka oma poja tõeline muusikaline mentor ning lisaks õpetas ta talle saksa ja prantsuse keelt.

1900. aasta alguses jõudis noor Prokofjev käia balletis "Uinuv kaunitar" ja kuulata oopereid "Faust" ja "Vürst Igor". Moskva teatrite etendustest saadud mulje väljendus tema enda loomingus. Ta kirjutab ooperi "Hiiglane" ja seejärel avamängu "Kõrbekaldale". Peagi mõistavad vanemad, et nad ei saa enam oma pojale muusikat õpetada. Varsti, üheteistkümneaastaselt, tutvustati algajale heliloojale kuulsat vene heliloojat ja õpetajat S.I. Tanejev, kes isiklikult küsis R.M. Gliera, mis on seotud Sergeiga muusikaline kompositsioon. S. Prokofjev 13-aastaselt möödus sisseastumiskatsed Peterburi konservatooriumi. Oma karjääri alguses tuuritas ja esines helilooja palju. Tema töö tekitas aga avalikkuses arusaamatust. Selle põhjuseks olid teoste omadused, mis väljendusid järgmiselt:

• modernistlik stiil;
• väljakujunenud muusikakaanonite hävitamine;
• komponeerimistehnikate ekstravagantsus ja leidlikkus

1918. aastal lahkus S. Prokofjev ja naasis alles 1936. Juba NSV Liidus kirjutas ta muusikat filmidele, ooperitele, ballettidele. Kuid pärast seda, kui teda süüdistati koos paljude teiste heliloojatega "formalismis", kolis ta praktiliselt maale elama, kuid jätkas kirjutamist. muusikateosed. Tema ooper "Sõda ja rahu", balletid "Romeo ja Julia", "Tuhkatriinu" läksid maailma kultuuri omandisse.

20. sajandi vene heliloojad, kes elasid sajandivahetusel, mitte ainult ei säilitanud loomingulise intelligentsi eelmise põlvkonna traditsioone, vaid lõid ka oma, ainulaadne kunst, mille jaoks on P.I. Tšaikovski, M.I. Glinka, N.A. Rimski-Korsakov.