Heli eraldamise eripära bajaanil ja akordionil.

MBOU DOD DSHI küla Barda

Bayani õpetaja Nazarova Elvira Saitovna

Plaan

Sissejuhatus

Heli eraldamise tehnika

Dünaamika.

hõrenemine.

Löögid ja nööbiga akordioni mängutehnikad.

Puudutuse ja mehhaniseerimise tüübid.

Järeldus

Sissejuhatus

Võrreldes sümfooniaorkestri klaveri, oreli või pillidega on nupp-akordion ja akordion noored pillid.

Aasta-aastalt hakkavad nööpilõõtspilli ja lõõtspilli esituses aina selgemalt ilmnema akadeemilisuse jooned. See liikumine ei ole põgenemine rahvuslikud traditsioonid, mitte tagasilükkamine mineviku nupp-akordionist ja akordionist. See, mida me täna näeme, on loogiline jätk sellele, mida tegid andekad interpreedid, õpetajad, heliloojad, disainerid 20-30ndatel ja eriti 50-90ndatel. See entusiastide enneolematu tegevus muutis nööp-akordioni ja akordioni ning selle ideed võimalikult lühikese ajaga radikaalselt.

Pole üllatav, et tänapäeval on massipilliks ka nupp-akordion ja akordion. rahvakultuur, pop ja folk (folkloor) ja akadeemiline instrument.

Nööpilõõtspilli ja akordioni arengusuundade määramisel on teatud määral võimalik ka teine ​​lähenemine. Sel juhul on neid kolm: folkloor, pop ja akadeemiline, kui nööp-akordioni ja akordioni kasutamine rahvakunst suuline traditsioon.

Erilise kiirusega toimus nööp-akordioni akadeemilisemaks muutmine 50ndatel. Esiteks on selle põhjuseks selle eriala muusikute kõrgeima hariduse kujunemine: 1948. aastal Moskva Riikliku Muusikapedagoogilise Instituudi Gnessini Muuseumi rahvapillide osakonna avamine ja hiljem terviku loomine. ülikoolide võrgustik, kus õppisid bajanistid ja akordionistid.

Samas ei olnud juhuslik, vaid täiesti loomulik, et interpreetide, dirigentide ja õpetajate mõtlemine hakkas liikuma kvalitatiivselt uuele, enamale. kõrge tase. Suhteliselt lühike periood toimusid "läbimurded" pedagoogilise, metodoloogilise mõtte vallas, repertuaar muutus põhjalikult, sooloesinemine astus enneolematult edasi. Samas ei suudetud piisavalt terviklikult lahendada iga muusikainstrumendi kujunemise ja kujunemise üks olulisemaid küsimusi - heli väljatõmbamise küsimust. Paljud silmapaistvad bajaanimängijad (näiteks I. Ya. Panitsky, P. L. Gvozdev, S. M. Kolobkov, A. V. Sklyarov jt) lahendasid selle probleemi oma töös intuitiivselt. Paljud teadlased (B. M. Egorov) tegid avastusi metodoloogilise mõtte vallas.

Kuid mitte kokku liitmata, ei suutnud jõudluse saavutused ja radikaalsete muutuste teooria anda: tase pidevalt tõusis.

põhiosa bajaanimängijate (noored üliõpilased) väljaõpe heli eraldamise tehnoloogia alal ja ei vasta tänapäeval ikka veel akadeemilisuse nõuetele.

Heli eraldamise tehnika

Heli on peamine väljendusvahend. Kõrgelt kvalifitseeritud muusikute jaoks kõlavad isegi lihtsad, tehniliselt lihtsad teosed äärmiselt ahvatlevalt. See on helikultuuri kallal tehtud suure töö tulemus.

Töö heli kallal on vaheldusrikas ja igale pillile omane. Nii on näiteks nuppude akordionil ja akordionil heli freesimine lihtne, kuna pillidel on lõõtsas suur õhuvaru, kuid nendel pillidel ei ole võimalik eristada erineva tugevusega akordihelisid.

Töö heli kallal seisneb tämbri, dünaamika, löökide valdamises.

Nööpilõõtspillidel ja akordionidel tämbri muutmine toimub registrite abil. Kui neid pole, taandub heliga töötamine dünaamiliste ja katkendlike peensuste valdamisele. Need on ka osa muusikalise esituse tehnilistest vahenditest, mis pole vähem olulised kui sellised tehnilised elemendid nagu ladus, akorditehnika, hobuste võiduajamine jne.

Kantileeniteoste esitamisel tuleb võimalikult palju pingutada, tuua nupp-akordioni ja akordioni kõla lähemale laulmisele, inimhäälele.

Dünaamika

Dünaamika on heli tugevuse muutus. Esinejal on hädavajalik arendada võimet tunda nii järkjärgulisi kui ka järske heli tugevuse muutusi. Dünaamika kallal töötades tuleks paralleelselt arendada harjumust vajutada klahve sama jõuga nii fortel kui ka klaveril. Paljud bajaanid ja akordionistid vajutavad forte mängides klahvi instinktiivselt suurema jõuga, kui vedru vastupanu nõuab ning see piirab käe liikumisvabadust ja takistab sõrmede sujuvust.

Enne dünaamika harjutuste kallal töötamist peate hoolikalt uurima oma instrumendi dünaamiliste võimaluste ulatust (dünaamiline skaala), see tähendab selle heli kõige õrnamast pianissimost kuni maksimaalse fortissimoni. On oluline, et kogu dünaamilise skaala ulatuses ei kaotaks heli tämber oma sära. Kui nõuda instrumendilt sellist fortet, mille jaoks heli pole loodud, hakkab see plahvatama ja kaotab oma iseloomuliku heli - tämbri. Seetõttu on vajalik, et õpilane teaks oma instrumendi maksimaalset fortissimo’t, mille juures heli ei plahvata, ning maksimaalset pianissimo’t, millele pill reageeriks.

Samaaegselt kuulmisaistingu arenemisega on vaja arendada tugevust, millega vasak käsi peaks karusnahaga töötama. On võimatu täpselt välja arvutada, millise jõuga see detonatsiooni ja puhta fortissimo heli piiril ning ka kõige õrnema pianissimo hetkel karva kokku suruma või venitama peaks. Seetõttu on vaja jätta dünaamiline varu ehk teisisõnu varu dünaamiline varjund miinimumi ja maksimumheli poolelt. Pilli töötav dünaamiline skaala peaks algama väikese kõrvalekaldega piiravast pianissimost ja lõppema veidi alla piiravast fortissimost.

Tähistagem tinglikult ppp-ga antud instrumendi piirav pianissimo ja fff-ga piirav fortissimo, mille juures pill ei detoneeri. Need dünaamilises skaalas olevad äärmuslikud varuvarjundid (pp ja fff) näivad hoiatavat sellise pianissimo kasutamise eest, kui pill ei saa kõlada, ja sellist fortissimo't, kui instrument hakkab plahvatama. Õpilane, kes on juba omandanud tunnetuse töötava dünaamilise skaala algusest ja lõpust, peaks hakkama arendama kolme peamist dünaamilist varjundit - klaver, mezzo-forte, forte. Soovitatav on seda teha esmalt eraldi helil, seejärel akordil. Kui õpilane on selle oskuse omandanud, on vaja seda tugevdada, mängides mõlema käega skaalasid ühehäälselt või topeltnootides eraldi, esmalt klaveril, seejärel mezzo-forte ja lõpuks forte.

Seda oskust saab veelgi paremini tugevdada, kui pärast selliseid harjutusi mängitakse skaalasid segajõuga. Seda saab teha näiteks nii: mängi klaveril neli häält lahtiharutamiseks ja neli häält pigistamiseks, järgmised neli hääli lahtiharutamiseks ja neli pigistamiseks, esita mezzo-forte, seejärel pigistamine ja lahti-forte. Edaspidi tuleks harjutuste käigus püüda dünaamika võrdlust ühes skaalas võimalikult palju varieerida, et omandada dünaamiliste varjundite kuulmisaisting ja nende jõuline tunnetamine vasakus käes.

Segadünaamika harjutused on suureks abiks dünaamika muutmisel parema käe sõrmede ühtlase klaviatuuril vajutamise oskuse omandamisel. Nende sooritamisel on vaja kontrollida sõrme survejõudu.

Dünaamilisel skaalal on lisaks peamistele dünaamilistele varjunditele ka vahepealsed: pianissimo, mezzo-klaver, fortissimo.

Niisiis, kogu dünaamiline skaala koos varuvarjunditega koosneb kaheksast astmest: prr, pianissimo, piano, mezzo - piano, mezzo - forte, forte, fortissimo, fff. Alumine aste on pianissimo aktsia (ppr), ülemine aste on fortissimo aktsia (fff). Kõik need sammud tuleb hoolikalt läbi töötada kuuldav tajuõpilane.

Selleks, et omandada oskus tunda jõudu, millega käsi lõõtsa igal dünaamilisel sammul tõmbab, tuleks dünaamiline skaala välja töötada järjest kasvavas järjekorras - pianissimost fortissimoni ja seejärel kahanevas järjekorras - fortissimost pianissimoni, ja ka sisse erinevaid valikuid. Dünaamiliste sammude tunnetus fikseeritakse paremini, kui harjutustes võrreldakse kaugeid dünaamilisi samme. Kui näiteks on antud mängida fortissimo ja fff (dünaamiline reserv). Kui teil palutakse mängida mezzo - forte, mezzo - klaverit ja klaverit, peate kontrollima, kas pillile on jäänud pianissimo ja prr (reserv). Kui teile antakse mängida fortissimot ja klaverit, peaksite kontrollima, kas mezzo-klaver, mezzo-forte ja forte mahuvad sellesse dünaamilisse tühimikku.

hõrenemine

Samaaegselt dünaamilise skaala assimilatsiooniga tuleb töötada üksikute helide, topeltnootide ja akordide hõrenemisega. Harvendamine on crescendo ja diminuendo kombinatsioon ühel noodil või nootide rühmal. Nööp-akordionil ja akordionil pole see tehnika keeruline, kuna pilli suur õhuvaru võimaldab freesida noote kõige peenemast pianissimost fortissimoni ja vastupidi, mitu korda järjest, ilma et peaksite isegi heli suunda muutma. lõõtsad. Kõigepealt tuleb õppida harvendust eraldi heli või akordi peal. Näiteks saate mõõduka tempoga võtta heli kuni poole kestusest. Esimene veerand on crescendo esitamine klaverist mezzo forte'ile, teine ​​veerand on diminuendo mezzo fortest klaverile. Samamoodi tehakse harvendusraiet mezzo-fortest forte ja vastupidi.

Järgmiseks harjutuseks freesitakse terve noot klaverist forteni. Sel juhul on see jagatud neljaks sulatatud veerandiks. Esimesel veerandil tehakse crescendo klaverist yes mezzo-forte, teisel - mezzo-fortest forte, kolmandal ja neljandal veerandil - diminuendo fortest mezzo-forte ja mezzo-fortest klaverile.

Olles õppinud pikka nooti ja akordi freesima, liiguvad nad edasi skaalade harvendamisele. Skaalal määratud nootide rühma saab freesida nii lõõtsa ühes suunas liikumisel kui ka pigistamise ja lahtiharutamise kombinatsioonil.

Oletame, et peate mängima kuus nooti karusnahast, hõrenedes klaverist forte'i. Seda ülesannet saab täita järgmiselt: esimest nooti mängib klaver, teist mezzo-forte, kolmandat forte, neljandat forte, viiendat mezzo-forte, kuuendat klaverit. Crescendo läheb esimesest noodist kolmandale, kolmandal ja neljandal noodil on see fikseeritud etteantud tugevusega ning alates neljandast on diminuendo, mis lõpeb viimasel, kuuendal noodil.

Kui etteantud kuuest noodist koosnev fraas tuleb lõõtsa pigistades ja lahti harutades profileerida klaverist forte’i, muutub lõõts pärast kolmandat nooti.

Olles õppinud freesima peamistel dünaamilistel toonidel, liiguvad nad edasi freesimise valdamiseni kogu dünaamilises skaalas, sealhulgas vahepealsetes toonides.

Samuti peab õpetaja õpetama õpilast esitama crescendo ja diminuendo mistahes dünaamilise sammuga, kontrollides crescendo ja diminuendo lõpu õigsust pianissimo ja fortissimo äärmuslike sammudega.

Mängu löögid ja trikid. Puudutuse ja mehhaniseerimise tüübid.

Kategooria "löökide" tõlgendamise kõige olulisem küsimus - B. M. Egorovi (osaliselt F. R. Lipsi jt) pingutuste kaudu on veenvalt välja töötatud ja see aitab suuresti kaasa uute, paljutõotavad ideed.

Lubage mul teile meelde tuletada B. M. Egorovi ja F. R. Lipsi sõnastusi. Egorovi järgi: „Löök on iseloomulikud helivormid, mis on saadud sobivate artikulatsioonitehnikate abil, sõltuvalt muusikateose intonatsioonilisest ja semantilisest sisust. In Lips: "Löök on kõla iseloom, mis tuleneb konkreetsest kujundlikust sisust, mis tuleneb teatud liigendusest."

P. A. Gvozdev visandas oma töös esimest korda süstemaatiliselt nuppude akordioni puudutuse ja mehaanikateaduse tüübid. B. M. Egorov täiendas ja täpsustas neid.

Puudutuste ja eemaldamiste tüübid.

Pressimine - vabastamine.

Push - eemaldamine.

Mõju – tagasilöök.

Libisev - jaotus.

Karusnaha läbiviimise meetodid.

1. Kiirendatud.

   Aeglane.

   Karusnaha sikutamine.

   Tremolo karusnahk.

2. Punktiline juhend.

“Kõige olulisem praktilise soorituskogemuse teoreetiline üldistus on P. Gvozdevi poolt eri tüüpi puudutuste jaoks soovitatud ventiili mittetäieliku (osalise) avamise meetod. Selle olemus seisneb selles, et puudutuse mõjutsoon heli statsionaarse osa karakteristikule jääb vahemikku maksimumist - klapi täielik avanemine (sõrm vajutab, lööb, vajutab klahvi kõik viis), miinimumini - klapi väikseim avanemisaste (tõste) (sõrmega vajutatakse, lööb, surub klahvi väikese osa võrra klaviatuuri hoova käigu täisamplituudist).

Selle tehnika tsoonis on kümneid vahepealseid gradatsioone, selle tehnika põgusat mainimist kohtame ka teisel tuntud akordionimängijal ja õpetajal N. Rizol.

Arvestades löökide temaatikat nupul ja akordionil, mängutehnikaid, puutetüüpe ja mehaanikateadust, näevad autorid vajadust vähemalt põgusalt mõtiskleda mõne esituse objektiivse ja subjektiivse teguri üle. See on vajalik bajanimängija ja akordionisti ees seisvate puhttehniliste ülesannete konkreetseks ja täpseks mõistmiseks.

Järeldus

Töö tekstiosa lõpetades ei usu ma sugugi, et kõik lehtedele pandud küsimused on ammendavalt lahendatud. Seda teemat täie tõsidusega käsitledes mõistan selgelt esinevate muusikute töö keerukusastet, kuid mida saab lõpule viia vaid paljude, paljude akordionistide, õpetajate ja muidugi noorte õpilaste jõupingutustega.

Teatud teemasid on teoses puudutatud vaid osaliselt, teisi - väga põgusalt: soov keskenduda heliloome põhiprobleemidele nupul akordionil, akordionil ei võimaldanud selle helitugevust laiendada.

Kirjandus

I. Aleksejev "Nööp-akordionimängu õpetamise meetodid." Moskva 1980

F. Lips "Bajaani mängimise kunst". Moskva 1985

V. Puhnovski "Mehaanikateaduse ja akordioni artikulatsiooni kool". Krakov 1964

B. Egorov "Akordioni puudutuste süstematiseerimise küsimusest." Moskva 1984

B. Egorov "Lavastamise üldpõhimõtted nupp-akordionimängu õppimisel." Moskva 1974

A. Krupin, A. I. Romanov "Nööp-akordionil heli eraldamise teooria ja praktika." Novosibirsk 1995

A. Krupin "Muusikapedagoogika küsimusi". Leningrad 1985

M. Imhanitski "Uut artikulatsioonist ja nupuakordioni puudutustest." Moskva 1997

M. Oberyukhtin "Esitusprobleemid nupp-akordionil". Moskva 1989

V. Zavjalov "Bayan ja pedagoogika küsimused." Moskva 1971

V. Motov "Mõnest akordionimängu heliloome meetodist." Moskva 1980

A. Sudarikov "Bajanimängija esitustehnika". Moskva 1986

Valla eelarveline õppeasutus

lisaharidus lastele

Ogudnevski lastekunstikool

Moskva piirkonna Štšelkovski munitsipaalrajoon

abstraktne
teemal:
« Nööbil akordioni, akordioni mängimise viisid

F.R. Lipsa»

Koostanud:

akordioni õpetaja

Puškova Ljudmila Anatoljevna

Sissejuhatus

Nööbilõõtspillimängukunst on suhteliselt noor žanr, mis arenes laiemalt välja alles aastal nõukogude aeg. Süsteem muusikaharidus rahvapillidel esitajatele hakkas kujunema XX sajandi 20ndate lõpus ja 30ndate alguses. Seda tähtsat ettevõtmist toetasid soojalt rahvahariduse ja kunsti silmapaistvad tegelased (A. V. Lunatšarski, A. K. Glazunov, M. I. Ippolitov-Ivanov, V. E. Meyerhold jt). Erinevate erialade andekad muusikud andsid ennastsalgavalt edasi oma erialaseid kogemusi rahvapillimängijatele ja aitasid neil lühikese ajaga siseneda muusikamaailma. suurepärane muusika; praegu töötavad rahvapillikunsti alal edukalt tuhanded spetsialistid - interpreedid, dirigendid, õpetajad, metoodikud, muusikakollektiivide artistid; seetõttu lõid soorituse ja pedagoogika praktilised edusammud järk-järgult aluse haridus- ja metoodiliste käsiraamatute kogutud kogemuste üldistamiseks.

Samuti tuleb märkida, et kõige progressiivsema pillitüübi - valikuvalmidusse akordioni - kasutuselevõtt mõjutas oluliselt kogu bajaanimängijate koolitamise protsessi: lühikese ajaga muutus dramaatiliselt repertuaar, väljendusrikas ja esinejate tehnilised võimalused avardusid ebaproportsionaalselt ning esinemiskultuuri üldine tase tõusis märgatavalt. Uue põlvkonna bajaanimängijate õpetamise ja kasvatamise metoodikas hakkasid toimuma olulised muutused; kasvanud on ka kriteeriumid, mida hakati esitama pedagoogilisele ja metoodilisele arengule: nende jaoks on juhtivaks saanud teadusliku paikapidavuse põhimõtted ja tihe seos praktilise tegevusega (näiteks on tänaseks kaitstud mitmeid väitekirju erinevate muusikaliste probleemide kohta pedagoogika, psühholoogia, esituse ajalugu ja teooria rahvapillikunsti vallas: seega saavad olulised muusika- ja kunstipraktika ja pedagoogika saavutused tugeva teadusliku ja teoreetilise aluse, mis omakorda stimuleerib nende edasist arengut).

RSFSRi austatud kunstnik, rahvusvaheliste konkursside laureaat, Riikliku Muusika- ja Pedagoogilise Instituudi dotsent. Gnesinykh Friedrich Robertovich Lips ise on parim näide kaasaegne akordionist - erudeeritud, haritud muusik, kasvatatud kodu- ja välismaiste parimate traditsioonide järgi muusikaline kultuur. Lähtudes eelmise sajandi 70. aastatest rahvusvahelisel areenil liidripositsioonil olnud nõukogude bajaani koolkonna parimate saavutuste põhjal, olles läbimõeldult kokku võtnud suurepärase isikliku ja kollektiivse esinemiskogemuse, suutis maestro üksikasjalikult käsitleda keskse bajanisti esinemisoskuste probleemid - heli väljatõmbamine, esitustehnika, muusikateose interpretatsiooni küsimused ja kontsertettekannete spetsiifika - tema "Nööpkordionimängu kunstis", millest on vääriliselt saanud üks peamisi tunnustatud noorte treenimise meetodeid. esinejad.

F. Lipsi metoodikat eristab järjepidevus, kõige parema ja väärtuslikuma hoolikas säilitamine, edumeelsete suundade, vaadete, suundade väljatöötamine ning kõige tihedam seos esinemis- ja pedagoogilise praktikaga: näiteks heliloomingu probleeme arvestades, ta murrab teiste erialade muusikute kogemusi vastavalt nupuakordioni spetsiifikale (eriti seadete esitamisel), hoiatades teiste pillide kõla pimesi jäljendamise eest - erineva heliloomingu iseloomuga. Esitustehnika (esituskomplekt tähendab, et iga muusik peab ideaalis täielikult valdama) ei ole F. Lipsi sõnul õpetaja/õpilase jaoks eesmärk omaette, vaid on suunatud ühe või teise realiseerimisele. muusikaline pilt vastava tegelase hääliku eraldamisega. Selleks peate hästi mõistma kõiki selle kompleksi komponente, praktiliselt tundma ja kinnistama parimaid mänguoskusi, arendama oma individuaalseid oskusi üldiste põhimõtete alusel. kunstiline tehnika. Sellised kompleksi elemendid hõlmavad lavastusoskusi (iste, pilli paigaldus, käte asendid), nupuakordioni tehnika elemente ja sõrmitsemist.

Metoodika olulised sätted on ka järgmised:

• 
  lavastus kui ajas rulluv protsess;
• 
  loominguline lähenemine nupuakordionitehnika elementidega töötamisele;
• 
  raskustoetuse põhimõte nupp-akordioni (akordioni) mängimisel;
• 
  sõrmitsemise kunstilise tinglikkuse põhimõtted.

Minu kui õpetaja jaoks on F. Lipsi meetodi puhul eriti väärtuslik see, et autor pakub kaasloomet: esitamata oma soovitusi "ülima tõena", pakub ta konkreetse praktikaga neid uskuda, oma järeldusi igapäevaellu rakendada. pedagoogilist tegevust ja soovitusi ning vastavalt oma kogemusele teha oma järeldused, seega. inspireerib isiklikke otsinguid ja individuaalset loovust.

Suur isiklik kogemus muusik-esineja ja õpetaja on näha tähelepanus, mida F. Lips pöörab akordionimängija kunstimaitse arendamisele, sest helilooja kavatsuse kehastus pilli tõelises kõlas on kõige olulisem, vastutusrikkam ja raskem. probleem igale muusikule: siia on koondunud peaaegu kõik etenduskunstide ülesanded – alates teose teksti, sisu, vormi ja stiili sügavast uurimisest, vajalike heliväljendus- ja tehniliste vahendite hoolikas valikust kuni teose hoolika kehastuseni. kavandatud tõlgendus igapäevases lihvis kontsertetenduseks publiku ees. Pidev toetumine kunsti kõrgetele põhimõtetele, eesmärgipärasus ja millegi uue, kunstiliselt väärtusliku otsimine, väljendusvahendite laiendamine ning stiili-, sisu- ja vormipeensuste mõistmine, oskuste parandamine ja professionaalsuse süvendamine – need on peamised ülesanded, mida iga muusik peaks silmitsi seisma.

Metoodika ise eristub õppeprotsessi korralduse selguse, lakoonilisuse poolest, mis aga sisaldab palju võtteid õpilase loominguliste otsingute stimuleerimiseks, jättes ruumi loomevaldkonnale: õpilane leiab oma soovist või valmisolekust kaugemale ootamatu erutuse olukorras õpetaja taktitundelistest, kuid visatest tööülesannetest: “mõtle”, “proovi”, “võta võimalus”, “loo” jne. (luues nii "provokatsiooni" improvisatsiooniks); õpilane tunnetab kogu aeg tunni loovat energiat, milles temalt nõutakse oskust anda oma mängule originaalsust, originaalsust. Semantilisi rõhuasetusi asetatakse löökidele, tehnikatele, nüanssidele, õpilase väiksemaid vigu eiratakse. Selline kunst luua loomingulist dünaamikat ja selgelt hoida peamine idee(eesmärk) võimaldab õpilastel endasse uskuda, vähemalt hetkeks tunda muusiku seisundit "ilma Achilleuse kannata", ilma milleta pole tõelised enesetundmise ja -ilmumise imed võimatud - hariduse tõelised eesmärgid protsessi.

Heli ekspressiivsuse kujunemine

Teatavasti peegeldab kunst tegelikku elu kunstiliste vahenditega ja kunstilistes vormides. Igal kunstiliigil on oma väljendusvahendid. Näiteks maalikunstis on üheks peamiseks väljendusvahendiks värv. Muusikakunstis tõstame kogu ekspressiivsete vahendite arsenalist välja kahtlemata kõige olulisema heli: just heliteostus eristab muusikakunstiteost teistest, „heli on ise muusika värk"(Neuhaus), selle aluspõhimõte. Ei ole muusikat ilma helita, seega peaks esineva muusiku põhilised jõupingutused olema suunatud heli väljendusrikkuse kujundamisele.

Iga muusik peab edukaks esinemiseks ja õpetamiseks teadma spetsiifilised omadused teie instrument. Kaasaegsel nupp-akordionil ja akordionil on palju loomulikke voorusi, mis iseloomustavad pilli kunstilist välimust. Rääkides positiivseid omadusi bayan / akordion, räägime kõigepealt muidugi selle kõla eelistest - ilusast, meloodilisest toonist, tänu millele suudab esineja edastada muusikalise ja kunstilise väljendusrikkuse kõige erinevamaid toone. Siin ja kurbus ja kurbus ja rõõm, ohjeldamatu lõbu ja maagia ja kurbus.

artikulatsiooni vahendid

Iga väljavõetud heli kõlamisprotsessi võib tinglikult jagada kolmeks põhietapiks: heli rünnak, otsene protsess kõlatooni sees (heli juhtimine) ja heli lõpp. Tuleb meeles pidada, et tõeline heli saavutatakse sõrmede ja lõõtsa vahetu töö tulemusena ning see, kuidas sõrmed klahve puudutavad ja kuidas lõõts üksteist pidevalt täiendavad, mida tuleks alati meeles pidada. .

Võime anda kokkuvõtte sellise suhtluse kolmest peamisest viisist (V.L. Pukhnovski järgi):

1. 
   Vajutage sõrmega soovitud klahvi, seejärel liigutage karusnahka vajaliku jõupingutusega (nn "karusnaha liigend" - Puhnovski terminoloogias). Heli lakkamine saavutatakse karusnaha liikumise peatamisega, mille järel sõrm klahvi vabastab. Sel juhul omandab heli rünnak ja selle lõpp sujuva, pehme iseloomu, mis loomulikult muutub sõltuvalt lõõtsa aktiivsusest.
2. 
   Liigutage karusnahka vajaliku pingutusega, seejärel vajutage klahvi. Heli peatatakse, eemaldades sõrme klahvilt ja peatades seejärel karva (sõrme liigendus). Seda heli eraldamise meetodit kasutades saavutame heli terava rünnaku ja lõpu. Siin määrab teravusastme koos lõõtsa aktiivsusega klahvi vajutamise kiirus ehk teisisõnu puutefunktsioon.
3. 
   Karusõrme liigendusega saavutatakse karva ja sõrme samaaegse töö tulemusena kõla rünnak ja lõpp. Siinkohal tuleb taas rõhutada, et puudutuse iseloom ja lõõtsa intensiivsus mõjutavad otseselt nii heli algust kui ka selle lõppu.

Surve mida tavaliselt kasutavad seksmängijad teose aeglastes osades ühtse kõla saamiseks. Sõrmed asuvad klahvidele väga lähedal ja võivad neid isegi puudutada. Pintsel on pehme, kuid mitte lahti, selles peaks olema sihipärase vabaduse tunne. Pole vaja kiikuda. Sõrm vajutab õrnalt soovitud klahvi, mille tulemusel see sujuvalt peatuseni vajub. Iga järgnevat klahvi vajutatakse sama sujuvalt ja samaaegselt järgmise klahvi vajutamisega naaseb eelmine vaikselt oma algasendisse. Vajutades paitavad sõrmed justkui klahve.

Akordionimängija jaoks on äärmiselt oluline jälgida, et sõrmede ühendatud mängu ajal rakendataks jõudu ainult klahvi vajutamiseks ja selle peatuspunktis fikseerimiseks. Klahvi vajutamine pärast "põhja" tunnetamist ei tohiks olla. See toob kaasa ainult harja tarbetu pinge. On väga oluline, et kõik õpetajad võtaksid seda sätet koolituse algstaadiumis arvesse – ei teki ju koolidesse ja talveaedadesse kokkusurutud käed ootamatult.

Push, nagu ka surve, ei nõua sõrmede kiigutamist, kuid erinevalt survest uputab sõrm võtme kiiresti peatuseni ja tõrjub selle kiire randmeliigutusega (nende liigutustega kaasneb lühike karva tõmblus )". Selle heli eraldamise meetodiga saavutatakse staccato tüüpi löögid.

Löö eelneb sõrme, pintsli või mõlema koosviibimine. Seda tüüpi tinti kantakse peale eraldi tõmmetega (non legato kuni staccatissimo). Pärast soovitud helide eraldamist naaseb mängumasin kiiresti oma algsesse asendisse klaviatuuri kohal. See kiire tagasitulek pole midagi muud kui hoovõtt järelstreigiks.

Libisemine(glissando) on teist tüüpi puudutus. Glissandot mängitakse pöidlaga ülalt alla. Kuna mis tahes rea akordioni klahvid on paigutatud väikeste tertidena, kõlab üherealine glissando kui vähendatud septakord. Kolm rida korraga alla libistades saame saavutada kromaatilise glissando, millel on oma atraktiivsus. klaviatuuri glissando üles liigutamine toimub 2., 3. ja 4. sõrmega. Esimene sõrm, puudutades nimetissõrme padjandit, loob mugava toe (selgub, nagu see libiseb hunniku sõrmedega). Mitte juhusliku, nimelt kromaatilise libisemise saavutamiseks on soovitatav asetada sõrmed mitte paralleelselt klaviatuuri kaldus ridadega, vaid veidi viltu ja nimetissõrme juhtpositsiooniga.

Karusnahaga mängimise mehhanismid

Peamised karusnaha mängimise meetodid on lahti tõmbamine ja pigistamine. Kõik ülejäänud on põhimõtteliselt üles ehitatud erinevatele laiendamise ja tihendamise kombinatsioonidele.

Lõõtspillimängija esinemiskultuuri üks olulisemaid kvalitatiivseid näitajaid on oskuslik liikumissuuna muutmine või, nagu praegu öeldakse, karusnaha vahetus. Samas tuleb meeles pidada, et muusikaline mõte lõõtsavahetuse ajal ei tohiks katkeda. Parim on karusnahka vahetada süntaktilise tsesuuri ajal. Praktikas pole aga kaugeltki alati võimalik karusnahka kõige mugavamatel hetkedel vahetada: näiteks polüfoonilistes tükkides on mõnikord vaja karusnahka vahetada ka püsival toonil. Sellistel juhtudel on vajalik:

a) kuulake noodi kestust enne karva lõpuni muutmist;

b) vahetage kiiresti karusnahka, vältides tsesuuri tekkimist;

c) jälgima, et dünaamika pärast lõõtsavahetust ei osutuks väiksemaks või, mis juhtub sagedamini, rohkemaks kui muusika arenguloogika järgi vajalik.

Näib, et esineja keha väikesed liigutused vasakule (laienemisel) ja paremale (pigistamisel) võivad samuti kaasa aidata karvastiku selgemale muutumisele, aidates kaasa vasaku käe tööle.

Akadeemilises musitseerimises peab karusnahateadus olema range, lahtisurutuna on karusnahk vasakule ja veidi allapoole poolitatud. Mõned akordionistid toovad karusnahku, kirjeldades vasaku kehapoolega lainelist joont ja juhtides selle vasakule üles. Lisaks sellele, et see näeb esteetiliselt ebaatraktiivne, pole ka rasket poolkeret mõtet tõsta. Parem on karv vahetada enne tugevat lööki, siis pole muutus nii märgatav. Rahvalaulude töötlustes on sageli kuueteistkümnenda kestusega välja toodud variatsioonid, kus vahel ikka kuuleb karvamuutust mitte enne tugevat lööki, vaid pärast seda. Ilmselgelt soovivad akordionimängijad sellistel puhkudel viia lõigu loogilise haripunkti, kuid nad unustavad, et allalöögi saab eraldada lõõtsa vastassuunas jõnksutades, vältides samas järgnevat ebaloomulikku katkestust kuueteistkümnendike vahel.

Teatavasti nõuab nööbiga akordioni mängimine suurt füüsilist pingutust. Ja kui G. Neuhaus tuletas oma õpilastele pidevalt meelde, et "klaverit on lihtne mängida!", siis nööpkordioni puhul ei saa midagi sellist välja hüüda. Lõõtspillimängijal on raske valjult ja kaua mängida, kuna lõõtsapliiat võtab palju energiat, eriti seistes mängides. Samas, lähenedes Neuhausi aforismile loominguliselt, jõuame järeldusele, et mis tahes pilli mängides on vaja mugavustunnet, kui soovid mugavust, pealegi naudingut. Pidevalt tuleb tunda vabadust ja nii-öelda vabadust, mis on suunatud konkreetsete kunstiliste ülesannete elluviimisele. Karusnahaga töötamisel nõutav pingutus põhjustab mõnikord kahjuks käte, kaelalihaste või kogu keha pigistamist. Saatja peab õppima, kuidas mängides lõõgastuda; mõne lihase töötamisel, näiteks laiali laotamiseks, on vaja lõdvestada lihaseid, mis töötavad kompressiooniks ja vastupidi, ning soorituse ajal tuleks vältida mängumasina staatilisi pingeid, isegi kui peate mängima seistes.

Akordionistid on Venemaal juba ammu kuulsad oma virtuoosse karusnahamängu poolest. Mõned suupillide sordid tekitasid sama klahvi vajutamisel lahti- ja kokkusurumisel erinevaid helisid; selliste pillide mängimine nõudis esinejatelt suurt osavust. Oli ka selline väljend: "raputa karusnahku." Lõõtsa raputades saavutasid harmoonilised omapärase kõlaefekti, mis aimas kaasaegse lõõtsatremolo tulekut. On uudishimulik, et välismaises originaalkirjanduses on märgitud tremolo karusnahk Ingliskeelsed sõnad- Bellows Shake, mis tähendab otsetõlkes: "raputada karusnahaga". Tänapäeval on bajaanimängijate seas muutunud moes võrrelda lõõtsa rolli viiuldaja poogna rolliga, kuna nende funktsioonid on suures osas identsed ning viiulikunstis on läbi aegade olnud mass iseloomulikke lööke, mida sooritab just poogna.

Löögid ja kuidas neid teostada

Muusikaline esitus sisaldab tervet kompleksi lööke ja erinevaid heli eraldamise meetodeid. Bajaanimängijate seas pole löökide ja mängutehnikate ühtset määratlust veel kujunenud, segadust valitseb, kas mängumeetodil ja tehnikal, tehnikal ja löögil on vahet. Mõnikord panevad nad nende mõistete vahele isegi võrdusmärgi. Kategoorilisusele pretendeerimata proovime defineerida löögi, tehnika ja meetodi mõisteid. Löök on kindlast kujundlikust sisust tulenev kõlategelane, mis saadakse teatud artikulatsiooni tulemusena.

Kaaluge omadused põhilised löögid ja nende teostamise viisid.

Legatissimo- ühendatud mängu kõrgeim aste. Klahve vajutatakse ja langetatakse võimalikult sujuvalt, vältides samal ajal üksteisele helide pealesurumist – see on märk vähenõudlikust maitsest.

Legato- ühendatud mäng. Sõrmed asuvad klaviatuuril, neid pole vaja kõrgele tõsta. Legatot (ja mitte ainult legatot) mängides ei tohiks klahvi liigse jõuga vajutada. Akordionist peab juba esimestest õppimissammudest meeles pidama, et heli tugevus ei sõltu klahvivajutuse jõust. Täiesti piisav on jõud, mis ületab vedru takistuse ja hoiab võtit kellarežiimis. Kantileeni mängides on väga oluline olla sõrmeotstega klahvide pinna suhtes tundlik. “Võtit tuleb paitada! Võti armastab kiindumust! Ta vastab ainult heli iluga! - ütles N. Mettner. “... sõrmeots peaks justkui võtmega kokku kasvama. Sest ainult nii võib tekkida tunne, et võti on meie käepikendus” (J. Gat). Ei ole vaja kõvade, kõvade sõrmedega peksa.

portato- ühendatud mäng, kus helid on justkui kerge sõrmevajutusega üksteisest eraldatud. Seda lööki kasutatakse deklamatiivse iseloomuga meloodiates, seda tehakse kõige sagedamini kerge sõrmelöögiga.

Tenuto– helide hoidmine täpselt kooskõlas dünaamika kestuse ja tugevusega; kuulub eraldi löökide kategooriasse. Heli algus ja lõpp on sama kuju. Seda teostatakse löögi või tõuke abil karusnaha ühtlase käitumisega.

Eraldada- löök, mida kasutatakse nii ühendatud kui ka ebajärjekindlates mängudes. See on iga heli eraldamine karusnaha eraldi liikumisega avamiseks või sulgemiseks. Sõrmed võivad jääda klahvidele või nende küljest lahti tulla.

Marcato- rõhutades, rõhutades. Seda sooritatakse aktiivse sõrmelöögi ja karvatõmbega.

non legato- pole ühendatud. Seda teostab üks kolmest peamisest puudutuse tüübist koos karusnaha sujuva liikumisega. Heli kõlav osa võib olla erineva kestusega, kuid mitte vähem kui pool etteantud kestusest (s.t. kõlamisaeg peab olema vähemalt võrdne mittehelitava ajaga). See löök omandab ühtluse just juhul, kui heli kõlav osa on võrdne meloodiarea helide vahel tekkiva tehispausiga (helivaba osa).

Staccato- terav, äkiline heli. See eemaldatakse reeglina sõrme lainega või ühtlase karvaga pintsliga. Sõltuvalt sellest, muusikaline sisu see löök võib olla enam-vähem terav, kuid igal juhul ei tohiks heli tegelik kestus ületada poolt tekstis näidatud noodist. Sõrmed on kerged ja kogutud.

Martel- Rõhutatud staccato. Selle löögi ekstraheerimise meetod sarnaneb marcato ekstraheerimisega, kuid heli iseloom on teravam.

Töös tuleks rohkem tähelepanu pöörata marcato ja martele löökidele, mis on akordionisti jaoks olulised väljendusvahendid. Kahjuks kuuleb sageli ühtlast, ilmetut karusnahateadmist ning karvaga erinevaid lööke ja tehnikaid mängides puudub liikuvus.

Staccatissimo- heli kõrgeim teravusaste. See saavutatakse sõrmede või käe kergete liigutustega, samal ajal kui on vaja jälgida mängumasina kontsentratsiooni.

Registrid

Alati tuleb meeles pidada, et registrid ei ole luksus, vaid vahend muljetavaldavama kunstilise tulemuse saavutamiseks. Neid tuleb targalt kasutada. Mõned akordionistid vahetavad neid sõna otseses mõttes iga ühe või kahe takti järel, samas kui fraas, mõte, registreerimine, muutub eesmärgiks omaette. Kõik teavad, kui osavalt korjavad jaapanlased mitmest lillest koosnevaid armsaid kimpe, mis näevad palju ahvatlevamad välja kui paljude lillede maitsetu kombinatsioon üheks kimpuks. Ma arvan, et mingil määral võib kimpude seadmise kunsti võrrelda registreerimiskunstiga.

Mõned nupp-akordionimängijad kasutavad kogu aeg oktaavi kahekordistamisega registreid (kõige sagedamini - "akordion piccologa"). Kui aga kõlab meloodiline rahvaviis või retsitatiivne teema, on kohane kasutada monofoonilisi registreid, aga ka unisooni.

Register "tutti" tuleks reserveerida kulminatsiooniepisoodide jaoks, haletsusväärsete, pühalikult kangelaslike lõikude jaoks. Registreid on kõige parem vahetada mõnel olulisel või suhteliselt olulisel võtmehetkel: vormi sektsiooni servadel, häälte arvu suurenemise või vähenemisega, tekstuuri muutumisega jne. polüfoonias registrite valimisel tuleks järgida erilist rangust. Ekspositsioonis olevat fuugatemaatikat tavaliselt "tutti" registris ei mängita. Parem on kasutada järgmisi tämbreid: nupp-akordion, nupp-akordion pikologa, orel.

Dünaamika

Peaaegu igal muusikariistal on suhteliselt suur dünaamiline ulatus, mis ulatub tinglikult sisse ppp – fff. Mõnel pillil (orel, klavessiin) puudub paindliku dünaamilise nüansi võime. Teatud tessituurides on mitmed puhkpillid dünaamiliselt kohmakad, kuna need suudavad tekitada ainult helisid, näiteks nüansiga f või ainult p. Bayanil selles osas vedas. See ühendab suurepäraselt suhteliselt suure dünaamilise amplituudi parima helihõrenemisega kogu ulatuses.

Nagu te teate, on nööbiku akordionil heli tekkimise protsessis kõige olulisem roll karusnahal. Kui tuua analoogia muusikapala ja elusorganismi vahel, siis akordioni karv täidab justkui kopsude funktsiooni, puhudes teose esitusse elu sisse. Karusnahk on ilma liialduseta peamine vahend kunstilise väljenduse saavutamiseks. Kuid kas kõik bajaanimängijad teavad oma pilli dünaamilisi võimalusi peensusteni, kas neil kõigil on piisavalt paindlikkust, mobiilseid teadmisi mehaanikast? On ebatõenäoline, et saame sellele küsimusele vastata jaatavalt. tundlik, ettevaatlik suhtumine heli tuleb õpilastesse sisendada alates õppimise esimestest sammudest. Iga bajanimängija peab teadma kõiki oma pilli peensusi ja oskama dünaamikat kasutada mis tahes nüanssis, pp-st ff-ni. Kui me, vajutades klahvi, liigutame karusnahka minimaalse pingutusega, saavutame mehaanikateaduse sellise režiimi, kus karusnahk lahkneb (või koondub) väga aeglaselt ja heli puudub. G. Neuhausi tabava terminoloogia kohaselt saame sel juhul “mingi null”, “mitte veel heli”. Olles veidi suurendanud karva pinget, tunneme, kuuleme nööbikõlõtspilli heli päritolu. See ääretunnetus, mille järel tekib tõeline heli, on akordionimängija jaoks ülimalt väärtuslik. Sel juhul sõltub palju kuulmiskontrolli nõudlikkusest, muusiku oskusest vaikust kuulata. Kui kunstnikul on joonistuse taustaks tühi paberileht või lõuend, siis esineja jaoks on vaikus muusika taustaks. Tundliku kõrvaga muusik suudab vaikuses luua parima helisalvestise. Siin on oluline ka pauside kuulamise oskus. Pausi sisuga täitmine on kõrgeim kunst: "Pingeline vaikus kahe fraasi vahel, muutudes ise sellises naabruses muusikaks, annab meile aimu millestki enamast, kui kindlam, kuid seetõttu vähem venitav heli suudab anda" 1 . Oskus mängida pianissimot ja hoida publikut pinges, eristab alati tõelisi muusikuid. Helilend tuleb saavutada minimaalse kõlaga, et heli elaks, sööstaks saali. Seisev, surnud heli klaveris puudutab väheseid inimesi.

Akordi tekstuuris on vaja tagada, et kõik hääled vastaksid minimaalse heliga. See kehtib eriti iga aeglase pala viimase akordi kohta, mis peaks kõlama morendo. Akordionist peaks kuulma akordi lõppu tervikuna ja mitte lohistama seda enne, kui helid ükshaaval lakkavad. Viimase akordi ebaproportsionaalselt pikka kõla kuuleme sageli tükkidena, nii f-il kui ka p-l. Viimased akordid peavad olema "kõrvaga tõmmatud", mitte sõltuma karusnaha pakkumisest.

Suurendades karusnaha pinget, saame järk-järgult helilisuse suurenemise. Fff-nüansiga tuleb sisse ka rida, mille järel heli kaotab oma esteetilise veetluse. Ülemäärase õhurõhu mõjul resonaatoriaukudes omandavad metallilised hääled ülemäära terava, kriiskava heli, mõned neist hakkavad isegi plahvatama. Neuhaus kirjeldas seda tsooni kui "pole enam heli". Akordionimängija peab õppima tunnetama oma pilli tonaalseid piire ja saavutama fortissimo täidlase, rikkaliku, õilsa kõla. Kui nõuda pillilt rohkem heli, kui see anda suudab, siis nupp-akordioni olemus, nagu juba öeldud, "kättestab". Kasulik on heli hoolikalt jälgida selle algusest kuni fortissimoni. Helitugevuse võimendamise käigus saame kuulda tohutul hulgal dünaamilisi gradatsioone (üldtunnustatud nimetused: prr, pp, p, mf, f, ff, fff - ei anna mingil juhul täielikku pilti helide mitmekesisusest dünaamiline skaala).

Vaja on õppida kasutama nuppude akordioni kogu dünaamilist ulatust ja õpilased kasutavad dünaamikat sageli ainult mp - mf piires, vaesustades sellega oma helipaletti. Tüüpiline on ka võimetus näidata erinevust p ja pp, f ja ff vahel. Veelgi enam, mõne õpilase jaoks kõlavad f ja p kuskil samas tasapinnas, keskmises dünaamilises tsoonis – siit ka esituse hallus, näotus. Sarnastel juhtudel on K.S. Stanislavski ütles: “Kui tahad kurja mängida, siis vaata. Kus ta lahke on! Teisisõnu: kui soovite mängida forte'i, näidake kontrastiks tõelist klaverit.

Sel puhul ütles G. Neuhaus: “Maria Pavlovnat (mp) ei tohi segi ajada Maria Fedorovnaga (mf), Petjat (p) Pjotr ​​Petrovitšiga (pp), Fedja (f) Fedor Fedorovitšiga (ff)”.

Väga oluline punkt on ka oskus jagada crescendo ja diminuendo vajaliku pikkusega. muusikaline materjal. Sellega seoses on kõige tüüpilisemad puudused järgmised:

1. 
   Vajalik crescendo (diminuendo) esitatakse nii loiult, lõdvalt, et seda peaaegu polegi tunda.
2. 
   Dünaamika tugevdamine (nõrgendamine) ei toimu mitte poco a poco (mitte järk-järgult), vaid hüppeliselt, vaheldumisi ühtlase dünaamikaga.
3. 
   Crescendot mängitakse ladusalt, veenvalt, kuid haripunkti pole, mäetipu asemel pakutakse mõtiskleda teatud platoo üle.

Eesmärki (antud juhul kulminatsiooni) tuleb alati meeles pidada, sest soov selle järele eeldab liikumist, protsessi, mis on etenduskunstide juures kõige olulisem tegur.

Sageli kasutame väljendeid: "hea heli", "halb heli". Mida nende mõistete all mõeldakse? Muusikakunsti arenenud pedagoogiline mõtlemine on juba ammu jõudnud järeldusele, et abstraktselt, ilma seoseta konkreetsete kunstiliste ülesannetega, ei saa olla "head" heli. Ya. I. Milshteini järgi ütles K. N. Igumnov: „Heli on vahend, mitte eesmärk omaette, parim heli on see, mis kõige täielikumalt väljendab antud sisu". Sarnaseid sõnu ja mõtteid kohtame Neuhausis ja paljudes muusikutes. Siit ka järeldus, mille igaüks peab tegema: tööd tuleb teha mitte heli kallal üldiselt, vaid heli vastavuse kallale esitatava teose sisule.

Heli kallal töötamise põhitingimus on arenenud kuulmiskujutus - "eelkuulamine", mida pidevalt korrigeerib kuulmiskontroll. Heli tekitamise ja kuulmise vahel on tihe seos. Kuulmine juhib eraldatud heli ja annab signaali järgneva heli eraldamiseks. Väga oluline on ennast pidevalt kuulata, mitte hetkekski tähelepanu käest lasta. Nõrgenenud tähelepanu, kuulmiskontroll – kaotatud võim avalikkuse üle. Helitöös kujuneb muusiku kõrv, kõrv muutub nõudlikumaks. Siin on ka tagasiside: mida peenem kõrv, seda nõudlikum on kõrv heli suhtes, seda kõrgem on vastavalt esineja muusikuna.

Sõnastamise kohta

Iga muusikapala võib assotsiatiivselt esitada kui arhitektuurne struktuur, mida iseloomustab selle koostisosade teatav proportsionaalsus. Esitaja seisab silmitsi ülesandega ühendada kõik need osad, sealhulgas vokaalmeloodia, ühtseks kunstiliseks tervikuks, ehitades üles kogu laulu arhitektoonika. Sellest järeldub, et motiivi, fraasi jne esitus. oleneb teose üldisest kontekstist. On võimatu mängida ühtki väljanäritud fraasi veenvalt, arvestamata seda, mis juhtus enne ja mis saab pärast seda. Pädev fraseerimine hõlmab muusikateksti komponentide väljendusrikast hääldamist, lähtudes kogu arenguloogikast. Kõnekeelsel fraasil ja muusikalisel on suur sarnasus: kõnekeelses fraasis on võtmesõna, muusikas - meil on sarnased komponendid: toetav motiiv või heli, oma kirjavahemärgid. Eraldi häälikuid kombineeritakse intonatsioonideks ja motiivideks samamoodi nagu tähti ja silpe sõnadesse ning neid sõnu (sõna) saab hääldada paljude erinevate intonatsioonidega: jaatav, kaeblik, paluv, entusiastlik, küsiv, rõõmustav jne. jne. Sama võib öelda ka muusikalise fraasi moodustavate motiivide häälduse kohta. Iga fraasi ei saa mõelda lokaalselt, eraldiseisvalt: konkreetse fraasi esitus sõltub eelnevast ja järgnevast muusikalisest materjalist ning üldiselt kogu teose olemusest tervikuna.

Motiiv, fraas – see on vaid minimaalne osa üldine areng tööl. Need esinejad, kes mängivad selge perspektiivi ja eesmärgitundega, on sunnitud ennast kuulama. Ilma perspektiivinägemiseta (kuulmiseta) lavastus seisab paigal ja toob endaga kaasa väljendamatut tüdimust. Kunagi ei tohi unustada üldtuntud tõde: muusika kui kunstiliik on seda heliprotsess, muusika areneb õigel ajal. Küll aga pideva ühinemissooviga muusikaline kõne selle loomulik loogiline jaotus on vaja saavutada tsesuuride abil. Õigesti teostatud tsesuurid panid muusikalised mõtted korda.

Instrumentaalmuusikud saavad kuulamisest kasu head lauljad, kuna inimhäälega esitatav fraas on alati loomulik ja ilmekas. Seoses sellega on bajaanimängijatel (ja mitte ainult neil) kasulik laulda teoses mõnda teemat oma häälega. See aitab tuvastada loogilist fraasi.

Tehnika

Mida me mõtleme "tehnoloogia" all? kiired oktavid? Ažuurne, kergus? Kuid me teame, et bravuuritar iseenesest ei taga kunagi väga kunstilist tulemust. Vastupidi, on palju näiteid, kui muusik ei tõesta end ülikiiretes tempos rekordimehena. Ta jättis kuulajatele kustumatu mulje. Meie sõnastikus on selline asi nagu käsitöö. See kontseptsioon hõlmab kogu muusiku-esineja tehnoloogiliste vahendite-oskuste kompleksi, mis on vajalik tema kunstiliste kavatsuste elluviimiseks: mitmesugused heli tekitamise meetodid, sõrmed, motoorne oskus, käsitsi harjutamine, karusnahaga akordioni mängimise tehnikad jne. Tehnoloogiast rääkides peame silmas vaimsustatud käsitöö, mis sõltub muusik-esineja loomingulisest tahtest. Just interpretatsiooni inspiratsioon eristab muusiku mängu käsitöölise mängust. Ega asjata öeldakse, et kuigi kiire, aga mõtlematu, tühi klahvide ümber jooksmine, mis pole organiseeritud selgete ja loogiliste kunstiliste kavatsustega, öeldakse "alasti tehnika".

Tehnilise täiuslikkuse kõrgeimat väljendust muusika- ja etenduskunstis, aga ka igas inimtegevuse sfääris nimetatakse oskus.

lavastus

Peate istuma kõva tooli esiküljel; kui puusad on horisontaalsed, paralleelsed põrandaga, siis võime eeldada, et tooli kõrgus vastab muusiku pikkusele. Lõõtspillimängijal on kolm põhilist tugipunkti: toetub toolile ja toetub jalgadega põrandale – toetamise mugavuse huvides on parem jalgadele veidi vahet teha. Kui aga tunneme oma raskust toolil peaaegu täielikult, omandame raske, "laisa" maandumise. On vaja tunda veel üht toetuspunkti - alaseljas! Sel juhul tuleks keha sirgendada, rindkere ettepoole nihutada. Just toetustunne alaseljas annab kerguse ning käte ja torso liikumisvabaduse.

Pill peab seisma stabiilselt, paralleelselt akordionisti kehaga; karusnahk asub vasakul reiel.

Praktika näitab, et õlarihmade kõige vastuvõetavamaks sobivuseks tuleks pidada sellist, kus nööbiga akordioni kere ja esineja vahel saab vabalt peopesa mööda lasta. Viimastel aastatel on üha laiemalt levinud õlarihmasid vöö tasandil ühendav vöö. Seda uuendust saab ainult tervitada, kuna rihmad omandavad nüüd vajaliku stabiilsuse ega kuku õlgadelt maha. Ka vasakpoolse tuka töörihm on reguleeritud nii, et käsi saaks vabalt mööda klaviatuuri liikuda. Samal ajal peaks piirde lahti harutamisel ja pigistamisel vasak ranne vööd hästi tundma, peopesa aga instrumendi keha.

Käte õige seadistuse peamiseks kriteeriumiks on liigutuste loomulik loomulikkus ja otstarbekus. Kui langetame käed mööda keha vaba langemise ajal, saavad sõrmed loomuliku poolkõvera ilme. Nende selline asend ei tekita karpaaparaadi piirkonnas vähimatki pinget. Küünarnukist käsi kõverdades leiame lähteasendi nööp-akordioni ja akordioni mängimiseks. Vasak käsi, muidugi on seadistuses mõningane erinevus, kuid poolkõverdatud sõrmede, käe, küünarvarre ja õla vabadustunne peaks olema mõlemal käel sama. Õlg ja küünarvars loovad head tingimused et sõrmed klaviatuuriga kokku puutuda, peaksid need aitama sõrmedel ja kätel töötada minimaalse pingutusega.

Oluline on pöörata tähelepanu sellele, et parem käsi ei rippuks lõdvalt, vaid oleks küünarvarre loomulik pikendus. Käeselg ja käsivars moodustavad peaaegu sirge joone. Sama kahjulikud on kaardunud või nõgusa randmega staatilised käteasendid.

Sõrmestamine

Muusika mitmekesisus nõuab lõpmatult palju näpukombinatsioone. Sõrmuste valikul lähtume eelkõige kunstilise vajalikkuse ja mugavuse põhimõtetest. Sõrmimistehnikatest võib eristada: sõrmede asetamine ja nihutamine, libisemine, sõrmede vahetamine, kõigi viie sõrme kasutamine lõigul, lõigu sooritamine ainult kahe-kolme sõrmega (või siis ühega) jne. Soov kompetentse järele Lastemuusikakoolis tuleks ette näha sõrmitsemine.

Sõrmestamise valimiseks on soovitav võimalusel mõnda fragmenti mängida tempos, kuna käte ja sõrmede koordinatsioon erinevatel tempodel võib olla erinev. Kui näpujärjestus on fikseeritud, kuid mõne aja pärast selguvad selle vead, tuleb sõrmitsemist muuta, kuigi seda pole alati lihtne teha.

Nelja- või viiesõrmelise sõrmesüsteemi valik ei peaks sõltuma ainult akordionisti enda isiklikust eelistusest, vaid peamiselt kunstilisest vajadusest. Tänapäeval näib selle või teise sõrmitsemissüsteemi vaidluse taifuun olevat möödas. Vahel aga esitatakse loomingulistel kohtumistel sama küsimus: kas parem on mängida nelja või viie sõrmega? Tegelikult on probleem juba ammu lahendatud. Mängijad mängivad tänapäeval üldiselt kõigi viie sõrmega, kasutades esimest sõrme enam-vähem. Viie sõrme süsteemi pimesi kasutamine on austusavaldus moele. Muidugi on mõnikord mugavam asetada kõik viis sõrme järjest, kuid kas see sõrm on abiline bajaanimängijale tema kunstilistes kavatsustes? Arvestada tuleb asjaoluga, et oma olemuselt on iga sõrme tugevus erinev, seetõttu on vaja ründes saavutada rütmiline ja katkendlik ühtlus mis tahes sõrmega. Kiiretes lõikudes, mis peaksid kõlama nagu glissando, saate kasutada kõiki sõrmi järjest, laiendades seeläbi positsiooni piire.

Käe ehitus parema nupuga akordioni klaviatuuri suhtes on selline, et pöialt on loomulikum kasutada esimesel ja teisel real. Ülejäänud sõrmed töötavad vabalt kogu klaviatuuril.

Muusikateose tõlgendamise küsimused

Muusiku kõrgeim eesmärk on helilooja kavatsuse usaldusväärne, veenev kehastus, s.t. looming kunstiline pilt muusikaline teos. Kõik muusikalised ja tehnilised ülesanded on suunatud just selle kunstilise kuvandi saavutamisele lõpptulemusena.

Muusikateose kallal töötamise esialgne periood peaks olema seotud ennekõike kunstiliste ülesannete määratlemisega ja peamiste raskuste väljaselgitamisega teel lõpliku kunstilise tulemuseni. Töö käigus kujuneb üldine tõlgendusplaan. On üsna loomulik, et hiljem, kontsertetenduse ajal, inspiratsiooni mõjul võivad paljud asjad kõlada uutmoodi, hingelisemalt, poeetilisemalt, värvikamalt, kuigi tõlgendus tervikuna jääb muutumatuks.

Oma töös analüüsib esitaja teose sisu, vormi ja muid tunnuseid ning need teadmised riietatakse interpretatsiooni tehnoloogia, emotsioonide ja tahte abil, s.t. loob kunstilise pildi.

Esiteks seisab esineja silmitsi stiiliprobleemiga. Muusikateose stiilitunnuste väljaselgitamisel on vaja kindlaks määrata selle loomise ajastu. Tundub, et pole vaja tõestada, et õpilase teadlikkus erinevusest näiteks prantsuse klavessinistide muusika ja muusika vahel täna annab talle kõige olulisema võtme uuritava töö mõistmiseks. Oluliseks abiks peaks olema tundmine rahvus selle autori (meenutagem näiteks, kui erinev oli kahe suure kaasaegse – S. Prokofjevi ja A. Hatšaturjani – stiil) tema omapäradega. loominguline viis ja talle iseloomulikud kujundid ja väljendusvahendid ning lõpuks tähelepanelik tähelepanu kompositsiooni enda loomise ajaloole.

Olles määratlenud stiililised omadused muusikateost, jätkame süvenemist selle ideoloogilisse ja kujundlikku struktuuri, selle informatiivsetesse seostesse. Programmeerimine mängib kunstilise kuvandi mõistmisel olulist rolli. Mõnikord sisaldub programm näidendi pealkirjas: näiteks L. K. Dakeni “Kägu”, A. Ljadovi “Muusikaline nuusktubakas” jne.

Kui kava ei ole helilooja poolt välja kuulutatud, on nii esitajal kui ka kuulajal õigus töötada välja oma teose kontseptsioon, mis peaks olema adekvaatne autori ideega.

Kujundliku sisu ekspressiivne, emotsionaalne edastamine peaks olema õpilastele sisendatud juba esimestes muusikakooli tundides. Pole saladus, et sageli taandub algajatega töötamine õigete klahvide õigeaegsele vajutamisele, mõnikord isegi kirjaoskamatu sõrmega: "Muusika kallal töötame hiljem"! Põhimõtteliselt vale seadistus.

Siiski tuleb kohe märkida, et õpetaja esitus õpitavate kompositsioonide tunnis ei ole sugugi alati kasulik. Iga uue pala liiga sage esitamine või kohustuslik mängimine võib õpilase omaalgatuse arengut pidurdada. Arvestada tuleb täpselt sellega, kuidas ja millisel perioodil kompositsiooni kallal töötades on õpilasel kasulik seda mängida.

Küsimusele, kuidas klassiruumis mängida, saab vastata üldjoontes: ehk parem. Hea esitus rikastab õpilast elavate kunstiliste muljetega ja on stiimuliks edasiseks iseseisvaks tööks. Õpilast mängides tuleb aga alati arvestada tema võimalustega.

Teose esitamine enne töö algust toimub peamiselt lastekoolis ja pealegi in madalamad klassid. Sellest on sageli palju kasu, kuna lapsel on mõnikord raske teatud kompositsioone iseseisvalt mõista ning nende uurimine ilma eelneva tutvumiseta kulgeb aeglaselt ja loiult. Sellegipoolest ei tohiks seda töömeetodit kasutada ainult madalamates klassides. Õppimise esimestest sammudest peale on vaja anda õpilastele süsteemseid ülesandeid tööga enesetutvumiseks, et arendada nende algatusvõimet. Järk-järgult peaks selliste ülesannete arv suurenema ja erandiks peaks saama õpetaja esialgne täitmine. Keskkoolis ja veelgi enam kolledžis ei tohiks see peaaegu kunagi toimuda.

Koos teose esitamisega tervikuna mängivad õpetajad seda sageli fragmentidena, see on eriti kasulik õpilasega töötamise protsessis teose õppimise keskmises etapis.

e) ÜLESANNE JA MÄRK

Peate olema kindel, et õpilane mõistab selgelt mitte ainult õpitava materjali hulka, vaid ka sellega töötamise olemust. Selleks ja ka selleks, et lapse mällu talle öeldust kõige olulisemat meelde jäädvustada, on kasulik õppetunni lõpus esitada asjakohaseid küsimusi. Päeviku sissekanded teenivad sama eesmärki. Mõned õpetajad kirjutavad lastega töötades suurte tähtedega, et laps saaks ülesande ise lugeda, see õpetab esimestest sammudest suurema iseseisvuseni ja aitab parandada kodutööde kvaliteeti.

Arvestades hinnete suurt hariduslikku väärtust, peab õpetaja olema kindel, et õpilane mõistab, miks ta konkreetse hinde sai.

3. KOKKUVÕTE

Õpetaja on kohustatud pidevalt tähelepanu pöörama sellele, kuidas õpilane aega jaotab, kui viljakad on kodutööd. Ta peab arendama oma initsiatiivi, iseseisva töö oskusi, tal peab olema pidev soov tundi elavdada, õpilast huvitada, tema aktiivsust igapäevatöös äratada.

Kõike eelnevat kokku võttes peab õpetaja mõistma, et akordioni laiade võimaluste realiseerimine on võimalik ainult kunstiliste ja tehniliste raskuste järjekindlal ületamisel. Seetõttu oma praktiline tegevus ta peaks keskenduma terviklik arengõpilase tehnilisi oskusi, arendades samal ajal tema muusikalist võimekust.

4. KASUTATUD KIRJANDUS:

1. Aleksejev I.D. Nööbilõõtspillimängu õpetamise meetodid. M.: 1960.

2. Meduševski V. V., Otšakovskaja O. O. Noore muusiku entsüklopeediline sõnaraamat. M.: Pedagoogika, 1985.

3.Rakhimov R.R. Kurai. Ufa, "Kitap" 1999.

4. Suleimanov G.Z. Kurai. Ufa, 1985.

5. Märkused "Metoodika" kohta.

Käesoleva tööga püütakse aidata nööpilõõtspilli õpetajaid lahendada mõningaid metoodilisi küsimusi ja mitmeid ülesandeid, millele õpetaja tähelepanu on praktilise töö käigus enim suunatud. Selle aluseks olid Kiievi Lenini Ordeni Konservatooriumi rahvapillide klassi ja rahvapillide osakonna kolmkümmend aastat kestnud tegevuse tulemused. P. I. Tšaikovski, mida juhib austatud kunstitöötaja professor M. M. Gelis. Siit leidsime praktilise lahenduse sellistele küsimustele nagu kasvatus- ja kasvatustöö planeerimine, käte seadmine laialdase rakendusega pöial parem käsi sõrmitsemisel, kahe rihma, lõõtsa, löökide jms kasutamine.
Raamat koosneb sissejuhatusest ja neljast peatükist.

Sissejuhatuses räägitakse nööpilõõtspilli rollist meie elus, selle mängimise kultuuri kasvust.
Esimene peatükk jälgib nupp-akordioni kui vene rahvapilli tekke ja arengut, millest on saanud üks armastatumaid. Selle jaoks on oluline nupp-akordioni arengu ajalugu korralik valgustusõpetamismeetodid, eelkõige ühe põhiküsimuse – poseerimise küsimuse – lahendamiseks.
Teises peatükis on lühidalt välja toodud nõukogude pedagoogika põhiprintsiibid ja välja toodud võimalused nende rakendamiseks akordioniõpetaja töö praktikas.
Kolmas peatükk on pühendatud organisatsiooni kõige olulisematele küsimustele akadeemiline tööõpetaja akordionimängu klassi õpilastega.
Viimases, neljandas peatükis uuritakse nupp-akordioni tehnilisi võimalusi, selle pilli mängimisel tekkivaid raskusi ja nende ületamise viise.

Autor ei sea eesmärgiks anda terviklikku, üldistatud metoodikat akordionimängu õpetamiseks. Ta püüab vaid aidata akordioniõpetajal õppesüsteemi vähemalt mingil määral täiustada.
Raamatu kallal töötades aitas autorit Ukraina NSV austatud kunstitöötaja professor M. M. Gelise P. I. Tšaikovski nimelise Riikliku Konservatooriumi Kiievi Lenini ordeni rahvapillide osakonna juhataja. Autor avaldab talle siirast tänu.
Autor palub kõigil, kes tunnevad huvi nööpilõõtspilli õpetamise meetodite vastu, saata oma kommentaarid ja ettepanekud, millega ta edaspidises töös tänulikult arvestab.

II peatükk
Treeningu põhiprintsiibid
Akordioniõpetaja eesmärk ja ülesanded.
Kasvatuse põhimõtted
Akordionisti õpetamise üldküsimused
Kasvatus- ja kasvatustöö planeerimine
Õpilase loomingulise initsiatiivi ja iseseisvuse arendamine.
Õpetaja autoriteet
Individuaalne lähenemine õpilasele

III peatükk
Õpetaja töö korraldamine nupulõõtspillimängu tunnis.
Õpetaja ettevalmistamine tunniks.
Tunni planeerimine
Tunni struktuur.
Õppemeetodid.
Töötage muusikapalaga
Repertuaari kordamise tähendus
Meeletu elevus.

IV peatükk
Muusikalise esituse tehniliste vahendite arendamine
Tööriista kvaliteet
Nööbilõõtspillimängu tehnika õpetamise üldpõhimõtted.
Käe asend
Vasaku käe tehnilised vahendid.
Vasaku käe lähteasend
Vasaku käe funktsioonid
Vasaku käe asendid
Mängukaalud
Arpedžode mängimine, basside ja akordide harjutamine. Sõrmede vahetus
Intervallide ja tetraakordide esitus
Parema käe tehnilised vahendid
Parema käe seadmise omadused
Kinnitusvead
Kaalude ja harjutuste sooritamine
Heli eraldamise tehnika
Dünaamika
hõrenemine.
lööki
traavivõistlused
Käte iseseisvus
Töö visandite kallal

Omavalitsuse autonoomne lisaharidus

"Laste oma Muusikakool"Koos. Kandra

Baškortostani Vabariigi Tuymazinsky rajoon

Metoodiline arendus:

« Iseärasused algharidus akordioni klassis »

Lõpetanud: Farrakhova I.V.

Sisu.

Sissejuhatus

1. Motivatsioon muusikatundideks.

   Ära periood.

   Mängimine nootide järgi

   Muusikat kuulama.

   Kuulmisvalik.

   Ansamblimäng.

   Töötamine kaaludel

   kaalumäng

   Õpilase iseseisva töö korraldamise põhimõtted.

   Õpilase iseseisva töö viisid muusikalise materjaliga.

   Ülesanded tööks vanematega

Järeldus

Sissejuhatus

Koolituse esialgne etapp on kõige raskem ja vastutustundlikum. See on õpilase kogu edasise suhtumise aluseks muusikasse, pilli, tundidesse. See on aluseks kõigele järgnevale. muusikaline koolitus. Õpetajalt nõutakse lisaks kõrgele muusikalisele kvalifikatsioonile ka spetsiaalsete psühholoogiliste, tahtejõuliste ja moraalsete omaduste olemasolu. Sellise juures on eriti oluline õpetaja austus ja autoriteet varajases staadiumis kus õpetaja isiksus mängib olulist rolli. Paljuski oleneb see õpilase suhtumisest tundidesse.

Õpetaja, kes viib läbi tunde noorte õpilastega, peaks suutma luua pingevaba, rõõmus õhkkond, hoia neid mängulises meeleolus, äratab nende kujutlusvõimet. Samal ajal on õpetaja kohustatud mitte ainult muusikat õpetama, vaid, mis pole vähem oluline, ka muusikaga harima.

Väga oluline ja võib-olla ka kõige raskem on muusika tutvustamine lapse ellu. loomulikult, ilma teda tavapärasest lapsepõlveelust sugugi eemale rebimata ja pealegi veel lapsepõlveelust välja sundimata. Laps õpib tööülesandeid hiljem, kuid kõigepealt on vaja avada talle imeline, salapärane muusikamaa, aidata tal sellesse armuda, ilma lapse olemust rikkumata. Ja kuna algülesannetest on kõige olulisem last "süütada", "nakatada" sooviga omandada muusikakeelt, rebimata teda eemale tema eale loomulikust "mängufaasist", on vaja ehitada. õppetund põneva mängu vormis.

On mitmeid ühiseid iseloomulikke psühhofüüsilisi tunnuseid, mida tuleb õpilastega töötamisel arvestada. madalamad klassid:

Esiteks ei suuda selles vanuses lapsed ühelegi probleemile pikka aega keskenduda. Seetõttu peaks tunni sisu olema mitmekesine ja värvikas, et lapse huvi ei nõrgeneks kogu aja jooksul.

Teiseks eristab lapsi uudishimu, mida tuleb rahuldada.

Kolmandaks tajub laps kergesti uusi asju, aga ka unustab kiiresti. Seda omadust tuleb arvestada ja võtta reegliks, et käsitletava materjali juurde tuleb pidevalt tagasi pöörduda.

Neljandaks, laste vaimne protsess ei võimalda neil tajuda ja omastada suurt hulka teavet, eriti kui seda esitatakse kontsentreeritult. Seetõttu põhjustab kiirustama sundimine, kiire reaktsioon negatiivseid tagajärgi, kuna see toob kaasa ärevuse, hirmu, kiirustamise.

Viiendaks, lapsed noorem vanus kalduvad mõtlema konkreetselt. Sellest tuleneb põhimõte: kõigepealt jutustada ja seejärel lisada mõni kujundlik tähistus.

Laps peaks akordioni mängimist tajuma uue meelelahutusena. Õpetaja ülesanne on seda meelelahutust juhtida. Selleks saab kasutada kõike, mis äratab lapse kujutlusvõime: muusikalist materjali ja joonistust, alltekstilaulude teksti (soovitavalt laste enda või õpetaja abiga koostatud), mänguga kaasnevat lugu, nuputamisülesandeid.

Üks tingimustest varajased õppetunnid- suutma äratada õpilase kaastunnet. Õpetaja ei saa loota, et laps hakkab muusikat armastama, kui õpetaja isiksus pole talle lähedaseks saanud. Oluline on luua lapsele pingevaba keskkond, et ta saaks end täielikult avada. See aitab lahendada üht kõige olulisemat ülesannet - käte vabadust ja loomulikke liigutusi möödumisel muusikalised mõtted ja tundeid.

Väikelastega tunde alustades tuleks ennekõike püüda neid mitte eemale peletada millegi liiga tõsisega, mis võib neile tüütu või igav tunduda. Huvi ja soov on õppimise edu võti rohkem kui miski muu. Tihti juhtub, et ärganud muusikahuviga aitab see ise manifesteerida ja arendada muusikule vajalikke spetsiifilisi andmeid: kuulmist, mälu, rütmitunnet jne. Vaid esimestel muusikakohtumistel huvi äratades saate last järk-järgult tutvustada kitsamasse erialaoskuste ringi. Ja liikudes edasi kutseõppesse, tuleks eelkõige püüda vajalikud teadmised lapsele võimalikult lihtsalt ja selgelt esitada. Koos nende alustega kujuneb muusikaline mõtlemine, kasvatatakse töötahet.

Laste muusikaga tutvumine peaks algama neile kättesaadava ja arusaadava muusikalise materjaliga. Tundide viisi ja spetsiifikat saab kõige sagedamini soovitada laps ise. Meie tunnid peaksid olema üles ehitatud kõigi muusikule oluliste õpitingimuste üheaegsele arendamisele.

Iga õppetund sisaldab:

klaviatuuri tundmine;

võimlemine ja käte positsioneerimine;

kuulmise, rütmi, mälu arendamine;

pilli omamise algoskuste kujundamine (maandumine, klahvpilli õppimine, heliloome meetodid ja mehaanikateadus, sõrmitsemisdistsipliini õpetus);

esmaste teoreetiliste teadmiste omandamine (klahvid, noodid, nootide kestused, loendamine, pausid, dünaamika, löögid jne);

lapsele erinevate liikide tutvustamine muusikaline tegevus(lihtsate laulude iseseisev esitamine, mängimine ansamblis koos õpetajaga, saatel laulmine, kõrva järgi valimine, vaatepilt, rütmilised harjutused jne.)

Et õppimine oleks edukas, on vaja järgmisi tingimusi:

Füüsiline valmisolek

vaimne valmisolek

Motivatsioonivalmidus (lapse võime lülituda üle õppetegevusele ja vastandada mängutegevust õppimisele ja kognitiivsele tegevusele)

Sõna otseses mõttes iga lapse jaoks, olenemata tema andekusest, saate leida sobiva lähenemisviisi, võtta muusikariiki sisenemiseks võtmed.

Motivatsioon muusikatundideks.

Õpetaja sihikindlus muusikaliste teadmiste osas, õpilase kired on tema edasise individuaalse arengu lähtekohaks.

Õpetaja eesmärgipärane töö õpilasega muusikakeele valdamisel: kujundliku sisu tuvastamine foneetilisel ja süntaktilisel tasandil, suundade, stiilide, žanrite uurimine, muusikalised vormid jne Motivatsioon muusikatundideks tõuseb loomulikult muusikakeele valdamisel. Õpilase muusikaliste huvide ulatuse laienemisega ja kunstimaitse kujunemisega muutub muusika järk-järgult tema vaimse elu osaks; ta mitte ainult ei harjuta pilli, vaid kuulab ka muusikasalvestisi, osaleb kontsertidel.

Normaalseks võib pidada olukorda, kus muusikalise keele valdamise tase ja sellest tulenevalt ka muusikalise mõtlemise tase on instrumentaalsest mõnevõrra ees. tehniline arengõpilane. Motivatsioon tundideks on sellistel juhtudel vaimset laadi ja aitab kaasa noore muusiku hariduse kõigi aspektide optimaalsele arengule.

Repertuaar on kõige olulisem faktor õpilase jätkusuutliku muusikahuvi kasvatamisel. Sellega seoses saab selle valiku põhimõtted kindlaks määrata järgmiste sätetega:

Harjutused ja skaalad peaksid olema parajasti õpitavate paladega tihedalt seotud, siis muutub nende kallal töötamine õpilase jaoks tähendusrikkaks. Kuigi siin on vajalikkuse kategooria atraktiivsuse kategooria suhtes ülimuslik.

Esinemine laval - märkimisväärne sündmusõpilase jaoks. See stimuleerib tema õpinguid, annab kindlustunde tema võimete vastu, annab edu korral soovi korduvaks eduks. Ebapiisavalt ettevalmistatud õpilast ei tohi lavale lasta.

Ära periood.

Prenotatsiooniperiood kujundab elementaarsed kuulmis-motoorika vastastikuse sidumise oskused mängu ajal (vaata-kuul-mängi-kuula).Prenotatsiooniperioodil kasutatakse laialdaselt erinevaid õpilasega töötamise vorme, mis stimuleerivad tema enda loovust. Näiteks: muusika järgi liikumine, joonistamine, sõnaline kirjeldus, muusika koostamine, kõrva järgi sobitamine, transponeerimine. Dooneerimisperiood võib kesta mitu kuud.

Noodieelse perioodi ülesanded: mitte ainult anda vajalikku teoreetilist teavet ja sisendada esmaseid mänguoskusi, esitades need lapsele huvitaval, kättesaadaval kujul, vaid kujundada ka kõige olulisem - kirg muusika vastu, huvi selle vastu. klassid, soov töötada.

Töö sisu annetusperioodil: teoreetilise materjali, sh nootide õppimine, maandumise põhitõdede valdamine, käte seadmine kõrva järgi mängimise kaudu parema, vasaku ja kahe käega, ansamblis mängimine koos õpetajaga.

Erialatund ei tohiks dubleerida solfedžotundi. Kus õpilane peab pähe õppima palju uusi sõnu, definitsioone, mõisteid. Esitada tuleks vaid minimaalselt hetkel tundides vajalikku elementaarset infot, kuid õpilasele pakutavate teoreetiliste teadmiste hulk on küllaltki mahukas. See sisaldab: uute teemade selgitamist, pillil näitamist, kasutamist didaktilised mängud, töötage metoodilise juhendiga.Õpetaja:valmistada ette vajalik didaktiline materjal erinevaid teemasid(visuaalsed abivahendid nootide nimetuste, nende kestuste, dünaamiliste varjundite, juhuslike jne.)

Asendamatu abiline lapsele kõrvaga uuritavate meloodiate rütmimustri ja kõlasuhte taasesitamisel. Paralleelselt õpib õpilane märkmete asukoha pähe, "loeb" need suuliselt lehelt. Parem on jätta õpilasele meelde teoreetiline materjal, mis aitab luulet lugeda. Töötades koos õpilasega, et leida õige intonatsioon, tuua esile peamised sõnad tähenduses, määrata tempo, meeleolu, arendab õpetaja lapse emotsionaalset sfääri.

Töö sisu:

muusika kuulamine (tegelase määratlus, žanr)

teadvus žanrite rütmilisest originaalsusest

laulude laulmine saatega ja ilma.

helide arvu, motiivide määramine

helide suhtelise kõrguse mõiste teadvustamine

närviga tundmine

intervallide tundmaõppimine

käte positsioneerimine ja löökide valdamine

ansamblis mängimine

valguspalade, etüüdide, harjutuste esitamine

esitus loomingulised ülesanded: näidendite joonistused, väikeste meloodiate koostamine, lühiriimid, valik kõrva järgi, transponeerimine.

Pühendage osa tunnist harjutustele:

Sõrmeharjutused. Laua taga istudes kõigepealt ühe, siis teise käega ja kahe käega “koos” (“Sild”, “Hüppamine”, “Pall”, “Klassika”, “Hüppesild”).

Lõõgastusharjutused.

Õhuklappide harjutused.

Kujundlik taju, aktiivne kujutlusvõime - laste mõtlemise eripära. Kujundliku mõtlemise arendamiseks kutsutakse õpetajat töös rakendama järgmisi harjutusi:

“Lukk - välk ”- randme lõdvestamiseks. Vaba libisemine klaviatuuril üles-alla.

“Lindude lennud koos maandumisega” - kaarekujulised ja lainelised liigutused klaviatuuril.

“Sharpshooter" või "Jaht". Kuulmiskoordinatsiooni mäng. Suure käeliigutusega vajutage soovitud klahvi.

“Leia mind” - kuulmise arendamise harjutus.

“Kõndiv ekskavaator” - iseloomu ülekandmine puudutuse kaudu 1.-5. sõrmelt randmekiigutusega.

“Karu". Eesmärk on nootide mehaaniline õppimine vasakpoolsel klaviatuuril. Esitage teistmoodi.

“Kaja” - kuulmisoskuste arendamine.

Veenduge, et laps:

kuuleb kõrgeid ja madalaid helisid, meloodia liikumist üles-alla;

tunneb hästi klaviatuuri ehitust, jaotust oktaviteks;

võtmete nimetus;

on idee, et meloodia koosneb erinevatest kestustest ja sellel on kindel meetri rütm.

Võite alustada noodikirja õppimist ja nootide mängimist.Noodikirja õpetamine peaks olema järk-järguline, mitte pealesunnitud. Kogemused näitavad, et parim viis meisterdamiseks noodikiri- õpilase poolt mängitud meloodiate salvestamine. Rütmiseaduste selgitamisest koolieelikule ei saa juttugi olla. Rütmi tajub selles vanuses laps kõrva järgi, visuaalselt, teksti abil, võrdledes pikki ja lühikesi kestusi. Kodutöödeks on asendamatud noodid, milles esitatakse üsna lihtsal kujul teoreetiline materjal, palju loovülesandeid, mõistatusi.

Esimesse praktilisse tundi minge alles pärast õpilase maandumisele, instrumendi paigaldamisele, käte seadmisele esitatavate nõuete täitmist:

rihmad ette valmistada

vali õige kõrgusega tool

püstitage peegel (lase õpilasel ennast imetleda)

Eriala tunnis peab õpilane ennekõike õppima pillimängu. Kogemused näitavad, et pillimängu eelistatakse alustada vasaku käega. Tükid tuleb valida eelkooliealiste laste psühholoogilisi iseärasusi arvestades.

Meloodiad peaksid olema lühikesed (rahvalaulud, laulud ja näidendid). Tükkide pikkus ei tohiks ületada 8 mõõtu.

Näidendeid on soovitav saada värssidega ( poeetiline tekst mitte ainult ei loo lapses emotsionaalset meeleolu, vaid aitab mõista ka laulu rütmilist poolt)

Ehitada muusikaline haridus vene rahvuslikul alusel, edasi klassikalised pildid, teiste rahvaste folklooriloomise näidetel.

Eelistada tuleks mängunon legato. Õppimist tuleb alustada ühe näpuga mängimisest ja õppetunnist õppetundi, iga uue palaga kaasata kõik sõrmed töösse. Juba esimestes tundides peab õpilane mõistma sõrmitsemise mustreid, lähtudes sõrmede loomulikust ja mugavast paigutusest klaviatuuril.

Muusikat kuulama.

Muusika kuulamine on selle keele valdamisel oluline tegur. Kõige olulisem mõju algajale õpilasele on tavaliselt õpetaja või vanemate õpilaste mäng. Plaadi kuulamist ja kontsertidel käimist selles koolitusetapis reguleerib õpetaja. See võtab arvesse repertuaari kättesaadavust, selle kvaliteeti. Seda protsessi ei saa jätta juhuse hooleks, sest samaaegselt muusikakeele mõistmisega kujuneb välja ka õpilase maitse.

Kuulmisvalik.

Kohe esimeses tunnis on õpilase eesmärk akordionil vähemalt üks hääl ise teha, kuid tal pole veel teadmisi ega oskusi. Seetõttu soovitan temaga koos olles mänguliselt kõrva järgi valikus treenida.

Tööriist on endiselt õpetaja käes. Parem on tulla õpilase käest: paluge tal laulda mis tahes heli. Seejärel, ilma õpilasele klaviatuuri näitamata, mängige heli, mida ta laulis. Ja siit esimene järeldus: nupuakordionil saab taasesitada häälega lauldud heli. Kui õpilane suudab laulda veel üht või mitut heli, korrake neid pillil. Kas ta oskab tuttavat laulu laulda? Kui jah, siis esitage nende lauldud meloodiat.

Juhtub, et õpilase katsed laulda teistsugust heli viivad ta sama heli kordamiseni. Selle põhjuseks võivad olla mitmed põhjused: kuulmise ebapiisav areng, kuulmise ja hääle koordinatsiooni puudumine, häbelikkus ja lõpuks arusaamatus sellest, mida nad temalt tahavad. Ärge juhtige õpilase tähelepanu tema ebaõnnestumisele, minge kaugemale: mängige kordamööda kahte heli, millest ühte laulis õpilane. Parem on, kui need helid on üksteisest eraldatud olulise intervalliga, näiteks kvarts või kvint (aga mitte oktav, kuna see võib õpilast segadusse ajada). Paluge tal "arvata", milliseid helisid ta laulis. Vajadusel korrake seda harjutust.

Nüüd näidake õpilasele kahte lähedalasuvat klahvi (soovitavalt mitte teises, vaid kolmandas naabruses ühes reas), millest ühe heli ta laulis. Ülesanne õpilasele: neid klahve kordamööda vajutades leidke "oma heli".Pange tähele, et pill jääb õpetaja kätte ja tema juhib karva.

Keerutage ülesanne: mängige tessituuris üks heli, mida õpilane saab oma häälega reprodutseerida, paluge tal seda heli laulda ja seejärel osutada talle kaks või kolm klahvi, mille hulgas on etteantud üks. Paluge see leida, vajutades vaheldumisi näidatud klahve.

Ansamblimäng.

Paljude õpetajate kogemused algajatega töötades annavad tunnistust sellest, et õpilase muusikasse "sisenemine" ja selles eneseväljendus on meeskonnas alati tõhusam. Nähes kaasõpilaste reaktsiooni, on laps aktiivsemalt "kaasatud" töösse, tajub muusikat tähelepanelikumalt ja sügavamalt kui üksi täiskasvanutega. Alghariduses on soovitatav harjutada korraga kahe või kolme lapsega. Lisaks eelpool välja toodud mänguliste töövormide kasutamisele on võimalusi harjutuste ja näidendite ühiseks sooritamiseks, mis arendab kaaslase kuulmise ja enesekuulamise oskust ning aitab ka “aega organiseerida”. Kui õpilased mängivad sama teost, saate nende vahel jagada hääli või käteosi, kirjutada neid või muid palasid dueti, trio jaoks.

Sellist vanamuusika tegemist ansamblis kasutatakse harva, kuid praktika näitab, et õppetöö algperioodi ansambliline töövorm pole mitte ainult võimalik ja tõhus, vaid ka väikelastele väga atraktiivne. Sageli õpivad nad ansamblipartiid kiiremini ja paremini selgeks kui nende soolopalad.

Õpetajaga ansamblis mängimine

Ansambel - see on omamoodi ühismuusika tegemine. Ansamblis mängimisest kirjutas ka G. Neuhaus: „Õpilane on algusest peale, esimesest tunnist saadik seotud aktiivse musitseerimisega. Koos õpetajaga mängib ta lihtsat, kuid juba omavat kunstiline väärtus mängib. Lapsed tunnevad koheselt vahetu tajumise rõõmu, kuigi terad, aga kunst. Nootide veel mittetundmine ja asjaolu, et õpilased mängivad kuuldud muusikat, innustab neid kahtlemata oma esimesi muusikalisi kohustusi võimalikult hästi täitma. Ja see on kunstilise kuvandi kallal töötamise algus.

Õpetaja ülesanded ansamblitöös:

arendada ja aktiveerida loovus lapse isiksus.

köida laps muusikaga

kaasata laps loovusse

Mänguoskused, mille lapsed omandavad ansamblis mängides:

Instrumendi tutvustus

Vahemikuga tutvumine, klaviatuur

Rütmiliste mustrite valdamine

Elementaarsete algsete mänguliigutuste omandamine

Dünaamiliste varjundite, löökide valdamine

Helikujutlusvõime arendamine

Töötamine vanematega

Töötamine kaaludel.

Erinevad kaaludega töötamise meetodid suurendavad õpilastes huvi oma mängu vastu, hoiavad lapsi hõivatud ja stimuleerivad nende kaalu. Õpilane ei tohiks mastaape mängida mehaaniliselt, vormiliselt, tempo pärast, kuulamata, mis toimub. Kiire mäng ei tohiks kahjustada heliloomingu ühtlust, täpsust, eristatavust ja pianistlike liigutuste korrektsust. Kaalude kallal töötamise peamine ülesanne on soorituse kvaliteedi parandamine. Tempo võetakse see, milles kõike kuulatakse ja saadakse. Selles artiklis käsitleme ainult skaalade mängimist, mitte kogu skaalakompleksi (akordid, arpedžod jne).

Kaalusid mängides tuleb jälgida ja kohe hoiatada

õpilaste järgmised puudused:

1. Sõrmed ei tohiks klahvide vahele kinni jääda. Võtme sõrmega võtmine ja eemaldamine peab olema aktiivne ja täpne. Selleks tuleb sõrmeotsad veidi fikseerida ja suunata klahvide võtmiseks, kuid ärge tõstke neid kõrgele.

2. Ärge painutage sõrmede viimaseid falange. Oleneb ka näpunäidete fikseerimisest. Võtme külge on vaja haakida ja kinnitada sõrme ots.

3. Ära painuta randmeluid, tunneta neis klounide tuge, muidu ei jõua õlast tulev jõud nende otsteni.

4. Asendeid vahetades ei tohi esimese sõrmega "välja lüüa", kuulake skaala heli ühtlust, et helijoon ei katkeks.

Kaalumäng.

Kaalumängu peamine märk on käe raskuse tunnetamine sõrme otsas. Seda tüüpi tehnikat kasutatakse laialdaselt klaveriesituses. Nööbil akordionil on selle kasutamisel oma spetsiifika. Esiteks ei saa kaalumängu täielikult kasutada vasak käsi, st seda ei saa kasutada vasaku kehapoole klaviatuuril, kuna käe raskuse tunnetamist sõrmeotsas piirab raskuste olemasolu. töövöö, mis surub käe poolkeha katte külge. Teiseks on ka parema käe raskust raske tunda klaviatuuri vertikaalse paigutuse tõttu. Ja lõpuks: pianist tunnetab käe raskust oma pilli horisontaalpinnal õlast, bajaanimängija aga suurel määral käsivarrest ning hoiab kätt raskuses. Vaatamata tunnetuse raskustele ja piirangutele saab raskusmängu parema kehapoole klaviatuuril aga ülimalt efektiivselt kasutada.

Käe raskuse tunnetamine tuleb tõstatada juba treeningu alguses. See on mootorivabaduse saavutamise aluseks, kui mängitakse ilma igasuguse pingeta. Juba esimestel tundidel saate teha järgmisi harjutusi: õpetaja tõstab õpilase käe üles, seejärel vabastab selle, saavutades vabalangemise.

Õpilase iseseisva töö korraldamise põhimõtted .

1. Individuaalne lähenemine erinevate meetodite, tehnikate ja tööviiside rakendamisele õpilase poolt.

2. Õpilase oma tegevuse analüüsivõime kujunemine, iseseisva mõtlemise arendamine.

3. Õpilase teadlikkus oma töö eesmärkidest ja eesmärkidest.

4. Keskendumisvõime kujundamine.

Õpetaja aitab kaasa õpilase sisukamale tööle, kui ta motiveerib seatud eesmärke. Eesmärkide hierarhia võiks õpetaja jaoks välja näha järgmine: esimene on õpilase tutvustamine vaimsesse maailma muusika kaudu, teine ​​muusikakeele valdamine, kolmas pilli valdamine. Iga järgnev eesmärk võrreldes eelmise eesmärgiga on ainult vahend.

Erinevate töövormide rakendamine.

Haridus mängu vormis.

Ülesannete ja eesmärkide selgus ja juurdepääsetavus.

Õpilase teadlikkus positiivsest või negatiivsest tulemusest.

Kuulmise aktiveerimine, mänguaistingud.

Füüsilise ja psühholoogilise stressi kontroll; väsimuse vältimine ennetava meetmena töös keskendumise, keskendumisvõime säilitamiseks.

Samaaegse juhtimise võime arendamine: artikulatsioon ja dünaamika, karva ja sõrmede liikumine, meloodia ja saate jne.

Õpilase iseseisva töö viisid

muusikalise materjaliga.

Õpetaja selgitab õpilasele ülesannet, kaaludes võimalikud viisid selle rakendamine.

Veendumaks selge ülesande õigsuses palub ta õpilasel see siinsamas tunnis, ehkki puudulikult, peatuste ja parandusega täita.

Seejärel kuulab ta õpetaja arvamust. Märkides edukaid episoode, palub õpetaja meenutada, kuidas ta nendega töötas, fikseerides oma mõtetes hetked, mis aitavad kaasa positiivsele tulemusele. Ebaõnnestumise korral parandab õpetaja tehtud tööd või pakub alternatiivseid lahendusi.

Tunnis saab korrata kodutöö eraldi hetki, et selgitada välja ebaõnnestumiste põhjused ja määrata nende lahendamise meetodid.

Ülesanded vanematega töötamiseks:

vanemate kaasamine õppeprotsessi

teha lapsevanematest head abilised oma lapsele tema igapäevastes tegevustes kodus.

uute perehuvide kujunemine

vaimne lähenemine laste ja vanemate vahel

motivatsiooni kujunemine, mille tõttu suureneb huvi ja innukus muusikatundide vastu.

5-6-aastaste lastega tööle asumisel on väga oluline,teha vanematest pedagoogilise protsessi kaasosalised.

PÕRGUS. Artobolevskaja kirjutas: „Rõõmsameelne töö vanemate endi jaoks peaks olema aeg, mille nad annavad muusikatunnid. Perekond võib ja peaks saama kunstihariduse esimeseks sammuks.

Koostöö eesmärgid:

luua perekonnas iga hea muusika (instrumentaal, sümfooniline, ooper, ballett, džäss, folk) vastu ülimalt lugupidav õhkkond

ühtse kogukonna loomine: õpetaja, laps, vanemad, mis põhineb:

täielik enesekindlus

heatahtlikkus

huvi ja ühine eesmärk

Töö vanematega toimub kahes suunas:

individuaalselt

vanemate meeskonnaga

Kõige ratsionaalsem töövorm vanematega:

vanemate kutsumine tundidesse (eriti oluline on hariduse algetapp)

lastevanemate koosolekud õpilaste kontserdiga

individuaalsed ja kollektiivsed konsultatsioonid

pereüritused (pühad, võistlused, pereõhtud, mis on pühendatud erinevaid aineid kus õpilastel on võimalus näidata oma töö käigus omandatud muusikalisi võimeid kõikides programmi osades.

Järeldus

Muusiku erialase ettevalmistuse üks olulisemaid etappe on algperiood, mil õpilane tutvub esmakordselt pilliga, pannakse paika põhilised kuulmis- ja füüsilised aistingud. Alghariduse ülesandeks on tutvustada lapsele muusikamaailma, selle väljendusvahendeid ja instrumentaalset kehastust sellele vanusele kättesaadavas ja põnevas vormis. Algajatega töötades tuleks kaasata muusikalised õppemeetodid, mis on lähedased koolieelikutele. Palju oleneb sellest, kuidas seda tööd tehti ja puudused selles võivad mõjutada isegi aastaid hiljem.

Bibliograafia

I. Aleksejev "Nööp-akordionimängu õpetamise meetodid." Moskva 1980

A. Krupin "Muusikapedagoogika küsimusi". Leningrad 1985

B. Egorov "Lavastamise üldpõhimõtted nupp-akordionimängu õppimisel." Moskva 1974

V. Zavjalov "Bayan ja pedagoogika küsimused." Moskva 1971

G.I. Krõlov. "Väikese bajanisti ABC", 1. osa, 2. osa.



F. Lips "Bajaani mängimise kunst". Moskva 1985

D. Samoilov. "Akordionilugeja, 1.–3. klass"

V. Semenov. " kaasaegne kool lahemängud.