Balletist rääkides peame alati silmas loovust, sest just tema tõi selle lavažanri tõsiste ja mastaapsete muusikaliste ja lavaliste etteastete kategooriasse. Tal on ainult kolm balletti ja kõik kolm – "Luikede järv", "Pähklipureja", "Uinuv kaunitar" on kuulsad suurepärase dramaturgia ja imelise muusika poolest.

Pjotr ​​Tšaikovski populaarseim balletiteos, mida peaaegu kõik kuulevad, on 1877. aastal kirjutatud "". Paljud killud sellest tantsulavastusest - "Väikeste luikede tants", "Valss" jt on juba ammu oma elu elanud, eraldi elu nii populaarne muusikalised kompositsioonid. Melomaanide tähelepanu väärib aga kogu etendus, mis räägib armastusloost. Tšaikovski, kes oli oma eluajal tuntud oma hämmastava helilooja ande poolest, premeeris balletti heldelt lugematute võluvate ja meeldejäävate meloodiatega.

Veel üks parimaid ballette muusikaajalugu- "" Tšaikovski. See oli helilooja teine ​​üleskutse tantsužanr, ja kui " Luikede järv«Publik ei hinnanud seda alguses, siis tunnistati «Ilu» kohe meistriteoseks ja seda näidati peaaegu kõigis teatrites. Vene impeerium ja Euroopas.

Ballett põhineb meil lapsepõlvest tuntud lool, muinasjutt Charles Perrault uinuvast kaunitarist, kurjast haldjast ja kõikevõitvast armastusest. Tšaikovski täiendas seda lugu imeliste tantsudega muinasjutu tegelased, ja Marius Petipa - hämmastava koreograafiaga, millest sai kogu aeg balletikunsti entsüklopeedia.

"" - Pjotr ​​Tšaikovski kolmas ja viimane ballett, üks tema loomingu tunnustatud tippe, mis jõuab jõulude ja aastavahetuse ajal kindlasti kõikidesse Euroopa teatritesse. Hoffmanni muinasjutt "Pähklipureja ja hiirekuningas"jätkab Tšaikovski poolt Luikede järves alustatud kurjuse ja hea võitluse teemat, täiendab seda fantaasia ja loomulikult armastuse ja eneseohverduse elementidega. Filosoofiline lugu, arvukad kaunid tantsunumbrite meloodiad ja koreograafia teevad sellest balletist ühe parima ja ihaldatuima klassika muusikateosed maailma muusika.

Omal ajal oli see üks skandaalsemaid ballette. Nüüd on "Romeo ja Julia" üks klassikalisi tantsulavastusi paljudes teatrites üle maailma. Helilooja uus, paljuski revolutsiooniline muusika nõudis trupilt uut stsenograafiat ja liikumismaneeri. Enne esietendust pidi helilooja sõna otseses mõttes veenma lavastajaid ja tantsijaid lavastuses osalema. See aga ei aidanud, riigi peamised teatrid - Bolshoi ja Kirovi teatrid keeldusid seda etendust lavastamast. Alles pärast ootamatut kõlavat edu"Romeo ja Julia" Tšehhoslovakkias, ballett lavastati Peterburis ja Moskvas ning Prokofjev ise pälvis Stalini preemia.

Kõikide maailma tantsutruppide klassikaline esitus on Giselle. Ballett põhineb legendil džiipidest – pruutide vaimudest, kes surid õnnetu armastuse tõttu ja jälitasid seetõttu meeletu tantsuga kõiki nende teele sattunud noormehi. Alates esilinastusest 1841. aastal pole Giselle kaotanud oma populaarsust amatööride seas. tantsukunst, ja tal oli palju lavastusi.

P.I. Tšaikovskit peetakse õigustatult balletižanri reformijaks. Selle mõistmiseks tuleb vähemalt natuke ette kujutada, milline oli ballett enne teda.

19. sajandil, enne Tšaikovskit, oli balletikunstis kolm suunda: itaalia, prantsuse ja vene koolkonnad.

Kuigi esimest korda mainitakse vene balletti juba 17. sajandil, algab selle areng hiljem, samas kui selle õitseaeg langeb 19. sajandi algusesse, mil “Didlot krooniti au”, nagu kirjutas Puškin, ja “jumalik”. ” valitses Istomin. Puškini read peegeldasid tegelikkust: esimesed inimesed XIX sajandi balletis pikka aega seal polnud üldse heliloojaid, vaid baleriinid ja koreograafid. "Teiseks" seoses tantsu ülimuslikkusega oli muusika, mis täidab sageli ainult rütmilisi funktsioone. Kuigi koreograafid püüdsid tantsu ja muusikat kokku viia, anti muusikat siiski väike roll. Seetõttu võtsid suuremad heliloojad balletti harva ette, pidades seda “madalaks” ja rakenduslikuks žanriks.

Rohkem kunstiline väärtus tol ajal ei olnud mitte vene, vaid prantsuse ballette, ennekõike A. Adam ja L. Delibes. Üks esimesi A. Adami romantilisi ballette "Giselle" avas lüürilise armastusdraama sisu mitte ainult koreograafias, vaid ka muusikas. Temast sai Luikede järve vahetu eelkäija.

Kui vene heliloojad ei soosinud oma tähelepanuga balletti, siis sageli sisestasid nad ooperisse tantsuepisoode, milles muusika mängis olulist rolli. Nii et säravad tantsuetendused olid kahes Glinka ooperis. Nendes aga kehastasid balletistseenid vaenlaste kujundeid (poolakate “Elu tsaari jaoks”), fantastilisi, maagilisi kujundeid (“Ruslan ja Ljudmila” tantsivad Tšernomori aedades) ja olid vaid osa tegevusest. Sellegipoolest valmistasid Tšaikovski balletireformi kõige rohkem ette just ooperid ja ennekõike Glinka ooperid.

Tšaikovski uuendusmeelsus avaldus balleti sümfoniseerimises. Helilooja küllastab partituuri intensiivse temaatilise arengu ja ühtsusega, mis varem oli omane vaid instrumentaal- ja ooperimuusikale. Samas jättis ta kõik tantsu enda ja tantsutegevuse spetsiifilised jooned, s.o. ei muutnud balletti tantsuelementidega sümfooniaks, ei võrrelnud seda ooperiga, vaid säilitas tantsusüidid, traditsioonilise klassikalise balleti tantsud.

Kõigi kolme Tšaikovski balleti „Luikede järv“, „Uinuv kaunitar“ ja „Pähklipureja“ sisu on seotud fantaasiamaailmaga. Tšaikovski eelistas balletis muinasjutulisust ja ooperis tõelise elu kuvandit. Aga ikkagi tõeline ja vapustav fantaasiamaailm kõigis helilooja ballettides on need läbi põimunud, kuna on iga kuulaja jaoks muinasjutus seotud. Lummav, maagiline balletitegevus ei ole vastuolus Tšaikovski geeniuse loodud salapäraste, kaunite, õhuliste kaalutute, kuid lihtsate ja väga inimlike kujunditega.

Ja nüüd tahaksin üksikasjalikumalt analüüsida P.I. kolme balletti. Tšaikovski.

§ 1 “P.I. ballettidest. Tšaikovski"

Tšaikovski Pjotr ​​Iljitš, vene helilooja. 1865. aastal lõpetas ta Peterburi konservatooriumi (A. G. Rubinšteini õpilane). Ta oli Moskva konservatooriumi professor (1866-1878).

Tšaikovski looming kuulub maailma muusikakultuuri kõrgustesse. Ta kirjutas 11 ooperit, 6 sümfooniat, sümfoonilisi poeeme, kammeransambleid, kontserte viiulile ja klaverile op. koorile, häälele, klaverile jne. Tšaikovski muusikat eristab ideede ja kujundite sügavus, emotsioonide rikkus ja kaasahaarav emotsionaalsus, väljenduse siirus ja tõepärasus, ergas meloodia ja keerukad sümfoonilise arengu vormid. Tšaikovski viis läbi balletimuusika reformi, süvendas selle ideoloogilisi ja kujundlikke kontseptsioone ning tõstis kaasaegse ooperi ja sümfoonia tasemele.

Tšaikovski hakkas ballette kirjutama küpse heliloojana, kuigi ta kaldus komponeerima tantsumuusika ilmnes temas loovuse esimestest sammudest peale. Igapäevamuusikast juurdunud tantsurütme ja žanre kasutas Tšaikovski mitte ainult väikestes instrumentaalpalades, vaid ka ooperis ja sümfoonilistes teostes. Enne Tšaikovskit oli muusikal balletilavastuses valdavalt rakenduslik tähendus: andes tantsule rütmilise aluse, ei sisaldanud see aga sügavaid ideid ja kujundlikke jooni. Selles domineerisid rutiin ja klišeed, sama tüüpi tantsuvorme kohandati mitmesuguste teemade kehastamiseks. Tšaikovski reformi valmistas ette tantsužanrite ja -vormide rakendamise kogemus maailma klassikalises ooperi- ja ooperis. sümfooniline muusika, sealhulgas oma loomingus, arendas tantsustseene M. I. Glinka ja teiste vene heliloojate ooperites, edasijõudnud koreograafide soovi tõsta muusika tähtsust balletilavastuses. Tšaikovski reformi sisuks on radikaalne muusika rolli muutumine balletis. Abielemendist kujunes see defineerivaks, süžeed rikastavaks ja koreograafiale sisu andvaks. Tšaikovski balletimuusika on "dansantlik", st loodud oma tantsulist eesmärki silmas pidades, rakendab kõiki sellel alal kogutud saavutusi, on teatraalne, kuna sisaldab tegevuse põhikujundite, olukordade ja sündmuste kirjeldust, määratledes ja väljendades selle arengut. Samas on Tšaikovski balletid oma dramaturgia, põhimõtete ja stiilitunnuste poolest lähedased sümfoonilisele ja ooperimuusikale, tõusevad maailma tippudega samale tasemele. muusikaline kunst. Traditsioone tagasi lükkamata, balletimuusika ajalooliselt väljakujunenud žanreid ja vorme hävitamata täitis Tšaikovski need samal ajal uue sisu ja tähendusega. Tema balletid säilitavad numbristruktuuri, kuid iga number on suur muusikaline vorm, mis allub sümfoonilise arengu seadustele ja annab tantsule laia mänguruumi. Tšaikovski jaoks on suure tähtsusega lüürilised ja dramaatilised episoodid, mis kehastavad tegevuse arengu võtmemomente (adagio, pas d "tegevus jne), valsid, mis loovad tegevuse lüürilise atmosfääri, rahvuslike tunnustantsude süidid, tegevus -pantomiimistseenid, mis kujutavad sündmuste kulgu ja peeneid muutusi tegelaste emotsionaalses seisundis. Tšaikovski balletimuusikat läbib ühtne dünaamilise arengu joon ühes numbris, etapis, vaatuses, kogu etenduses tervikuna.

Ch. esimene ballett "Luikede järv" (op. 1876), 1889. aastal valmis Tšaikovski ballett "Uinuv kaunitar" (1890, Mariinski ooperiteater, koreograaf Petipa), Tšaikovski viimane ballett - Pähklipureja, (op. 1891, lavastatud 1892, Mariinski teater, koreograaf Ivanov).

Tšaikovski läbiviidud balletimuusika reform avaldas sügavat mõju balletikunsti edasisele arengule.

§ 2 Ballett "Luikede järv"

"Luikede järv". Kõigist maailmas loodud ballettidest on ta ehk kõige kuulsam ja populaarseim. Maailma "Luikede järvest". balletiteater algas uus etapp selle arengust, mida iseloomustab balletikunsti kahe peamise komponendi koreo ja häbelik, graafika ja muusika tihe liit.

"Luikede järv" – kui maailmaballeti meistriteos – pole Petipa, Vaganova ega Grigorovitši konkreetne lavastus. See on umbes Tšaikovski antud loomingust, millele on suunatud erinevad koreo­, graafikud ja millel on juba sajand lava ajalugu. "Luikede järv" on ennekõike Tšaikovski partituur, mille põhjal etendused mingil määral õnnestusid.

Tõenäoliselt oli Tšaikovski Luikede järve kallal töötades hästi teadlik loomingulisi võimalusi balleti trupp Bolshoi teater. Lõppude lõpuks oli helilooja, nagu teate, väga kogenud balletivaataja. "Sagedastest külastustest (balletietendused. - A.D.),- kirjutab M. I. Tšaikovski, - omandas ta. arusaamine tantsukunsti tehnikas ja “õhupalli”, “kõrguse”, “soki kõvaduse” jne väärtusest. tarkus." üks

". «Fausti» eelõhtul vaatasin, õigemini «kuulasin» samas teatris P. Tšaikovski balletti «Luikede järv». Olles lugenud, et ma balletti "kuulasin", peab lugeja mind võib-olla liialdatud kohusetundlikuks retsensendiks, spetsialistiks, kes on nii valusa aususe kinnisideeks, et isegi balletis ei unusta ta hetkekski tegu, millega ta tegeleb. määratud, järgib rangelt iga seitsmendat akordi ja pigistab kõige muu ees silmad kinni. Paraku!

Lugeja annab mulle au mitte & häbelik, hästi teenitud. Kui tõsine inimene ei peaks olema ballettist huvitatud, siis pean südamekaksusega loobuma tõsise inimese tiitlist ning sellega kaasnevatest õigustest ja eelistest. Kellegi jaoks, aga minu jaoks on "Vene Terpsichore hing, sooritatud lend" väljendamatu võlu ja ma ei lakanud kahetsemast, et andekamad muusikud ei jaga minu nõrkust ega suuna oma helilooja tugevusi sellesse valdkonda. tundub selline luksuslik ruum veidra kujutlusvõime jaoks. Väga väheste eranditega hoiavad tõsised parempoolsed heliloojad end balletist kaugel: kas selles on süüdi jäikus, mis paneb neid balletti kui "madalat muusikat" halvustavalt vaatama, või mõni muu põhjus – ma ei oska arvata. . Olgu kuidas on, P. I. Tšaikovski on sellest jäikusest vaba või vähemalt korra elus oli ta sellest vaba. Ja selleks ta Tänan teid väga: ehk leiab tema eeskuju jäljendajaid tema ringis, helilooja maailma kõrgemates sfäärides. Kuid kogu oma armastuse juures sedalaadi prillide vastu kuulasin P. I. Tšaikovski balleti esituses palju rohkem kui vaatasin. Muusikaline pool domineerib otsustavalt koreograafilise poole üle. Muusikaliselt on Luikede järv parim ballett, mida ma kuulnud olen, see tähendab muidugi kogu balletti, mitte aga divertiseerimist sellistes ooperites nagu Elu tsaarile või Ruslan ja Ljudmilla. 2

Balletti "Luikede järv" alustas Tšaikovski 1875. aasta mais ja lõpetas Glebovis 10. aprillil 1876. aastal. Selle kuupäeva pani helilooja ise partituuri lõplikule käsikirjale: “Lõpp. Glebovo. 10. aprill 1876." Sel ajal sisse Bolshoi teater esimeste vaatuste üksikud numbrid olid juba harjutatud. Ja 20. veebruaril 1877 kuulis Moskva helilooja Tšaikovski uut teost, tema esimest balletti - Luikede järv. Nii algas selle vene ja maailma klassika meistriteose lavaelu.

ballett kuidas muusikaline vorm arenes pelgalt tantsu lisamisest spetsiifilise kompositsioonivormini, millel oli sageli sama tähendus kui saatetantsul. 17. sajandil Prantsusmaalt alguse saanud tantsuvorm sai alguse teatritantsuna. Formaalselt ei saanud ballett kuni 19. sajandini "klassikalist" staatust. Balletis tekkisid terminid "klassikaline" ja "romantiline" kronoloogiliselt muusikaline kasutamine. Nii langes 19. sajandil balleti klassikaline periood muusikas romantismi ajastuga. 17. ja 19. sajandi balletimuusika heliloojad, sealhulgas Jean-Baptiste Lully ja Pjotr ​​Iljitš Tšaikovski, olid valdavalt Prantsusmaal ja Venemaal. Rahvusvahelise tuntuse suurenemisega nägi Tšaikovski oma eluajal balletimuusika kompositsiooni ja üldse balleti levikut kogu läänemaailmas.

Entsüklopeediline YouTube

1 / 3

✪ Absoluutne kuulujutt balleti "Uinuv kaunitar" kohta

✪ Dona nobis pacem Anna meile rahu I S Bachi Missa h-moll Tatari ooperi- ja balletiteater 2015

✪ ♫ Klassikaline muusika lastele (Klassikaline muusika lastele).

Subtiitrid

Lugu

• Umbes 19. sajandi teise pooleni oli muusika roll balletis teisejärguline, põhirõhk oli tantsul, samas kui muusika ise oli lihtsalt tantsumeloodiatest laenatud. "Balletimuusika" kirjutamine oli varem muusikaliste käsitööliste, mitte meistrite töö. Näiteks pidasid vene helilooja Pjotr ​​Iljitš Tšaikovski kriitikud tema balletimuusika kirjutamist millekski alatuks.
  Varaseimatest ballettidest kuni Jean-Baptiste Lully (1632-1687) ajani oli balletimuusika peotantsumuusikast eristamatu. Lully lõi erilise stiili, milles muusika jutustaks lugu. Esimene "Actioni ballett" lavastati 1717. See oli sõnadeta jutustatud lugu. Teerajajaks oli John Weaver (1673-1760). Nii Lully kui Jean-Philippe Rameau kirjutasid "ooperi – balleti", kus tegevus oli esitati osaliselt tantsu, osaliselt laulmise saatel, kuid balletimuusika tähtsus vähenes järk-järgult.
  Järgmine suur samm toimus üheksateistkümnenda sajandi algusaastatel, kui solistid hakkasid kasutama erilist jäika balleti kingad- pointe kingad. See võimaldas murdosalisemat muusikastiili. Aastal 1832 kuulus baleriin Marie Taglioni (1804-1884) oli esimene, kes demonstreeris en pointe tantsu. See oli Sylphis. Nüüd oli võimalik muusikat ilmekamaks muuta.Tantsud muutusid järk-järgult julgemaks, tantsijad tõstsid õhku mehed.
  Kuni Tšaikovski ajani ei eraldunud balletihelilooja sümfooniate heliloojast. Balletimuusika oli saateks soolo- ja ansamblitantsule. Tšaikovski ballett "Luikede järv" oli esimene muusikal balletitöö, mille on loonud sümfooniline helilooja. Tšaikovski initsiatiivil balletiheliloojad ei kirjutanud enam lihtsaid ja kergeid tantsuosi. Nüüd ei olnud balleti põhirõhk ainult tantsul; tantsude järgne kompositsioon omandas võrdse tähtsuse. 19. sajandi lõpus oli Marius Petipa vene balleti ja tantsu koreograaf, töötades koos heliloojatega nagu Caesar Pugni, et luua balleti meistriteoseid, mis mõlemad uhkustasid nii keeruka tantsu kui ka tantsuga. keeruline muusika. Petipa töötas koos Tšaikovskiga, tehes koostööd heliloojaga tema Uinuva kaunitari ja Pähklipureja puhul või kaudselt Tšaikovski Luikede järve uue väljaande kaudu pärast helilooja surma.
  Paljudel juhtudel kasutati ooperites stseene või kostüümi vahetamiseks siiski lühikesi balletistseene. Võib-olla kuulsaim näide balletimuusikast ooperi osana on Amilcare Ponchielli ooperist La Gioconda (1876) pärit "Tundide tants".
  Kardinaalne meeleolumuutus toimus Igor Stravinski balleti "Kevadriitus" (1913) loomisel.

Muusika oli ekspressionistlik ja ebakõlaline ning liigutused väga stiliseeritud. 1924. aastal kirjutas George Antheil "Mehhaanilise balleti". See sobis liikuvate objektide filmile, kuid mitte tantsijatele, kuigi oli oma kasutuselt uuenduslik. jazzmuusika. Sellest lähtepunktist jaguneb balletimuusika kahte voolu – modernismi ja jazztantsu. George Gershwin püüdis seda lünka täita oma ambitsioonika partituuriga filmile Let's Dance (1937), mis sisaldas rohkem kui tund aega muusikat, mis hõlmas intellektuaalset ja tehniliselt löövat džässi ja rumbat. Üks stseenidest on kirjutatud spetsiaalselt baleriini Harriet Hawthori jaoks.
Paljud ütlevad, et jazztantsu esindab kõige paremini koreograaf Jerome Robbins, kes töötas koos Leonard Bernsteiniga filmis West Side Story (1957). Mõnes mõttes on see tagasipöördumine "ooper-balleti" juurde, kuna lugu jutustatakse enamasti sõnadega. Modernismi esindab kõige paremini Sergei Prokofjev balletis "Romeo ja Julia". See on näide puhtast balletist ja seal on ei mõjuta džäss ega muu levimuusika.Teine suund balletimuusika ajaloos on suund vana muusika loomingulisele kohandamisele.Ottorino Respighi kohandas Gioacchino Rossini (1792-1868) teoseid ja nende ühiseid sarju balletis nn. 1919. aastal esietendunud "Võlupood" eelistab romantilist muusikat, nii et uued balletid ühendatakse läbi vanade teostega. uus koreograafia. kuulus näide on "Dream" – Felix Mendelssohni muusika, kohandanud John Lunchbury.

Balletiheliloojad

AT XIX algus Sajandeid lavastasid ballettmeistrid etendusi kogutud muusikale, mis enamasti koosnes populaarsetest ja tuntud ooperifragmentidest ja laulumeloodiatest. Esimene, kes üritas senist tava muuta, oli helilooja Jean-Madeleine  Schneitzhoffer. Selle eest langes talle märkimisväärne kriitika alates tema esimesest teosest - balletist "Proserpina" (1818):

Muusika kuulub noor mees, mis avamängu ja mõne balleti motiivi järgi otsustades väärib julgustust. Kuid usun kindlalt (ja kogemus toetab minu arvamust), et olukordadesse oskuslikult valitud motiivid teenivad alati paremini koreograafi kavatsusi ja paljastavad tema kavatsuse selgemalt kui peaaegu täiesti uus muusika, mis pantomiimi seletamise asemel ise selgitust ootab.

Vaatamata kriitikute rünnakutele hakkasid teised heliloojad Schneitzhofferit järgides kõrvale kalduma traditsioonist luua muusikafragmentidest kokkupandud balletipartituure teiste kuulsate (enamasti ooperiteoste) motiividel - Ferdinand   Herold, Fromental   Halevi ja ennekõike. - ja siis viljakalt Marius Petipaga koos töötanud, järgis ta partituuride loomisel rangelt koreograafi juhiseid ja tema kava - kuni taktide arvuni igas numbris. Saint-Leoni puhul tuli tal kasutada isegi koreograafi seatud meloodiaid: Karl Waltzi memuaaride järgi vilistas ise viiuldaja ja muusik Saint-Leon Minkusele motiive, mida ta „palavikuliselt tõlkis. muusikalisteks märkideks”.

See praktika ei vastanud sama Schneitzhoferi põhimõtetele, kes hindas oma mainet iseseisva autorina ja töötas partituuride loomisel alati koreograafist eraldi (erand tehti vaid balleti La Sylphide loomisel, koos

Väljaannete rubriik Teatrid

Kuulsad vene balletid. 5 parimat

Klassikaline ballett on hämmastav kunstiliik, mis sündis Itaalias küpse renessansi ajal, "kolis" Prantsusmaale, kus selle arendamise teene, sealhulgas Tantsuakadeemia asutamine ja paljude liikumiste kodifitseerimine, kuulus kuningas Louis XIV-le. . Prantsusmaa eksportis teatritantsu kunsti kõigile Euroopa riigid, sealhulgas Venemaa. AT üheksateistkümnenda keskpaik sajandil ei olnud Euroopa balleti pealinn enam Pariis, mis kinkis maailmale romantismi meistriteosed "La Sylphide" ja "Giselle", vaid Peterburi. Just põhjapealinnas käis süsteemi looja suurepärane koreograaf Marius Petipa. klassikaline tants ja meistriteoste autor, mis siiani lavalt ei lahku. Pärast Oktoobrirevolutsioon nad tahtsid balleti modernsuse laevalt maha visata, kuid suutsid seda kaitsta. nõukogude aeg seda iseloomustas märkimisväärse hulga meistriteoste loomine. Esitleme viit kodumaist tippballetti – kronoloogilises järjekorras.

"Don Quijote"

Stseen balletist Don Quijote. Marius Petipa üks esimesi lavastusi

Balleti esietendus L.F. Minkus "Don Quijote" Suures Teatris. 1869 Arhitekt Albert Kavose albumist

Stseenid balletist Don Quijote. Kitri - Ljubov Roslavleva (keskel). Lavastus A.A. Gorski. Moskva, Bolshoi Teater. 1900

Muusika L. Minkus, libreto M. Petipa. Esimene lavastus: Moskva, Suur Teater, 1869, M. Petipa koreograafia. Järgnenud lavastused: Peterburi, Mariinski teater, 1871, M. Petipa koreograafia; Moskva, Suur Teater, 1900, Peterburi, Mariinski teater, 1902, Moskva, Suur Teater, 1906, kõik - A. Gorski koreograafia.

Ballett "Don Quijote" on elu- ja juubeldusküllane teatrietendus, igavene tantsupidu, mis ei väsi täiskasvanuid ja kuhu vanemad oma lapsed mõnuga kaasa võtavad. Kuigi teda kutsutakse kangelase nimeks kuulus romaan Cervantes, kuid tõrjutud ühest tema episoodist "Quteria ja Basilio pulmad" ning räägib noorte kangelaste seiklustest, kelle armastus lõpuks võidab, hoolimata kangelanna kangekaelse isa vastuseisust, kes tahtis teda rikastega abielluda. Gamache.

Nii et Don Quijotel pole sellega peaaegu midagi pistmist. Kogu etenduse vältel kõnnib laval ringi pikk ja kõhn kunstnik, keda saadab lühike ja kõhna Sancho Panzat kehastav kolleeg, muutes kohati keeruliseks Petipa ja Gorski komponeeritud kaunite tantsude vaatamise. Ballett on sisuliselt kostüümikontsert, klassikalise ja karaktertantsu pidu, kus kõigil mis tahes balletitrupi artistidel on midagi teha.

Balleti esimene lavastus toimus Moskvas, kuhu Petipa aeg-ajalt reisis, et tõsta kohaliku trupi taset, mida ei saanud võrrelda Mariinski teatri särava trupiga. Kuid Moskvas oli kergem hingata, nii et koreograaf lavastas sisuliselt balletimeenutuse päikeselisel maal veedetud imelistest noorusaastatest.

Ballett oli edukas ja kaks aastat hiljem viis Petipa selle Peterburi, mistõttu oli vaja ümber töötada. Seal iseloomulikud tantsud palju vähem huvitatud kui puhas klassika. Petipa laiendas "Don Quijote" viie vaatuseni, komponeeris "valge teo", nn "Don Quijote unenägu", mis on tõeline paradiis tutus baleriinide armastajatele, ilusate jalgade omanikele. Amoride arv "Unenäos" jõudis viiekümne kaheni...

Don Quijote jõudis meieni Moskva koreograafi Aleksandr Gorski ümbertöötatuna, kes armastas Konstantin Stanislavski ideid ja soovis muuta vana balleti loogilisemaks ja dramaatiliselt veenvamaks. Gorsky hävitas Petipa sümmeetrilised kompositsioonid, tühistas "Unistuste" stseenis esinemise ja nõudis Hispaania tantsijate jaoks tumedat meiki. Petipa nimetas teda "seaks", kuid juba Gorski esimeses muudatuses mängiti balletti Suure Teatri laval 225 korda.

"Luikede järv"

Lavastused esimeseks etenduseks. Suur teater. Moskva. 1877

Stseen P.I. balletist "Luikede järv". Tšaikovski (koreograafid Marius Petipa ja Lev Ivanov). 1895

Muusika P. Tšaikovski, libreto V. Begitšev ja V. Geltser. Esimene lavastus: Moskva, Suur Teater, 1877, koreograafia V. Reisinger. Järgnev lavastus: Peterburi, Mariinski teater, 1895, M. Petipa, L. Ivanovi koreograafia.

Kõigi lemmikballett, mille klassikaline versioon lavastati 1895. aastal, sündis tegelikult kaheksateist aastat varem Moskva Suures Teatris. Maailmakuulsus alles ees ootava Tšaikovski partituur oli omamoodi "sõnadeta laulude" kogumik ja tundus tolle aja kohta liiga keeruline. Ballett toimus umbes 40 korda ja vajus unustusehõlma.

Pärast Tšaikovski surma lavastati Mariinski teatris Luikede järv ja kõik järgnevad balleti lavastused põhinesid sellel klassikaks saanud versioonil. Tegevusele anti suur selgus ja loogika: ballett jutustas kurja geeniuse Rothbarti tahtel luigeks muudetud kauni printsess Odette’i saatusest, sellest, kuidas Rothbart pettis temasse armunud prints Siegfriedi, oma tütre Odile’i võlude poole pöördudes ja kangelaste surmast. Tšaikovski partituuri vähendas dirigent Ricardo Drigo umbes kolmandiku võrra ja orkestreeris uuesti. Esimese ja kolmanda vaatuse koreograafia lõi Petipa, teise ja neljanda vaatuse koreograafia Lev Ivanov. See jaotus täiuslik viis vastas mõlema särava koreograafi kutsumusele, kellest teine ​​pidi elama ja surema esimese varjus. Petipa on klassikalise balleti isa, laitmatult harmooniliste kompositsioonide looja ja naise-haldja laulja, naine-mänguasi. Ivanov on uuenduslik koreograaf, kellel on ebatavaliselt tundlik muusikatunnetus. Odette-Odile'i rolli mängis Pierina Legnani, “Milano baleriinide kuninganna”, ta on ka esimene Raymonda ja 32 fouette leiutaja, mis on pointe-kingade kõige keerulisem pöörlemisviis.

Sa ei pruugi balletist midagi teada, aga Luikede järve teavad kõik. AT viimased aastad olemasolu Nõukogude Liit, kui eakad juhid üksteist üsna sageli vahetasid, kuulutasid balleti peategelaste “valge” dueti hingestatud meloodia ja teleekraanilt kostnud tiivavarsipuhangud kurvast sündmusest. Jaapanlased armastavad Luikede järve nii väga, et on valmis seda vaatama hommikuti ja õhtuti ükskõik millise trupi esituses. Ükski ringreisitrupp, keda Venemaal ja eriti Moskvas on palju, ei saa hakkama ilma Lebedinajata.

"Pähklipureja"

Stseen balletist Pähklipureja. Esimene lavastus. Marianna - Lydia Rubtsova, Clara - Stanislava Belinskaja, Fritz - Vassili Stukolkin. Mariinski ooperiteater. 1892

Stseen balletist Pähklipureja. Esimene lavastus. Mariinski ooperiteater. 1892

Muusika P. Tšaikovski, libreto M. Petipa. Esimene lavastus: Peterburi, Mariinski teater, 1892, koreograafia L. Ivanov.

Raamatutest ja veebisaitidelt ringleb endiselt ekslik teave, et Pähklipureja on lavale toonud klassikalise balleti isa Marius Petipa. Tegelikult kirjutas Petipa ainult stsenaariumi ja balleti esimese lavastuse viis läbi tema alluv Lev Ivanov. Ivanovile langes võimatu ülesanne: stsenaarium, mis oli loodud tollal moekas balleti ekstravagantse stiilis Itaalia külalisesineja hädavajalikul osalusel, oli ilmses vastuolus Tšaikovski muusikaga, mis, kuigi kirjutatud rangelt Petipa juhiste järgi, paistis silma suurepärane tunnetus, dramaatiline rikkus ja keeruline sümfooniline areng. Lisaks oli balleti kangelanna teismeline tüdruk ja baleriin-staar valmistati ette ainult viimaseks pas de deux'ks (duett partneriga, mis koosnes adagiost - aeglasest osast, variatsioonidest - soolotantsudest ja codast (virtuoosne finaal)). "Pähklipureja" esimene lavastus, kus esimene, valdavalt pantomiim, erines järsult teisest, divertiseerimisest, ei olnud kuigi edukas, kriitikud märkisid ära ainult Lumehelveste valssi (selles osales 64 tantsijat) ja Passi. de deux of the Dragee Fairy and the Läkaköhaprints , mis on inspireeritud Ivanovi Adagio roosiga Uinuvast kaunitarist, kus Aurora tantsib koos nelja härrasmehega.

Kuid 20. sajandil, mis suutis tungida Tšaikovski muusika sügavustesse, oli Pähklipurejale määratud tõeliselt fantastiline tulevik. Nõukogude Liidus, Euroopa riikides ja USA-s on lugematul arvul balletietendusi. Venemaal on eriti populaarsed Vassili Vainoneni lavastused Leningradi Riiklikus Akadeemilises Ooperi- ja Balletiteatris (praegu Mariinski teater Peterburis) ja Juri Grigorovitši lavastused Moskva Suures Teatris.

"Romeo ja Julia"

Ballett Romeo ja Julia. Julia - Galina Ulanova, Romeo - Konstantin Sergejev. 1939. aastal

Proua Patrick Campbeple Julia rollis Shakespeare'i "Romeos ja Julias". 1895

Romeo ja Julia finaal. 1940. aasta

Muusika S. Prokofjev, libreto S. Radlov, A. Piotrovsky, L. Lavrovski. Esimene lavastus: Brno, Ooperi- ja Balletiteater, 1938, koreograafia V. Psota. Järgnev lavastus: Leningrad, Riiklik Akadeemiline Ooperi- ja Balletiteater. S. Kirov, 1940, L. Lavrovski koreograafia.

Kui Shakespeare’i fraas tuntud venekeelses tõlkes loeb "Maailmas pole kurvemat lugu kui Romeo ja Julia lugu", siis nad ütlesid sellele süžeele kirjutatud suure Sergei Prokofjevi balleti kohta: "Maailmas pole kurvemat lugu kui Prokofjevi muusika balletis". Tõeliselt hämmastav ilu, värvikülluse ja väljendusrikkuse poolest, tundus "Romeo ja Julia" partituur oma ilmumishetkel liiga keeruline ja balletile sobimatu. Balletitantsijad lihtsalt keeldusid temaga tantsimast.

Prokofjev kirjutas partituuri 1934. aastal ja algselt polnud see mõeldud mitte teatrile, vaid kuulsale Leningradi Akadeemilisele Koreograafiakoolile 200. aastapäeva tähistamiseks. Projekt jäi ellu viimata Sergei Kirovi mõrva tõttu 1934. aastal Leningradis. muusikaline teater teine ​​pealinn tuli muutuma. Samuti ei saanud teoks plaan lavastada Romeo ja Julia Moskva Bolshois. 1938. aastal näitas esietendust Brno teater ja alles kaks aastat hiljem jõudis Prokofjevi ballett lõpuks lavale ka autori kodumaal, tollases Kirovi teatris.

Koreograaf Leonid Lavrovsky lõi “drambaleti” žanri (1930.–50. aastate balletile iseloomulik koreograafilise draama vorm) raames, mida nõukogude võimud väga tervitasid, muljetavaldava, põneva vaatemängu hoolikalt vormitud massistseenidega ja peenelt. välja toodud psühholoogilised omadused tegelased. Tema käsutuses oli Galina Ulanova, kõige rafineeritum baleriin-näitleja, kes jäi Julia rollis ületamatuks.

Lääne koreograafid hindasid Prokofjevi partituuri kiiresti. Balleti esimesed versioonid ilmusid juba 1940. aastatel. Nende loojad olid Birgit Kuhlberg (Stockholm, 1944) ja Margarita Froman (Zagreb, 1949). Märkimisväärsed lavastused"Romeo ja Julia" kuuluvad Frederick Ashtonile (Kopenhaagen, 1955), John Crankole (Milano, 1958), Kenneth MacMillanile (London, 1965), John Neumeierile (Frankfurt, 1971, Hamburg, 1973).I. Moisejev, 1958, koreograafia Y. Grigorovich, 1968.

Ilma "Spartacuse" pole "nõukogude balleti" kontseptsioon mõeldav. See on tõeline hitt, ajastu sümbol. Nõukogude periood arendas teisigi teemasid ja kujundeid, mis erinesid sügavalt Marius Petipalt päritud traditsioonilisest klassikalisest balletist ning Moskva ja Peterburi keiserlikest teatritest. Muinasjutudõnneliku lõpuga arhiveeriti ja need asendati kangelaslike lugudega.

Juba 1941. aastal rääkis üks juhtivaid Nõukogude heliloojaid Aram Hatšaturjan oma kavatsusest kirjutada muusikat monumentaalsele kangelaslikule etendusele, mis tuleb lavale Suures Teatris. Selle teemaks oli episood Vana-Rooma ajalugu, orjade ülestõus, mida juhtis Spartacus. Hatšaturjan lõi värvika partituuri, kasutades Armeenia, Gruusia, Vene motiive ning täis kauneid meloodiaid ja tuliseid rütme. Lavastuse pidi lavastama Igor Moisejev.

Kulus palju aastaid, enne kui tema töö publiku ette jõudis ja see ilmus mitte Suures Teatris, vaid Teatris. Kirov. Koreograaf Leonid Yakobson lõi vapustava uuendusliku esituse, jättes kõrvale klassikalise balleti traditsioonilised atribuudid, sealhulgas tants pointe'il, kasutades sandaalides tasuta plastist ja baleriini kingi.

Kuid ballett "Spartacus" sai koreograaf Juri Grigorovitši käes 1968. aastal hitiks ja ajastu sümboliks. Grigorovitš avaldas vaatajale muljet läbinisti ülesehitatud dramaturgia, peategelaste tegelaste peene kujutamise, rahvastseenide oskusliku lavastamise, lüüriliste adagiode puhtuse ja iluga. Ta nimetas oma teost "etenduseks neljale solistile koos corps de balletiga" (corps de ballet – massitantsu episoodidega seotud artistid). Vladimir Vassiljev mängis Spartacuse rolli, Crassus - Maris Liepa, Phrygia - Jekaterina Maksimova ja Aegina - Nina Timofeeva. Card de ballet oli valdavalt meessoost, mis teeb balleti "Spartacus" ainulaadseks.

Lisaks Jakobsoni ja Grigorovitši tuntud Spartacuse lugemitele on balletist veel umbes 20 lavastust. Nende hulgas on Jiri Blazeki versioon Praha balletile, Laszlo Seregi Budapesti balletile (1968), Jüri Vamos Arena di Veronale (1999), Renato Zanella Viini Riigiooperi balletile (2002), Natalia Kasatkina ja Vladimir. Vassilev lavastas Riiklikule Akadeemilisele Teatrile, klassikaline ballett Moskvas (2002).

Aita mind palun. Vajame 10 vene heliloojat ja nende ballette.

1. Tšaikovski luikede järv
2. 1. Asafjev Boriss Vladimirovitš - "Bahtšisarai purskkaev"
   
   
   
   
   
   
3. Jah, see on palju lihtsam :)
   1 - Tšaikovski - Pähklipureja
   2-Stravinsky- tulelind
   3-prokofjev-tuhkatriinu
   4-scriabin-scriabiniana
   5-rahmaninov-paganini
   6-silma-raymond
   7-Šostakovitš-Svetli oja
   8-Roman-Korsakov-Scheherezade
   9-gavrilin -anyuta
   10-cherepnin -armida paviljon
   annan miinimumi, pimedus on :)))
4. Ma kirjutan ilma heliloojateta!

   15 BALLETI NIMETUS

   1) "Luikede järv"

   2) "Uinuv kaunitar"

   3) "Pähklipureja"

   4) "Raymonda"

   5) "Don Kitoch"

   6) "Korsair"

   7) "Keskmine duett"

   8) "Tuhkatriinu"

   9) "Kuldne ajastu"

   10) "Mängukaardid"

   11) "Romeo ja Julia"

   12) "Spartacus"

   13) "Giselle"

5. tänan abi eest kõiki, kes neid heliloojaid tunnevad
6. 1 - Tšaikovski - Pähklipureja
   2-Stravinsky- tulelind
   3-prokofjev-tuhkatriinu
   4-scriabin-scriabiniana
   5-rahmaninov-paganini
7. Tšaikovski, Prokofjev, Stravinski ja paljud teised
8. . Asafjev Boriss Vladimirovitš - "Bahtšisarai purskkaev"
   2. Arensky Anton (Antony) Stepanovitš - "Egiptuse ööd"
   3. Glazunov Aleksandr Konstantinovitš - Raymond
   4. Glier Reingold Moritsevitš – "Pronksratsutaja"
   5. Prokofjev Sergei Sergejevitš - Tuhkatriinu, Romeo ja Julia
   6. Rahmaninov Sergei Vassiljevitš - balletilavastus "Paganini"
   7. Rimski-Korsakov Nikolai Andrejevitš - tema muusika järgi on lavastatud balletid Šeherezade ja Kuldne kukk
   8. Skryabin Aleksander Nikolajevitš - tema muusika järgi on lavastatud balletid Prometheus, Poeem of Ecstasy
   9. Stravinski Igor Fdorovitš - "Tulilind"
   10. Štšedrin Rodion Konstantinovitš - "Konk-Gorbunok", "Carmeni süit"
   Nad kirjutasid Tšaikovskist, kuid Glinka ja Mussorgski kirjutasid oma ooperites muusikat balletitants.
   Eshpay Andrey Yakovlevich - "Angara"
9. Aleksander Nikolajevitš Skrjabin Aleksander Nikolajevitš Skrjabin on vene helilooja ja pianist, üks säravamad isiksused Vene ja maailma muusikakultuur. Skrjabini originaalne ja sügavalt poeetiline looming paistis silma uuenduslikkuse poolest isegi paljude uute kunstisuundade sünni taustal, mis on seotud muutustega. avalikku elu 20. sajandi vahetusel.
   Moskvas sündinud ema suri varakult, isa ei saanud pojale tähelepanu pöörata, kuna ta oli Pärsias suursaadik. Skrjabinit kasvatasid tema tädi ja vanaisa, lapsepõlvest peale näitas ta muusikaline võime. Algselt õppis kl kadettide korpus, võttis klaveri eratunde, pärast korpuse lõpetamist astus Moskva konservatooriumi, klassivend oli S. V. Rahmaninov. Pärast konservatooriumi lõpetamist pühendus Skrjabin täielikult muusikale – kontsertpianisti-heliloojana tuuritas ta Euroopas ja Venemaal, juhatades enamus aega välismaal.
   Skrjabini heliloomingu kõrgaeg oli aastatel 1903-1908, mil kolmas sümfoonia (" jumalik luuletus”), sümfooniline “Ektaasi poeem”, “Traagiline” ja “Saatanlik” klaveriluule, sonaadid 4 ja 5 ning muud teosed. Mitmest teemast-kujundist koosnev "Ecstasy poeem" koondas Srjabini loomingulisi ideid ja on tema särav meistriteos. See ühendas harmooniliselt helilooja armastuse suure orkestri jõu ja lüürilise õhulise kõla vastu. soolopillid. Kehastunud ekstaasi poeemis, kolossaalne Eluline energia, tuline kirg, tahtejõuline jõud jätab kuulajale vastupandamatu mulje ja kuni täna säilitab oma mõju.
   Teine Skrjabini meistriteos on "Prometheus" ("Tule poeem"), milles autor uuendas täielikult oma harmoonilist keelt, väljudes traditsioonilisest toonisüsteemist ja esimest korda ajaloos pidi seda teost saatma värv. muusikat, kuid tehnilistel põhjustel ei läbinud esiettekanne valgusefekte.
   Viimane lõpetamata "Müsteerium" oli unistaja, romantiku, filosoofi Skrjabini idee pöörduda kogu inimkonna poole ja inspireerida teda looma uut fantastilist maailmakorda, Universaalse Vaimu liitu mateeriaga.
   A. N. Skrjabin "Prometheus"

   Sergei Vasilievitš Rahmaninov Sergei Vasilievitš Rahmaninov on 20. sajandi alguse suurim maailmahelilooja, andekas pianist ja dirigent. Rahmaninovi kui helilooja loomingulist kuvandit määratletakse sageli epiteediga "kõige venelikum helilooja", rõhutades selles lühikeses sõnastuses tema teeneid Moskva ja Peterburi muusikatraditsioonide ühendamisel. heliloojate koolid ja enda loomisel ainulaadne stiil, seistes maailmas eraldi muusikaline kultuur.
   Sündinud Novgorodi kubermangus, hakkas ta alates neljandast eluaastast ema käe all muusikat õppima. Ta õppis Peterburi konservatooriumis, pärast 3 aastat õpinguid läks üle Moskva konservatooriumi ja lõpetas selle suure kuldmedaliga. Ta sai kiiresti tuntuks dirigendi ja pianistina, komponeerides muusikat. Uuendusliku Esimese sümfoonia (1897) katastroofiline esiettekanne St. Euroopa romantism, kaasaegne impressionism ja neoklassitsism – ja see kõik on küllastunud keerulise sümboolikaga. Sellel loomeperioodil sünnivad tema parimad tööd, koos

10. Noh, ma ei hakka nii laialt kirjutama ja ma ei jõua kõiki 10 nimetada. Aga ... . Šostakovitš, balletid "Bright Stream", "Bolt" (see on vähem tuntud), Tšaikovski - "Pähklipureja", "Luikede järv", Prokofjev "Romeo ja Julia"