Popkunsti eripärade hulgast on vaataja jaoks olulisemad lihtsus ja ligipääsetavus ning kunstiline selgus. Sage külaline erinevaid programme Ta on alati valmis tagama, et esineja loob temaga esimestest minutitest tugeva ja loomuliku kontakti.

Pianist, viiuldaja või vokalist võib loota tõsiasjale, et järk-järgult, lõigult lõiguni, oma teoste esitamisel suudavad nad publikut võita. “Meelelahutaja loob vahetu, siira, avatud kontakti. Vaataja viisakas laval toimuva jälgimine võrdub läbikukkumisega." 34

Arengu ajaloos popkunst On palju näiteid tajumise kerguse kaotamisest, mis viib avatud ja siira kontakti katkemiseni publikuga, mis on tervetele žanritele kalliks maksma läinud. See puudutab eelkõige seda tüüpi popkunsti, milleks on džässmuusika. Sõjaeelsetel aastakümnetel oli džäss meil (ja mitte ainult meil - sarnaseid protsesse võib täheldada ka välismaal, kodumaal USA-s) väga tihedalt seotud kerge muusikaga, massilauluga. Meie populaarsed lauljad, sealhulgas Leonid Utesov, esitasid oma kuulsaid laule jazzansamblite saatel. Jazz instrumentaalmuusika (A. Tsfasman, V. Knushevitsky) oli samuti üles ehitatud meloodiatele ja rütmidele, mis olid tavakuulajale kättesaadavad.

Järk-järgult muutus džässmuusika keerukamaks, laenates harmoonias ja meloodilis-rütmilistes struktuurides kaasaegse sümfoonia saavutusi. Alustades sõjajärgsete aastate “be-bop” stiilist kuni tänapäevase “fusioni” välja, areneb džäss tegelikult kooskõlas “tõsise” muusikaga, keskendudes ettevalmistatud kuulajale, nautides mitte kõigi mõistmist ja armastust, nagu see oli enne. Tänapäeval on jazzkunsti eripäraks see, et džässi tihe side laulu ja “kerge” muusikaga on nõrgenenud, kui mitte katkenud.

Popkunsti eripärad – ligipääsetavus ja lihtsus – on tihedalt seotud teise spetsiifilise tunnusega – selle massilise atraktiivsusega 35 . Tänapäeval ei saa enam mööda vaadata tõsiasjast, et valdav enamus vaatajatest on selle parimate meistrite loominguga kursis vaid “äraviijate” kohtumiste kaudu. "Isegi ilma täpsete sotsioloogiliste andmeteta võime kindlalt väita, et vähemalt 90 protsenti publikust, kes armastab ja tunneb Alla Pugatšova või Valeri Leontjevi repertuaari, pole kunagi nende etendustel käinud. kontserdisaal. Nende jaoks on piiramatu suurusega auditoorium teleriekraan” 36 .

Televisiooni sort art- eriline õppeaine, mis väärib erilist tähelepanu. Kaasaegse publiku sotsiaalse reguleerimise protsessi ei saa täielikult mõista, võtmata arvesse televisiooni meelelahutusringhäälingus toimuvaid protsesse 37 .

Paljud televisiooni meelelahutusprogrammide probleemidest kirjutavad autorid kurdavad selliste saadete ebapiisava arvu üle. Literaturnaja Gazeta, kes korraldas noorte seas küsitluse nende suhtumise kohta televisiooni, märkis, et "vaatajate ettepanekud ("Millised noortele mõeldud saated võiksid teie arvates teles ilmuda?") on selgelt allutatud kahele vaimule - televisiooni vaimule. meelelahutus ja teadmiste vaim" Samas nõuab lavale 91 protsenti (!!) publikust! Ja isegi need, kellele meeldivad praegused variatsiooniprogrammid: neil lihtsalt ei piisa – nad vajavad rohkem” 38 .

Peab ütlema, et televisiooni varieteekunsti kvantitatiivsed hinnangud pole päris õiged. Teadlased võtavad arvesse ainult erivarieteeprogramme, samas kui paljudes teistes programmides on kõik kunstilised “insertid” (ja neid on palju) tegelikult muusikalised estraadinumbrid. Tänapäeval võib popkunstis täheldada kahte suundumust: spetsiaalsete meelelahutusprogrammide tekkimine - nagu " Viimane kangelane“, kus koos kitsa ringi pop-staaridega löövad saates kaasa ka tundmatud esinejad “Tähetehasest”. Popkunsti eripäradest tuleks esile tõsta moodi. Mood võib olla mõeldud konkreetsele žanrile, esinejale, isegi esituse välistele tehnikatele või kunstniku esinemisele varieteeprogrammis. Moearengu mustreid on väga raske paika panna ja veelgi keerulisem on valmistada ette “kohandatud” tükk, mis saavutaks universaalse populaarsuse ja hakkaks “tooni andma”.

Elanikkonna (eelkõige noorte) esteetilisele haridusele tekitab märkimisväärset kahju mõne estraadiprogrammi populaarsuse mõtlematu ärakasutamine kontserdiorganisatsioonide administraatorite poolt. Ajakirjanduses on viidatud arvukalt fakte selle kohta, kuidas filharmooniaseltside üksikud juhid „reklaamivad” showprogramme sümfoonia- või kammerkontsertide arvelt. Selle tulemusena on paljudes linnades, mis olid varem kuulsad oma kontserditraditsioonide poolest, kõik kohad nüüdseks täielikult show-äri võimu alla antud 39 .

Kuigi on lihtne märgata, et see ring on laienenud noorte andekate muusikute ja lauljateni, kes rahuldavad laia publiku kõige erinevama maitse.

Näitena võib meenutada suurepärase jazzansambli “Arsenal” tööd A. Kozlovi juhatusel: otsides tugevamat kontakti publikuga, läksid need artistid oma esinemiste julgele ja ootamatule teatraliseerimisele, luues uue. vaataja-kuulaja kujutlusvõimet erutav popkunsti žanriline struktuur. Eksperimenti alustades riskisid muusikud muidugi sellega, et jazzimprovisatsiooni austajad lükkavad nende etteaste tagasi. Kõik määras esteetiline mõõdukategooria ja kunstimaitse – sellised näiliselt efemeersed, raskesti mõõdetavad mõisted.

Kõik see viitab sellele, et popkunstil on vaatamata selle laiale levikule oma eripärad. Selle kunsti teoreetiline mõistmine näitab, et igasuguses loovuses on paratamatu lõhe ideaali ja reaalsuse, soovi ja fakti, kavatsuse ja teostuse vahel ning selle asjaolu analüüs on reaalsuse kunstilise arengu väljavaadete mõistmisel põhimõttelise tähtsusega. Nagu märkis I.G. Šarojevi sõnul on meie aja eri tüüpi kunstide koosmõju omandamas mitmekülgse iseloomu ja nende piiride rikkumise dünaamika suureneb. Tänapäeval on tüüpide ja žanrite klassifitseerimine muutumas äärmiselt keeruliseks asjaks, sest tüübid ja žanrid on omavahel niivõrd seotud, keeruliselt läbi põimunud, et nende piiride määramine on sageli üsna meelevaldne” 40.

Sarnane protsess viib uute žanrite tekke ja kinnistumiseni erinevates kunstivormides, eriti on see märgatav laval, mis on alati olnud väga tundlik uute suundumuste suhtes. Nii tekkisid uued žanrid ja vormid, ebatavaliselt mitmekesised ja paindlikud: rokkooper, zong-ooper, rokkmass, rokisüit jt, kus on ooperi- ja balleti-, draama- ja popkunsti elemente.

Analüüsitava kunstiliigi üheks eripäraks on erinevate žanrite ühendamine, nende mitmekülgsus.

„Varieteekunst ühendab oma olemuselt teiste kunstiliikide mitmekesiseid žanriomadusi, mille ühisosa seisneb kerges kohanemises erinevate avaliku demonstreerimise tingimustega, lühikeses tegevusajas, kunstiliste väljendusvahendite kontsentratsioonis, mis aitab kaasa. esineja loomingulise individuaalsuse eredale tuvastamisele ja elava sõnaga seotud žanrite valdkonnas - käsitletavate teemade aktuaalsuses, teravas sotsiaalpoliitilises aktuaalsuses, huumori, satiiri ja ajakirjanduse elementide ülekaalus" 41.

Popkunsti järgmine eripära on see, et žanrite ja taustade mitmekesisus dikteerib nii idee kui ka tähenduse ajalise ja ruumilise kehastuse eraldi numbris, mis on poplavastuse aluseks.

See sisaldab ühe või mitme artisti individuaalseid valminud etteasteid ja kestab vaid 3-5 minutit.

Etendust luues võivad esinejad otsida abi lavastajalt, dramaturgilt, aga ka mitte. kunstnik, helilooja, koreograaf, samal ajal kui nad ise otsustavad selle sisu. Teo väljendusvahendid on allutatud selle ideele ja selles osas peaks kõik olema täielikus kooskõlas: kostüüm, meik, maastik, laval olek.

Erinevate numbrite kombinatsioon moodustab varieteeprogrammi, kuhu on koondunud kõik etenduskunsti liigid: lauljad, žonglöörid, feuilletonistid, skits-esinejad, treenerid, mustkunstnikud, lauljad, akrobaadid, tantsijad, muusikud, psühholoogiliste eksperimentide demonstreerijad, aerialistid ja ratsasportlased. See võimaluste laius muudab popkunsti mitmekesiseks, elavaks, originaalseks ja oma eripäradega.

Tavaliselt ühendab popkontserdi numbreid compe või süžeepõhi. Seejärel on laval estraadiülevaade, mis on mitmekesine nii teemadelt kui ka ülesehituselt.

Popkunsti eripäraks on ka see, et selle kunstnikud suhtlevad peaaegu alati otse avalikkusega. K.S. Stanislavski sõnastas lavaseaduse, mille kohaselt näitleja tegutseb “avaliku üksinduse” tingimustes. “Näitledes näidendis, mõistes, et sajad vaatajad vaatavad teda, peab näitleja suutma need samal ajal unustada. Näitleja ei peaks jäljendama kujutatavat, vaid saama selleks, elama näidendi ja etenduse pakutavates oludes peaaegu päris lavainimese elu” 42.

Nii et meelelahutaja, värsilaulja või laulja pöördub otse publiku poole. Artistide partneriks osutub publik, kes reageerib laval toimuvale elavalt, andes esinejatele vihjeid ja edastades noote. Ka dialoogi ajal ei pöördu artistid mitte ainult üksteise, vaid ka publiku poole.

Nagu märkis A.V. Lunatšarski: “...oma elavuses, võimes reageerida koheselt aktuaalsetele sündmustele, oma poliitilises teravuses on laval suured eelised teatri, kino, tõsise kirjanduse ees,” kuna “... viimane nõuab palju aeg oma toodete valmistamiseks, oma põhikujul oluliselt kaalukam kui kergetiivaline ja nõelamine, nagu herilane, poplaul või kuppelkroonika" 43 .

Eespool loetletud popkunsti kvalitatiivsed omadused olid kriteeriumiks tema loomingulist kogemust iseloomustavate erinevate nähtuste valikul.

Selle väljatöötamise ajal muutusid popstiilid mitu korda. Stiili mõistmine tähendab tungida tehnoloogia varjatud mehhanismidesse. Siin pole ju oluline mitte ainult igasugune popžanr, vaid isegi omaette intonatsioon, suvaline žest. Need on metafoorid, mis seovad keerukaks kunstisõlmeks igapäevaelus kootud elulõngad. Ainult et erinevalt teistest kunstidest ei ole pop-metafoorid pikkade, mitte pikendatud ajaperioodide valatud; siin loetakse mitte aastates, vaid kuudes, päevades ja isegi minutites. Varietee on kaasaegsete sündmuste kroonika.

Muidugi on veerand sajandi pikkune ajalooperiood iga kunsti jaoks tohutu periood. Kuid ei kirjanduses ega isegi teatris ja kinos pole aeg toonud nii dramaatilisi muutusi kui popkunstis. Ja asi pole selles, et uued iidolid on vanad nii lavalt kui ka publiku mälust välja tõrjunud, vaid milleski muus, olulisemas. Muutused on mõjutanud selle tüübi olemust, selle vormide ja žanrite sisemist struktuuri.

Isegi 60ndatel ei tundnud popkunst näiteks omalaadse “lauluteatri” galaetendusi, mille keskmes oli üks “staar” koos balletikorpuse ja suurejoonelise vaatemängulise saatjaskonnaga, mille loojaks oli nüüd A. Pugatšova. V. Leontjev, S. Rotaru , L. Vaikule ega ka 70ndate vokaal- ja instrumentaalansamblid ega 80ndate rokkbändid.

Jazzorkestrite kavad on kaasaegse lava lavalt kadunud mitte sellepärast, et lahkusid asutajad ja iidolid - L. Utesov, B. Rensky, E. Rosner. Nende järglastel ei õnnestunud jazzi eluiga pikendada. Žanr ise on välja surnud – džässmuusikute saatel ja osalusel taasloodud teatri divertisment.

Arvukad miniatuursete teatrite sordid - alates "kahe näitleja teatrist" - M. Mironova ja A. Menaker, L. Mirovi ja M. Novitski või A. Raikini teater kuni tohutu hulga 50ndate lõpu üliõpilaste popgruppideni - 60ndate alguses - üksteise järel, erinevatel põhjustel, kadusid või muudeti tundmatuseni, näiteks Ermitaaži teater - Vl. Poljakova. Viimane miniatuuriteater suri välja koos A. Raikini lahkumisega. Nende asemele astusid R. Kartsev ja V. Iltšenko, M. Žvanetski, aga ka “Ühemeheteatrid” - G. Khazanov, E. Petrosjan, E. Šifrin, V. Vinokur...

Teatri estraadikavad on mingil kujul säilinud ka tänapäeval, kuid muutunud varasematest väga erinevaks.

Arv mõõtühikuna on mõnes saates kasvanud episoodi suuruseks, mis on täiesti loomulik, kuna popkunst on omandanud uued mängupaigad - spordipaleede ja staadioni areenid. Suured ruumid nõudsid kõigi popkunsti elementide koondamist ning popprogrammide uute vormide loomise ja reprodutseerimise tehnoloogiat.

IN viimased aastad mastaapsed varieteeprogrammid asendavad järjest enam kammerlikke etteasteid. Varietee kontsert, mis oli kuni viimase ajani popkunsti põhivorm, nagu etendus teatris, film kinos, on tõugatud meelelahutuspraktika perifeeriasse. Ja popkontsert ise on tundmatuseni muutunud.

Ajaloolises tagasivaates määras kontserdi aluse mitmekesisuse printsiip, mille kohaselt ühe žanri esitus asendus teisega: lugeja - žonglöör, illusionist - akordionimängija, kitarrist jne.

Viimase veerandsajandi jooksul on muusikaliste feuilletonide, kuplettide, sketšide, vahepalade, miniatuuride esitajad, lugejad, jutuvestjad, pillimängijad jpt rahvusest popkontsertide maastikust kuidagi märkamatult välja langenud.

Individuaalne esinemine laval nõuab kõrget enesekontrolli. Stsenaristi, režissööri või esineja kõrge aktiivsuse tagamiseks on igapäevane loomingulise kontrolli üksikasjalik süsteem oluline, sest meelelahutusega saate tegeleda ainult siis, kui valdate filosoofilist kategooriat "mõõtmine".

Stanislavski kirjutas: „Ärme ütle, et teater on kool. Ei, teater on meelelahutus. Meil ei ole kasulik seda olulist elementi käest kaotada. Las inimesed käivad alati teatris meelt lahutamas. Aga siit nad tulevad, me sulgesime nende taga uksed (...) ja võime nende hinge valada, mida tahame” 44. See on täielikult seotud popkunsti toimimisega. Popkontserdil, kui on imeline komplekt, vapustavad esinejad, särav, sädelev valgus, aktiveerib ja jahmatab vaataja kõik.

Siinkohal tuleb märkida, et popkunsti eripäraks on esituse avatus. Lavaesinejat ei eralda publikust eesriie ega lava, ta on justkui “rahva põliselanik” ja publikuga tihedalt seotud. Ta teeb kõike avalikult avalikkuse ees, kõik on publiku lähedal, kus esinejad saavad publikut näha ja kuulda ning sellega vahetult kokku puutuda.

Eespool käsitletud popkunsti eripärade tulemuseks on ainult talle omane taju-kommunikatiivne protsess, mille käigus interpreedi tihedast lähenemisest publikule sünnib täiesti eriline suhtlussüsteem, täpsemalt kommunikatsioon. Esinemise ajal muudab popesineja tähelepanelikud vaatajad ja kuulajad aktiivseteks partneriteks, võimaldades neile palju vastukaja. Pop-esineja ise suudab palju enamat, kui klassikaline kontsert või teatrietendus ette näeb. See esineja võtab avalikkuse suhtes maksimaalse usalduse ja avatuse.

Lühidalt, popkunsti peamine erinevus seisneb tajumis-kommunikatiivse protsessi spetsiifilisuses, mis on avalikkusele kergesti tajutav ja aitab luua ainulaadseid teoseid.

Popkunsti tajumis-kommunikatiivset protsessi eristab hoolimata žanripaleti laiusest ning paljude sotsiaalsete ja kultuuriliste tegurite mõjust loovuse sisemine dünaamika.

Kunstižanrite hulgas on palju muusikalisi ja poeetilisi nn armastustekstiga teoseid, mis toovad lavale liigutava taipamise: neid iseloomustavad meelelahutus ja huumor.

Vastust tuleks otsida sealt ehk kahe osapoole - esineja ja vaataja suhete süsteemist, aga ka esineja enda elupositsioonist, taju-kommunikatiivsest protsessist. Armastuse laulusõnad estraadisaatesse kehastunud , eeldab esineja väga suurt usaldust avalikkuse ees, mis võimaldab tekkida omamoodi ülestunnistus, kui inimesel on vaja rääkida kellelegi millestki üsna intiimsest - oma õnnest või muredest.

Popkunsti eripäraks on efektiivsus, võime vastata päeva "kuumadele" teemadele, kujundada ja tugevdada vaataja positiivset emotsionaalset tooni põhimõttel: hommikul - ajalehes, õhtul. - salmis.

Pole juhus, et kõik sotsiaalselt teravad olukorrad ärgitasid ennekõike uute väikevormide teoste tekkimist, mis omakorda olid publikule jõu- ja inspiratsiooniallikaks.

Seetõttu on popkunsti kõige olulisem tunnus selle sotsiaalne orientatsioon. Koos sellega arenes popmuusika piduliku vaba aja veetmise kunstina, mis viis popžanrite mitmekesisuseni, nende taju ebatavalisuseni ja vastas inimeste soovidele täita oma puhkuse vaba aeg, puhkus uute muljete, kunstiliste avastustega. ja positiivseid emotsioone. Just need omadused eristavad puhkust igapäevaelust. Heledus ja originaalsus teenisid ja tõmbavad publiku tähelepanu igale numbrile, kuna varietee, isegi kestusega lühike, sisaldab tingimata numbrite konkurentsimomenti, sest igaüks neist peab kaitsma oma õigust publiku sõbralik suhtumine.

Popkontserdi või näidendi publik ootab igalt numbrilt, igalt episoodilt mingit uudsust, ootamatut pööret süžees, esitustehnikates. “Varieteesse tulevad pealtvaatajad arvavad tavaliselt, et teavad kõike ette – nüüd mängitakse proloogi, siis tuleb lavale compe, aga me peame püüdma neid heas mõttes “pettumust valmistada”, neile meeldida ( rohkem kui üks kord) rõõmus üllatus, et programmi mõõdetud voogu "õhku lasta" 45.

Astudes laval pidulikule vaatemängule häälestatud publiku ette, peab esineja selle soove rahuldades paljastama kõik oma individuaalsed võimed, tõestama, et on "kõigi ametite tungraud". Selleks tuleks pidevalt uuendada oma repertuaari, leida aktuse lahenduses uus pööre, arvestades popkunsti tajumis-kommunikatiivse protsessi spetsiifikat, mõeldes välja etendusele vaimukas algus, haripunkt ja lõpp. Seetõttu toimub tuntud žanrite uuenemine ootamatu kunstilise pildi loomise ja selle teostuse olemuse tõttu.

Kõige produktiivsemad ja kunstiliselt veenvamad katsed on alati olnud estraadižanri, milles esineja tavaliselt esineb, keerulisemaks muutmine. Omal ajal astus lavale teatri jazzorkester Leonid Utesovi juhtimisel. Lugejate etteasted hakkasid muutuma “ühemeheteatriteks”, tantsima hakkasid soololauljad ning täheldati täiesti uute, senitundmatute žanrite sündi.

Popkunsti eripäraks on pidulik õhkkond, mis vastab loomeprotsessi enda olemusele. Laulmisest ja draamakunstist sündis teatrilaul, mis täiendas varutantsijate kunsti (tants väikeste liigutuste amplituudidega) ning moodne poplaul on muutunud ülesehituselt veelgi keerukamaks kunstiks.

Tänapäeval on väga levinud estraadietendused, kus üks esineja laulab, tantsib, peab monoloogi ja tegutseb parodeerijana. Popinstrumentalistid oskavad mängida mitut erinevat pilli, tekitades seeläbi nende esinemise vastu täiendavat huvi.

Järelikult suudab pop-esineja erinevalt akadeemilisest kunstnikust suurepäraselt omandada paljusid professionaalseid oskusi, mis on mitme kunstiliigi "ristumiskohas", kuid ei unusta seda seisundit. Esitaja nii lõbustab kui ka kütkestab publikut, tekitades neis positiivseid emotsioone mitte ainult teose sisuga, vaid ka selle “pidulikkusega”, võttes arvesse popkunsti tajumis-kommunikatiivse protsessi spetsiifikat.

Pidulikkustunnet saab luua ka puhtalt välise meelelahutuse kaudu. Muusikasaalide revüülavastustes kõige sagedamini esinev valgusmäng, maaliliste taustade muutumine, lavaala kuju muutumine publiku silme all tekitavad publikus rõõmsa tõusu ja hea tuju.

Jah, paljud popkunsti žanrid köidavad teose ülesehituse teatud lihtsustumise, sisu ja vormi kergendamise tõttu taju kerguse ja lühidalt. Kuid seda ei saa pidada tühiste teemade taganemiseks. Valitud (kaetud) teema võib olla väga mahukas ja tähenduslik. Aga kuna see ilmub teoses teiste teemade keerulisest põimumisest vabastatuna, on teost kergem tajuda. Teine võimalus sisu assimileerimiseks on valida teemad, mis ei pretendeeri oma ulatuselt ja sügavusele, kuid on isiklikud, korporatiivsed ja võivad teatud ringile huvi pakkuda.

Seetõttu tõlgendatakse mõistet „varieer” kui spetsiifilist väljendusvahendite keelt, mis kuulub ainult selle kunstiliigi juurde.

Vaheldusrikkus on estraadilaval esineva esineja tehnika ja artistlikkuse tunnus.

Pop-esineja on ennekõike meister ühes žanris ja alles siis saab näidata oma annet popkunsti eri žanrites.

Järelikult on popkunsti eripäraks selle mitmežanrilisus, mis ühendab endas muusikat, tantsu, laulmist, vestlust, tsirkust jne. Vaatamata mitmežanrilisusele on igal esinejal oma kunstilised omadused Ja väljendusvahendid, avatud lava (lava), millel näitleja esineb, dikteerib oma tingimused: vahetu kontakt avalikkusega, oskuste "avatus", võime koheselt teiseneda jne. Varieteeprogrammi või kontserdi peamine "ehituskivi" , on arv – dramaturgia seaduste järgi üles ehitatud lühilavastus (üks või mitu esinejat). Lühifilm eeldab ekspressiivsete vahendite äärmist kontsentreerimist, “tõmmet”, groteski, puhtsüdamlikkuse ja ekstsentrilisuse kasutamist. Eriline tähendus omandada ereda individuaalsuse, näitleja poolt edukalt leitud kuvandi (mõnikord maski) ja sisemise energia olemasolu.

Need on meie arvates kaasaegse popkunsti peamised eripärad.

Bandstand – vaade etenduskunstid, milles ühe või mitme artisti (jutuvestjad, lauljad, kuplestid, tantsijad, akrobaadid, mustkunstnikud jne) lühikesed kontserdinumbrid moodustavad tervikliku kava, mis on tavaliselt mõeldud massi tajumiseks. Lava on mitmetahuline ja mitmekesine. Ka publiku ettekujutus sellest kunstist on mitmekülgne. Mõne jaoks on lava laulude esitus ja muusikalised kollektiivid ja esinejad, teistele - koomikute esitus, teistele - klounaadi või moderntantsu esinejad. Erinevad on ka selle kunsti eksisteerimisvormid: kontsert klubis, kino- ja kontserdisaalis, tudengite sviit instituudi aktuse saalis, teatriprogramm staadionil või Spordipalees, etendus Miniatuuride teater, esinemine Varietee teatris, soolokontsert jne. Igal juhul määrab publiku koosseis ja selle suurus elava varietee omadused.

Lava juured ulatuvad kaugesse minevikku, on jälgitavad antiikaja kunstis - Egiptuses, Kreekas, Roomas, selle elemendid on rändkoomikute esitustes - buffoonid, shpilmanid, žonglöörid, dandid jne. kaasaegsed vormid Varieteekunst arenes Lääne-Euroopas läbi 19. sajandi. Nii kostitasid Pariisi kohvikute külastajaid muusikud, lauljad, lauljad, kelle repertuaaris oli teravaid ja päevakajalisi asju. Selliste kohvikute edu tõi kaasa suuremate meelelahutusettevõtete - kohvikute-kontsertide ("Ambassador", "Eldorado" jne) tekkimise. Inglismaal tekkisid võõrastemajades (hotellides). muusikasaalid- muusikasaalid, kus esitati tantse, koomilisi laule ja tsirkuseetendusi; Esimeseks peetakse 1832. aastal asutatud Star Music Halli.

Londoni muusikasaali Alhambra eeskujul avati 1869. aastal Pariisis Folies Bergère ja kaks aastakümmet hiljem Moulin Rouge, mis sai nime "varietee" (prantsuse keelest variété - varieteet). Tasapisi hakati sõna “varietee” kasutama mitte ainult konkreetsete teatrite, vaid ka terve kunstiliigi kohta, mis koosneb erinevatest žanritest, millest lõpuks sünnib terviklik lavastus.

1881. aastal avati Pariisis kunstiline kabaree (prantsuse kabareest - suvikõrvits) “Cha Noir” (“Must kass”), kuhu kogunesid noored kunstnikud, näitlejad ja kirjanikud. Siin puudutati sageli teravaid sotsiaalseid ja poliitilisi probleeme. Kabareed olid väga kuulsad Saksamaal, Austrias ja teistes riikides. Meie ajal hakkas see kohvikust eraldunud vorm eksisteerima poliitilise ja satiirilise väikevormide teatrina (Saksamaa), mille nimi oli veidi muudetud - kabaret.

Varieteed jõudsid Venemaale 19. ja 20. sajandi vahetusel. Varietee järel pälvis kabaree ka avalikkuse tähelepanu. Neil olid Venemaal omad eelkäijad, kes määrasid suuresti ära Vene lava omapära. Need on kabiinid, mis lõbustasid pühade ajal rahva mitmekesist sotsiaalset koosseisu, ja väikesed meelelahutused kontserdiprogrammid, mida anti teatrites enne ja pärast pealavastuse lõppu. Divertiseerimisprogrammides kõlasid vene laulud ja aariad ooperitest, klassikalised ja rahvatantsud, kupleed vodevillidest, luuletused ja jutustused dramaatiliste näitlejate esituses. Üldiselt avaldas teater Venemaa lavale märkimisväärset mõju, mis määras selle originaalsuse.

Pärast Oktoobrirevolutsioon kunstnikud tulid väikestest kitsastest kabareede, varieteeetenduste ja miniteatrite saalidest tänavatele ja väljakutele inimeste juurde. Nad asendasid kõlareid arvukatel kontsertidel ja miitingutel ning läksid kontsertidega rindele. kodusõda, esines värbamisjaamades, kasarmutes ja töölisklubides. Just siis levis mõiste “varieet” (prantsuse estraadist - lava) kogu kunstiväljale.

Popkunsti aluseks on arv, oma dramaturgiaga lühiajaline terviklik lavastus (ühe või mitme kunstniku poolt), milles nagu suur esitus, peab olema ekspositsioon, haripunkt ja lõpp. Lühifilm eeldab väljendusvahendite äärmist kontsentreeritust. Seetõttu kasutatakse laval laialdaselt hüperbooli, groteski, bufoonlikkust ja ekstsentrilisust; siit ka helgus, detailidega liialdus ja näitleja muutumise hetkelisus. Näidendi (arvustuse) põhjal loodud estraadilavastuses (saade, revüü jne) säilitab number oma tähenduse. Sellises esituses ühendab numbreid vaatleja kujund või lihtne süžee.

Laval esinevad artistid kasutavad laialdaselt nn maski, teatud kujundit, mida eristab mitte ainult püsivus välimus, aga ka iseloomuomadusi ja elulugu. Sellel kunstilisest kujutlusvõimest sündinud kujutisel ei pruugi olla midagi pistmist kunstniku enda isiksusega.

Tihti saab aga popartisti maskist justkui tema enda isiksuse kontsentreeritud väljendus. Kuid olenemata sellest, millise maski taha kunstnik end peidab, pöördub ta publiku poole otse, püüab neid tegevusse kaasata, teha neist oma “vestluskaaslased”.

Vene popmuusika lahendas oma teel erinevaid probleeme: agiteeris, kutsus, inspireeris, haris, valgustas ja muidugi lõbustas. Meelelahutus on lavale omane, nagu ükski teine ​​kunst. Kuid see ei ole samaväärne tühimusega. Välise kerguse ja lustlikkuse taga on sageli peidus tõsine sisu ja mis andekam kunstnik Mida kõrgem on tema oskus, seda paremini õnnestub tal tõsine mõte kerges vormis kokku võtta. Näide kodakondsusest, sotsiaalse sisu teravusest ja tipptasemest kunstiline vorm teenib A.I. satiirikunsti.

Traditsiooniliselt on meie laval suur koht sõnaga seotud žanritel. See on lugu, monoloog, väike sketš, feuilleton, kuppel, paroodia, etendus. Laiade masside kultuuri tutvustamise ülesanne 20.–30. XX sajand äratas vormi ellu kunstiline lugemine kaasaegse ja klassikalise kirjanduse lavateostest. Kunstnik-lugejad püüavad avada publikule autori maailma võimalikult täielikult, kunstiline originaalsus tema teosed.

Laval võtsid juhtiva koha muusika- ja vokaalžanrid: romantika, bard ja rahvalaul, pop- ja rokkmuusika, jazz jne. Tohutu publik meelitab kuulsate poplauljate soolokontserte. Arengu käigus tekivad uued vormid ja stiilisuunad, mis rikastavad muusikalava värskete kunstiliste ideedega ja peegeldavad ajarütme. Laval on laialdaselt esindatud koreograafilised numbrid, nii ansambli- kui soolonumbrid: rahvatantsud, plastilised duetid, mänguminiatuurid, tantsud tänapäevastes rütmides.

Tsirkuseetenduste vaatemäng tõmbab ligi külastajaid: žonglöörid, illusionistid, manipulaatorid, akrobaadid, köielkõndijad, miimid. Žanride ristumiskohas sünnib palju põnevat: pantomiim ja akrobaatika, pantomiim ja žongleerimine jne. Paljud kunstnikud kasutavad popkunsti olemusele omast ekstsentrilisust.

Varieteekunst arenes laialdaselt NSV Liidus. Üleliiduline NSV Liidu rahvaste teatri- ja kunstiolümpiaad 1930, üleliiduline festival rahvatants 1936, aastakümned rahvuslik kunst Liitvabariikides aitasid aruandekontserdid kaasa seda tüüpi loovuse arengule rahvaste seas, kes seda varem ei tundnud, v.a. folkloorivormid. Regulaarselt peeti ülevenemaalisi ja üleliidulisi loominguliste noorte konkursse. Sünteetiline popmuusika on alati olnud seotud teatri, kino, kirjanduse ja muusikaga. Popmuusika ja teiste kunstide vahel on selle ajaloo jooksul näha erinevaid interaktsiooni vorme. Jazz ja rokkmuusika kuuluvad sümfoonilise muusika hulka; poptantsu, akrobaatika mõju klassikaline koreograafia; pöördub pidevalt kinolava poole; kriitikud kirjutavad teatri mitmekesisusest. Lava on omakorda haaratud teatraliseerumise protsessiga, see mõjutab kõiki selle žanre, üldist tendentsi teatriprogrammidele, etenduste ja varieteeteatri loomisele.

Kõik teavad K. I. Shulzhenko tähelepanuväärset oskust, kes esitas hingeliselt lüürilisi laule.



Esinevad Tarapunka (Juri Timošenko) ja Štepseli (Efim Berezin, vasakul)./



Laval on illusionist Harutyun Hakobyan.



Kuulus Inglise rühm"Biitlid".

Pileti number 30. Varieteeetendused. Kaasaegsed omadused ja trendid.

Näita – see on eriline lummav vaatemäng, mille semantiline ja süžeeline pool kaob muljete suurejoonelise esituse kasuks (süžee on efektides “hägune”), show programm peaks olema üles ehitatud pidevale muljete muutumisele ja helgele vaatemängule väljendusvahendite tehnikad.

Show-äri kui termin on ilmunud erialakirjanduses alates 80ndate keskpaigast. XX sajand ja asendas varem eksisteerinud mõiste “nõukogude lava”. Mõiste „mitmekeelsus” tekkis Venemaa kunstiajaloos eelmise sajandi alguses ja ühendas kõiki kergesti tajutavate žanrite kunstiliike.

Varieteekunsti iseloomustab avatus, lakoonilisus,

improvisatsioon, pidulikkus, originaalsus, meelelahutus. Piduliku vaba aja veetmise kunstina arenev popmuusika on alati püüdlenud originaalsuse ja mitmekesisuse poole. Pidulikkustunne tekkis tänu välisele meelelahutusele, valgusmängule, maalilise maastiku muutumisele, lavaala ümberkujunemisele jne.

Avatud demokraatlikule ühiskonnale ülemineku kontekstis on tarbijal võimalus valida. Trend kaasaegne saade on järgmine: avalikkuse kiiresti muutuv maitse nõuab juhtide, artistide ja produtsentide rasket tööd.

Kultuuritegevuse produkt on juba “ost-müügi” subjekt, s.t. tekivad majanduslikult põhjendatud suhted ja kuna lava siseneb ärimaailma, siis selleks on vaja professionaale, inimesi, kes teavad, kuidas äri korraldada nii, et see tooks kasumit mitte ainult artistile, grupile, ettevõttele, vaid ka riigile ( maksude näol). Praegu areneb show-äri turuseaduste järgi. Suure tähtsusega on personalijuhtimisega seotud küsimuste lahendamine ja selle potentsiaali kasutamine, mis määrab edu eesmärgi saavutamisel.

Niisiis, kaasaegne etendus on suurejooneline lavaline vaatemäng popstaaride, tsirkuse, spordi, džässorkestri, jääballeti jne osavõtul. Etenduse rõhk nihkub välistele efektidele, mis on mõeldud toimuvate sündmuste sisu kaunistamiseks.

Show-äri juhtimisel kasutatakse palju erinevaid meetodeid, lähenemisviise ja tehnikaid, mille eesmärk on luua tingimused tõhusaks tööks. Seega võime esile tuua kaasaegse saate omadused:

1. "Tähe" olemasolu.

Mõiste “staar” tekkis kinoajastul, mil filminäitlejad olid nimetud ja vaatajad nimetasid neile meeldivaid tegelasi nii filmide nimede kui ka väliste omaduste järgi (“kurbade silmadega mees”, “ lokkidega tüdruk” jne). Vaatajad hakkasid ründama filmitootjaid, küsides neile meeldivate näitlejate perekonnanime, eesnime ja erinevaid eluloolisi andmeid. Ameerika ettevõtte IMP juht Carl Laemmle oli esimene, kes kasutas näitlejanna Florence Lawrence'i populaarsust, et meelitada publikut kinno, levitades kuulujutte tema surmast. Nii äratas ta avalikkuses elavat huvi ja tegi näitlejannast üleöö Ameerika filmitähe.

Nii pandi "tähesüsteemi" algus. Teised filmifirmad järgisid IMP eeskuju. "Tähtede" arv hakkas kiiresti kasvama. Need muutuvad kassasöödaks nii kino- kui muusikatööstus, teater, modellietendused jne.

Mõiste “staar” olemus seisneb selles, et neile meeldiv esineja äratab publiku seas kaastunnet ja seetõttu tahetakse teda näha, tema moodi olla. Tarbija (vaataja, kuulaja) ei piirdu ainult iidoli nägemisega, ta tahab temast kõike teada, ka isikliku elu üksikasju. See aspekt on "staaride" loomisel väga kasulik, kuna seda peetakse suure populaarsuse märgiks, mis tähendab, et "staari" tasud tõusevad. "Tähe" meelitamine osalema saates, modellisaates, filmis, muusikalis, teatrilavastuses või albumi salvestamises on nõudluse ja täismaja tagatis.

Lava- vaade etenduskunstid mis tähendab nii eraldi žanri kui ka žanrite sünteesi: laulmine, tants, originaalesitus, tsirkusekunst, illusioonid.

Popmuusika- meelelahutuse tüüp muusikaline kunst, mis on suunatud kõige laiemale kuulajaskonnale.

Seda tüüpi muusika saavutas suurima arengu 20. sajandil. Tavaliselt sisaldab see tantsumuusikat, erinevaid laule, teoseid pop-sümfooniaorkestritele ja vokaal-instrumentaalansamblitele.

Sageli identifitseeritakse popmuusika olemasoleva "kerge muusika" mõistega, see tähendab kergesti mõistetava, avalikkusele kättesaadava mõistega. Kergemuusika hõlmab ajaloolises mõttes lihtsa sisuga muusikat, mis on saavutanud üleüldise populaarsuse. klassikalisi teoseid, näiteks F. Schuberti ja J. Brahmsi, F. Lehári ja J. Offenbachi näidendid, J. Straussi ja A. K. Glazunovi valsid, W. A. ​​Mozarti “Väike ööserenaad”.

Sellel tohutul, iseloomult ja esteetilisel tasemel äärmiselt heterogeensel alal muusikaline loovusÜhelt poolt kasutatakse samu väljendusvahendeid, mis tõsises muusikas, teisalt oma, konkreetseid.

Termini "poporkester" pakkus välja L. O. Utesov 40ndate lõpus, mis võimaldas eraldada kaks mõistet:
pop- ja jazzmuusika ise.

Kaasaegne popmuusika ja jazz on terve ridaüldised tunnused: rütmisektsiooni poolt läbi viidud pideva rütmilise pulsatsiooni olemasolu; pop- ja džässrühmade esituses esinevate teoste valdavalt tantsuline karakter. Aga kui jazzmuusikat iseloomustab improvisatsioon, on eriliseks rütmiliseks omaduseks swing ja vormid kaasaegne jazz siis mõnikord üsna raske aru saada popmuusika erineb ligipääsetavuse poolest muusikaline keel, meloodia ja äärmine rütmiline lihtsus.

Üks levinumaid pop-instrumentaalkompositsioone on popsümfooniaorkester (ESO) ehk sümfooniline jazz. Meie riigis seostatakse ESO tekkimist ja arengut V. N. Knushevitsky, N. G. Minkha, Yu V. Silantjevi nimedega. Popsümfooniaorkestrite repertuaar on äärmiselt ulatuslik: originaalsetest orkestrilavastustest ja fantaasiatest tuntud teemadel kuni laulude ja operettide saateni.

Lisaks asendamatule rütmisektsioonile ja bigbändi täispuhkpillikoosseisule (saksofonirühm ja vaskpuhkpillirühm) kuuluvad ESO-sse traditsioonilised sümfooniaorkestri instrumentide rühmad - puupuhkpillid, metsasarved ja keelpillid (viiulid, vioolad, tšellod). ESO rühmade suhe läheneb sümfooniaorkestri omale: keelpillirühm domineerib, mis on tingitud ESO muusika valdavalt meloodilisusest; puidust on suur roll puhkpillid; orkestreerimise põhimõte ise on väga lähedane aastal omaksvõtule sümfooniaorkester, kuigi pidevalt pulseeriva rütmisektsiooni olemasolu ja vaskpuhkpilli (ja vahel ka saksofonide) aktiivsem roll meenutab kohati džässorkestri kõla. Olulist koloristilist rolli ESOs mängivad harf, vibrafon ja timpan.

ESOd on meie riigis väga populaarsed. Nende esinemisi edastatakse raadios ja televisioonis, kõige sagedamini esitavad nad filmimuusikat ning osalevad suurtel popkontsertidel ja festivalidel. Paljud nõukogude heliloojad kirjutavad muusikat spetsiaalselt ESO-le. Need on A. Ya, I. V. Yakushenko, V. N. Ljudvikovski, O. N. Khromushin, R. M. Ledenev, Yu S. Saulsky, M. M. Kazhlaev, V. E. Ter-letsky, A. S. Mazhukov, V. G. Rubashevsky, A. V.

Popmuusika žanr hõlmab erinevat tüüpi poplaulud: traditsiooniline romantika, kaasaegne lüüriline laul, laul tantsurütmides arenenud instrumentaalse saatega. Peamine, mis mitut tüüpi poplugusid ühendab, on nende autorite soov meloodia ülima ligipääsetavuse ja meeldejäävuse järele. Sellise demokraatia juured on sees vana romantika ja kaasaegses linnafolklooris.

Poplugu ei piirdu puhta meelelahutusega. Seega sisaldavad nõukogude estraadilaulud kodakondsuse, patriotismi, rahuvõitluse jms teemasid. Ega asjata kõlavad I. O. Dunajevski, V. P. Solovjov-Sedoi, M. I. Blanteri, A. N. Pahmutova, D. F. Tuhmanovi jt laulud. Nõukogude heliloojad Neid armastatakse mitte ainult meie riigis, vaid ka kaugel selle piiridest. Tõesti ülemaailmne tunnustus Solovjov-Sedoi laul" Moskva ööd" 20. sajandil erinevad tüübid asendasid üksteist tantsumuusika. Niisiis, tango, rumba, fokstrott asendusid rock and rolliga, need asendusid twist and shake’iga, väga populaarsed olid samba ja bossa nova rütmid. Juba mitu aastat oli diskostiil pop- ja tantsumuusikas laialt levinud. See tekkis neegri instrumentaalmuusika sulandumisel laulmise ja plastilisuse elementidega, mis on iseloomulikud aastastele poplauljatele. Ladina-Ameerika, eriti Jamaica saarelt. Lääne-Euroopas ja USA-s plaaditööstuse ja diskoteekidega tihedalt seotud diskomuusika osutus üheks 20. sajandi 2. poole pop- ja tantsumuusika kiiresti arenevaks suunaks.

Tantsumuusika žanris kodumaiseid traditsioone rajanud nõukogude heliloojate hulgas on A. N. Tsfasman, A. V. Varlamov, A. M. Polonsky jt.

Popmuusika valdkond hõlmab kaasaegne rokkmuusika. IN muusikaline kultuur Lääne-Euroopa ja USA on liikumine, mis on oma ideoloogilise ja kunstilise taseme ning esteetiliste põhimõtete poolest väga kirju. Seda esindavad nii sotsiaalse ebaõigluse, militarismi, sõja vastu protesti väljendavad teosed kui ka anarhismi, ebamoraalsust ja vägivalda jutlustavad teosed. Samavõrd heterogeenne on seda liikumist esindavate ansamblite muusikastiil. Siiski on neil üldine alus, mõned eripärad.

Üheks selliseks tunnuseks on laulmise, soolo ja ansambli ning sellest tulenevalt ka iseseisvat sisu kandva teksti kasutamine ning inimhääl erilise tämbrivärvina. Ansamblite või rühmade liikmed ühendavad sageli instrumentalistide ja vokalistide funktsioone. Juhtpillideks on kitarrid, aga ka erinevad klahvpillid, harvem puhkpillid. Pillide heli võimendavad erinevad helimuundurid ja elektroonilised võimendid. Alates jazzmuusika Rokkmuusikal on fraktsionaalsem metrorütmiline struktuur.

Meie riigis kajastuvad rokkmuusika elemendid vokaal- ja instrumentaalansamblite (VIA) töös.

Nõukogude popmuusikal oli oma massilise atraktiivsuse ja laialdase populaarsuse tõttu oluline roll esteetiline haridus noorem põlvkond.

Tants laval - lühike tantsunumber , soolo- või rühmitus, esitatakse rahvusliku estraadikontsertidel, varieteeetendustel, muusikasaalides, miniatuursetes teatrites, saadab ja täiendab vokalistide kava, originaalnumbreid isegi kõnežanrides . See moodustati rahva-, igapäevase (peotantsu) tantsu põhjal, klassikaline ballett, kaasaegne tants, kunstiline võimlemine, akrobaatika , kõikvõimalike võõrmõjude ületamise kohta ja rahvuslikud traditsioonid. Tantsuplastilisuse olemust dikteerivad kaasaegsed rütmid ja see kujuneb seotud kunstide mõjul: muusika, teater, maal, tsirkus, pantomiim.

Arengu ajalugu tantsusuund tinglikult võib jagada kaheks verstapostiks: ajavahemik enne 20. sajandit ja ajaperiood alates 20. sajandist kuni tänapäevani.

Lisaks keskaegsetele rändkunstnikele ja nende etteastetele võib tänapäeva poptantsu esivanemateks pidada ka divertismente. Need olid stseenid, mida XVII-XVIII aastatel näidati muusikateoste või osade vahel dramaatilised etendused. Divertismentides esitati ooperiaariaid, vaataja sai näha katkendeid ballettidest, kuulata rahvalaulud ja lõpuks naudi tantsu. Venemaal on tantsulava alguse saanud vene ja mustlaskooride tantsijate esinemistest, kus 19. keskpaik sajandil - rahvapidudel. Lõpp XIX sajandil iseloomustas rühmakontsertide pidamine aedade lavadel, voksaalid ja kohvikud.

Populaarne tants XIX V. - saab saab(prantsuse cancan, alates canard - part), Alžeeria päritolu prantsuse tants, 2-taktiline, kiire tempo. Iseloomulikud sammud - jalgade väljaviskamine, hüppamine. Levitatud alates 19. sajandi keskpaigast, kasutatud laialdaselt klassikalistes operetis ja varietees. Võib öelda, et kaankaani tulekuga algab uus tantsuajastu. Kaankaan sai alguse Pariisist 1830. aasta paiku. Seda esitati laval naiste tants, millega kaasneb jalgade kõrge tõus. 1860. aastal avati Peterburis palju tantsuklasse, kus tantsiti peamiselt kaananit.

Teine populaarne 19. sajandi tants on Cake Walk tants.

Koogil jalutuskäik -(ka cake walk, cake walk; inglise cakewalk – kõndimine pirukaga) on afroameerika päritolu marsitants, mis on populaarne alates 19. sajandi keskpaigast. Iseloomuomadused: kiire tempo, taktimõõtur-- 2-taktiline, sünkopeeritud rütm, bandžo heli taasesitavad akordid, mänguline komöödia (sageli irooniliselt groteskne) stiil. Tordiskõnnile omased terava aktsendiga rütmid lõid hiljem ragtime’i aluse ning kaks aastakümmet hiljem määratlesid popdžässi stiili. Tordilkäik oli osa 19. sajandi Põhja-Ameerika minstreliteatri humoorikatest etendustest, kus seda esitati kiire, sünkroonse muusika saatel hilisema ragtime’i vaimus. 19. sajandi viimastel aastatel levis Euroopas salongitantsuna laialt minstrellavast eraldatud kakukõnd. poptantsu koreograaf dramaturgiline

Minstrel laval oli koogikõnd eriline sümboolne tähendus. See oli promenaadistseen, kus riietatud neegridandid, käsikäes oma võrdselt moodsalt riietatud daamidega, mängisid koomilises vormis valgete daamide ja härrasmeeste pühapäevaseid pühapäevaseid rongkäike. Istutajate välist käitumist jäljendades naeruvääristasid mustad dandid nende rumalat tähtsust, vaimset tuimust ja omaette kujuteldava üleoleku tunnet. Tordilkäigus sisalduv varjatud mõnitamise motiiv leidis helisfääris konkreetse peegelduse.

Tantsumuusika, mille ekspressiivsus põhines eelkõige löökhelidel ja oluliselt keerulisel rütmikal, mängis olulist uuenduslikku rolli ja avas uusi võimalusi kaasaegse muusikakunsti arenguks. Uus muusikalised põhimõtted, vastandudes kõigele sellele, mida Euroopa helilooming on sajandite jooksul väitnud. Muusikaline vorm Cake walk leiab aset salongiklaveripalades ja popnumbrites traditsioonilise instrumentaalkompositsiooni jaoks ning marssides puhkpilliorkester, ja mõnikord sisse seltskonnatantsud Euroopa päritolu. “Isegi valssides ilmus sünkoop, millest Waldteufel ja Strauss ei osanud unistadagi” (Blesh R., Janis H. Nad kõik mängisid ragtime’i). Tordikäigu žanrit kasutasid paljud akadeemilised heliloojad (näiteks Debussy, Stravinsky jt).

Tordilkäik oli uuenduslik mitte ainult muusika, vaid ka koreograafia osas. See väljendus jalgade erilistes liigutustes, mis näisid tantsija kehast “sõltumatud”. Nii nagu teisteski minstreliteatri tantsudes, püsis esineja keha rangelt kontrollitud, tasakaalustatud olekus, käed rippusid nagu abitud vormitud “kaltsud”. Kogu tantsija energia, kogu tema fenomenaalne oskus ja peadpööritav tempo kehastus tema jalgade liigutustes. Täpsed sünkroniseeritud aktsendid, mida toodavad ühe jala kanna ja teise jala varbad; omamoodi "koputav" tembeldamine puidust taldade abil; kannul edasi jooksmine; vaba, pealtnäha juhuslik "segamine". "Ükskõikse keha" ja "murelike" jalgade ebatavaline suhe traditsioonilise balleti jaoks rõhutas välise rahulikkuse humoorikat mõju, mis on lahutamatu külmunud maski kujutisest.

Koogikõnd on avaldanud suurt mõju tantsukunst XIX lõpus- 20. sajandi algus. Ta sünnitas mitmeid tantse, mis tõrjusid kultuurikasutusest välja polka, ruudutantsu, kantritantsu ja muud lähimineviku populaarsed tantsud. Need uusimad tantsud-- grizzly-bear, bunny-hug, Texas Tommy, tarky-trat jt eristusid erilise, koogikõnnist lahutamatu 2-taktilise ja iseloomuliku “kiikumise” efektiga. Nende areng kulmineerus tuntud kahesammu ja fokstrotiga, mis saavutas laialdase populaarsuse kogu maailmas ja püsis igapäevatantsu repertuaaris pikki aastaid.

Kõigi nende tantsude esialgne õitseaeg langeb kokku ragtime’i populaarsuse kulminatsiooni ja “džässiajastu” algusega.